904 ROMANTICISMO. PRERRAFAELISMO

ROMANTICISMO





CARACTERÍSTICAS GENERALES:

El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la expresión y sentimientos que pueden abrir horizontes mucho más amplios.
Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, en una palabra, lo sublime, lo que está más allá del límite. Esta ansiedad provoca mucho más placer estético que la belleza.
Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por medio del arte se intenta expresar el mundo interior del artista, aunque para ello haya que recurrir a mundos oscuros, penumbras o sueños.
Cobra importancia el tema de la magnitud. Se siente el mundo como algo inabarcable a lo que el hombre es incapaz de llegar. Esto genera un sentimiento de inferioridad y una angustia ante las fuerzas incontrolables de la Naturaleza.
Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el orgullo de las lenguas locales, las raíces profundas de los pueblos natales. Se buscan los orígenes remotos de lo primigenio.
Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización, feudalismo y por lo general, todo aquello que rechazaba el racionalismo ilustrado.
Hay un vivencia profunda de la religión.
Se impone el gusto por lo exótico. Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije profundamente en
mundos orientales.

El romanticismo supuso una renovación y enriquecimiento del limitado lenguaje y estilo neoclasicista, dando entrada a lo exótico y lo extravagante, tomando como referencia las culturas bárbaras y la edad media, en vez de las cultas de Grecia y Roma. De este modo, la belleza romántica depende más de la sensación que producen los objetos en quien los contempla, que de las propias características de éstos. El romanticismo abrió asimismo la puerta a la expresión emocional a través del uso expresivo de los recursos pictóricos – color, pincelada, composición y uso de la luz y la sombra – y la renovación del repertorio de temas.

ARQUITECTURA

El estilo arquitectónico que caracteriza el período estudiado es el llamado CLASICISMO ROMANTICO aparecido en Inglaterra y Francia desde mediados del siglo XVIII y que había sido presagiado enla obra de PIRANESI. Los primeros cultivadores de esta tendencia fueron los cuatro arquitectos‘revolucionarios’ que PETER COLLINS considera los verdaderos precursores de la Arquitectura moderna:

· JOHN SOANE (1753-1857): Principal representante del ‘Clasicismo Romántico’
en Inglaterra. Su estilo se inspira en la obra de Vanbrugh y Hawksmoor, de quienes heredó
el eclecticismo –o ‘indiferentismo’ estilístico-, la pasión por la arqueología y la búsqueda
deliberada de efectos escultóricos o pictóricos, así como en sus contemporáneos
Ledoux y Dance. Manifiesta un gusto lúgubre por las paredes blancas, sin ventanas, y, como Piranesi,
por los sarcófagos.


· ETIENNE-LOUIS BOULLÉE (1728-1799): Arquitecto ‘revolucionario’ por antonomasia.
Despreció sistemáticamente a los maestros de la Antigüedad ; desdeñaba limitar su imaginación
a lo que fuese construible y cómodo (de hecho, algunos de sus proyectos no hubieran podido ser
construidos con los materiales y técnicas de la época). Construyó poco, y se dedicó principalmente
a la enseñanza.


· CLAUDE-NICHOLAS LEDOUX (1736-1806): Discípulo de Boullée. Efectos teatrales con
masas esféricas y cúbicas. Gusto por las paredes blancas.

· JEAN-LOUIS DURAND (1760-1834): Formado en el círculo de Boullée, pero sin compartir las ideas
de aquél. Para él, el círculo constituía la forma ideal de planeamiento, pues al contener el mayor volumen
en una superficie dada de cerramiento, resultaba más económico. Consideraba que la arquitectura planteaba
dos únicos problema

ESCULTURA

Según NOVOTNY, términos como ‘romanticismo’ o ‘realismo’ son difícilmente utilizables en sentido
preciso para referirse a la escultura del siglo XIX. Sólo se puede hablar, en su opinión, de ‘romanticismo’
en un sentido literario, en relación con las temáticas elegidas por los escultores. Evidentemente,
aquella filosofía sentimentaloide de la vida del primer romanticismo que se trasluce en la idea del
Jardín Inglés también se reflejó en las esculturas incluidas en tales jardines, así como también en la
escultura funeraria ; pero eso no era propiamente ‘escultura romántica’. Además, si entendemos
por ‘romanticismo’, como en otros géneros artísticos, profundidad de contenido e independencia de los
modelos del pasado, entonces hay que decir que la escultura de la época nunca se aventuró más allá de la
esfera de lo subjetivo, es decir, de lo puramente narrativo.

* François RUDÉ (1784-1855): Partidario de Napoleón, tuvo que emigrar a Bélgica tras la
caída del Emperador en 1814, y no regresó a Francia hasta 1827. Es autor de algunos de los
relieves que se encuentran en el Arco de Triunfo de L’Étoile, en París. Su obra es bastante mediocre,
aunque agradable de ver.


* Jean-Louis-André-Théodore GÉRICAULT (1791-1824): Más conocido como pintor
[véase]. Sus escasas esculturas no pueden ser consideradas estrictamente como ‘románticas’ ;
no obstante, consiguen expresar un cierto sentimiento de ‘infinitud’ de una manera tal que
destacan de otras esculturas de la época.


PINTURA

 LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO - Delacroix (1830)

 Lo que más distingue a los pintores románticos es su afición por reflejar el paisaje, y en esa
paisajística se suele intentar reflejar, como apunta NOVOTNY, el ‘infinito’ y lo ‘inconmensurable’ ;
este extremo se halla implícito tanto en las reflexiones de los teóricos, poetas y pintores como en
los propios cuadros.. Lo dicho no significa, ni mucho menos, que los paisajistas del período
inmediatamente anterior (‘neoclásico’) no se percatasen de lo ilimitado del paisaje ni trataran de
expresarlo de alguna manera en sus obras ; sin embargo, en el clasicismo este sentimiento y esta
actitud siempre se encontraron limitados por la disciplina académica: la insistencia en los detalles
individuales no dejaba espacio para percibir de un modo cabal la amplitud y la grandeza.
En ese sentido se podría considerar a la paisajística romántica como una continuación y un
complemento del paisaje clasicista, desde el momento en que el propio concepto de ‘paisaje’
es en sí mismo ‘romántico’. El paisajismo romántico revista las siguientes cualidades.

a) Expresar de forma sencilla la monotonía y la inmensidad de los elementos de la naturaleza
b) Nueva actitud del ser humano ante el mundo natural ; más que intentar dominarlo, se adopta un papel contemplativo.

En el constreñido ambiente artístico victoriano, a mediados del siglo XIX el realismo era la única opción válida. Alfred Tennyson era el poeta laureado del momento, con su lírica de versos políticos sobre batallas y sucesos históricos que convertían la poesía en un género documental más que en un arte.

Con el desarrollo industrial, una clase media emergente, con escasos conocimientos artísticos, necesitaba unos cánones que juzgaran con facilidad cualquier creación literaria, escultórica o pictórica, clasificar toda obra como si se tratara de un insecto, un mineral o la pieza de una máquina. El realismo era sinónimo del orden burgués y crear algo de utilidad social y moral era un deber.

Uno de los temas más radicalmente recurrentes fue el paisaje puro, sin figuras, en con la pretensión de alcanzar la significación heroica de los grandes lienzos de escenas históricas. El paisaje debía, por sí mismo, despertar emoción y transmitir ideas, expresar sentimientos a través de la vinculación de estos a lugares naturales específicos.

  Caspar David Friedrich ( 1774-1840) resultó uno de los más grandes representantes de estos paisajes en los que se presentaba una intensa devoción hacia una naturaleza apacible, serena, infinitamente superior a la mísera naturaleza del hombre, con la intención de comunicar una reverencia religiosa por el paisaje.


LA PINTURA ROMÁNTICA.
INTENCIÓN Y CARACTERÍSTICAS:

E. Delacroix
T. Géricault
G. Friedrich
W. Blake

Paul Delaroche


J. A. D. Ingres


La bañista de Valpinçon. Louvre. París (1808)
La gran odalisca. Louvre. París (1814)
Princesa de Broglie (1853)
El baño turco. Louvre. París (1862)


* Ferdinand Victor-Eugène DELACROIX (1798-1863):
 Principal exponente del ‘romanticismo’
en la pintura francesa. Discípulo (1816-23) del pintor neoclásico Pierre Guerin, también
maestro de Géricault. Expuso por primera vez en el SALÓN parisiense de 1822. Su estilo refleja
el de otros pintores con los que estaba familiarizado, entre otros, Rubens. Delacroix fue un gran
admirador de la pintura inglesa y visitó Inglaterra el año 1825. En 1832 viajó a España,
Marruecos y Argelia. Después de la revolución de 1830 gozó del favor de Luis Felipe de
Borbón, y más tarde de Napoleón III, quien le encargó oficialmente una serie de obras,
empezando con la decoración del Palais Bourbon (1833). Delacroix expuso por última vez en el Salón de 1859.


* Jean-Louis-André-Theodore GÉRICAULT (1791-1824):
Pionero del romanticismo
pictórico francés. Amaba los caballos y por ello los reflejó profusamente en su obra en
actitudes dramáticas. Alumno de Carl Vernet (1808-10), cuyo taller abandonó comentando:
“Uno de mis caballos podría devorar a seis de los suyos”, para unirse al pintor neoclásico
Paul Guerin, más tarde maestro también de Delacroix.

* Jean-Baptiste-Camille COROT (1796-1875): 
Principal paisajista francés de principios
del XIX. Nació en París y se inició con el pintor neoclásico Achille Michallon, y con
Jean-Victor Bertin entre 1822 y 1825. Entre ese año y 1828 se estableció en Roma, donde
llevó a cabo una obra llena de luminosidad, precedente temprano de su pintura ‘plein air’
de años posteriores. Expuso con frecuencia en el Salón parisino, aportando lienzos basados en
croquis tomados directamente de la naturaleza, que se han convertido en la parte más apreciada
de su obra pictórica. Radicado en los alrededores de Fontainebleau, estaba muy relacionado
con los pintores de la ESCUELA DE BARBIZON. Volvió a Roma de 1834 a 1835. En sus últimos añosCorot se dedicó a viajar por toda Francia, visitando también Holanda, Suiza y Londres (1862).
En su vida privada se mostró un hombre sencillo y generoso, benefactor de los artistas que
atravesaban dificultades, especialmente de aquellos jóvenes que no habían pasado por la Aca
demia. Su obra fue frecuentemente imitada por advenedizos.
Inglaterra:

* Joseph Mallord William TURNER (1775-1851)
: El más apreciado artista romántico inglés.
Se le conoce como ‘el pintor de la luz’, por el creciente interés que mostró por la
utilización de colores brillantes como el componente más importante de sus paisajes y marinas.
Su obra incluye acuarelas, óleos y grabados. En 1840 conoció al crítico Ruskin, quien
acabó convirtiéndose en el más acérrimo defensor de su obra. Viva-mente interesado por los
avances tecnológicos de su época, los reflejó en algunas de sus pinturas de una manera
expresiva que fue criticada en su día, pero que hoy goza del general beneplácito.

* John CONSTABLE (1776-1837): 
Pintor inglés famoso por sus paisajes, todos ellos
localizados en la campiña de Suffolk, donde el artista nació y pasó la mayor parte de su vida
(sólo lo abandonó con motivo de una corta estancia en Salisbury y durante su luna de miel en
Weymouth). Hizo muchos apuntes del natural, que luego le sirvieron para sus grandes
cuadros, que elaboraba en estudio. Sus pinturas continúan gozando de bastante aceptación en
la actualidad ; sin embargo, no fueron especialmente bien recibidas en Inglaterra en vida de su
autor. Obtuvo, no obstante, un éxito considerable en París. Expuso a partir de 1802 en la
Academia Real de Londres, y más tarde en el Salón parisiense. Tuvo influencia en la Escuela
de Barbizon y en el movimiento romántico francés. A su vez fue influido por artistas
holandeses como Ruisdael. También le resultaron útiles como modelo algunos cuadros de Rubens
y Claude ; eso no impidió que su estilo se caracterizase por un individualismo marcadamente
original.


* Caspar David FRIEDRICH (1774-1840): 
Uno de los máximos exponentes de la paisajística
romántica alemana. Nacido en Pomerania, que pertenecía entonces a Suecia, acabó estableciéndose
en Dresden y asociándose con los estudiosos y poetas románticos de esa ciudad. Se ganó una sólida
reputación como autor de grabados y sepias paisajísticos antes de iniciarse en el óleo (1808-12).
Fue elegido miembro de las Academias de Berlín (1810) y Dresden (1816). En 1824 fue nombrado
Profesor Asociado de Paisajística en esta última institución. De naturaleza enfermiza, dejó de pintar
tras sufrir un ataque en 1835.

* Philipp Otto RUNGE (1777-1810): 
Estuvo relacionado con Tieck y con Goethe.
Pintó composiciones sentimentales de carácter romántico, como, por ejemplo, ‘La lección del ruiseñor’, que le dieron nombre.

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ESCUELAS EUROPEAS


Romanticismo francés:

-GROS



A.J.Gros, Napoleón en el puente de Arcole, 1798-1800, óleo sobre lienzo, 134 x 104 cm.



A.J.Gros, Napoleón y los apestados de Jaffa, 1804, óleo sobre lienzo, 523 x 715,Museo del Louvre,



A.J.Gros, La batalla de Eylau, 1807-1808, óleo sobre lienzo, 533 x 800,Museo del Louvre, París.


INGRES

Ingres no es, en sentido estricto, neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez clásico,romántico y realista. Ingres constituye un claro exponente del romanticismo en cuanto a los temas, el trazo abstracto y las tintas planas de intenso colorido
Igualmente, es ejemplo de orientalismo, pues muchos de sus cuadros, especialmente desnudos femeninos, están dominados por un sentido irreal del exotismo propio del siglo XVIII

En su impulso romántico por la búsqueda de la belleza ideal" "sumó su fascinación por el pasado clásico a su fascinación por el arte de Rafael. Engrandeció el retrato, el desnudo y la pintura de historia. Sus extraordinarias dotes como dibujante le llevaron a la cúspide de esta disciplina y mostraron su inagotable búsqueda de la perfección".

  Ingres, Napoleón imperator, 1806, óleo sobre lienzo.
El éxito temprano hizo que fuera muy criticado en el ambiente artístico y que a raíz del gran retrato de Napoleón Bonaparte vestido de emperador, aquellas críticas arreciaran entre sus colegas. Pero su carrera como retratista no paró por esos desprecios públicos, ni mucho menos.

Ingres,
 'Napoleón I en el trono imperial'

Retratos

Ingres, Mademoiselle Rivière, 1805, óleo sobre lienzo,Museo del Louvre, París.
 'La condesa de Hayssonville',
  Retrato de Madame de Moitessier, propiedad de la National Gallery de Londres.


Desnudos

 La bañista de Valpiçon, 1808, óleo sobre lienzo, 146 x 97´5 cm,Museo del Louvre,

 Ingres, La gran odalisca, 1814, óleo sobre lienzo, 91 x 162 cm,Museo del Louvre, París.
La gran odalisca. Esta bella trabajadora del harén cuando fue expuesta en el Salón de París en 1819. “Las reacciones fueron tremendas”. “Se tachó la obra de obscena. Y lo peor: de escasa precisión anatómica de la protagonista. Armados con un metro, midieron su espalda y concluyeron que tenía tres vértebras de más.
Son muchos los detalles que hacen que este desnudo despierte nuestros sentidos más que «La Venus del espejo», de Velázquez, o «La Venus de Urbino», de Tiziano, los dos mejores desnudos de la Historia del Arte. ingresó en el Louvre en 1899. En 1907 colgaba junto a la «Olympia», de Manet,
Personifica la sensualidad más pura o del placer más intenso, la mirada verde oscuro de esta jovencita atrapa la atención del espectador desde la parte central de un lienzo de 91 por 162 centímetros. Tocada con un turbante, la chica aparece recostada sobre un diván mostrando la parte posterior de su cuerpo en una contorsión imposible que solo se rompe con la inclusión de un abanico de plumas de avestruz y una pipa colocadas al final de sus muslos,«la piel charolada, perfecta, pulida», que Ingres envuelve en distintas telas que evocan lo placentero del tacto: pieles, terciopelos, sedas... También, a través delhumo del tabaco y el incienso, representados por la pipa y el incensario, a la derecha de la composición, así como la sensación de que las plumas de pavo real (símbolo de la vanidad) de su abanicoacarician su brillante piel. «Ingres establece un equilibrio perfecto entre el deseo platónico de belleza ideal y la carnalidad física, la belleza mortal del cuerpo de la mujer con un juego de líneas y curvas casi musical»,También, gracias al color (espléndidos azules, amarillos...), la pintura invita al placer.
 El cuadro fue pintado en 1814 por encargo de Carolina Murat, la hermana menor de Napoleón, para adornar su palacio napolitano junto a un desnudo frontal, titulado La bella durmiente, obra que se pierde cuando los Murat caen en Nápoles. “Es un desnudo singular”. “Porque frente a la representación platónica del desnudo, Ingres opta por la representación carnal. La diferencia de este desnudo frente a otros consiste en que esta odalisca es una perfecta representación de la sensualidad y el placer. Frente a los desnudos racionales, este es puramente pasional”.


 Ingres, La fuente, c.1820-1856, óleo sobre lienzo, 163 x 80 cm,Musée d´Orsay, París.



 Ingres, El baño turco, 1862, óleo sobre lienzo, 108 cm de diámetro,Museo del Louvre, París.
El baño turco, amasijo de desnudos femeninos pintados de memoria entre 1852 y 1859 por un Ingres anciano.



 Ingres, Venus, 1848, óleo sobre lienzo,Musée Condé, Chantilly.

Mitología



 Ingres, Tetis implorando a Júpiter, c.1811, óleo sobre lienzo.
Edipo y la esfinge (1808), un óleo neoclásico en el que el desnudo masculino retoma los modelos griegos en un insuperable juego de luces.



'Ruggiero liberando a Angélica', llegada del Louvre


GERICAULT



T. Géricault, Húsar a caballo, c.1814, óleo sobre lienzo, 349 x 266 cm,Museo del Louvre, París.




T. Géricault, La Balsa de la Medusa, c.1818, óleo sobre lienzo, 4´5 x 6´5 m,Museo del Louvre, París.



T. Géricault, El derby de Epson, c.1821, óleo sobre lienzo.


T. Géricault, El cleptómano, c.1822, óleo sobre lienzo,Museo de Bellas Artes, Gante.



T. Géricault, Retrato de mujer loca, c.1822, óleo sobre lienzo, 77 x 65 cm,Museo del Louvre, Museo del Louvre, París.



T. Géricault, Retrato de mujer loca, c.1822-1823, óleo sobre lienzo.


DELACROIX

632 Delacroix
'Mujeres de Argel', de Eugène Delacroix.



E. Delacroix, La Barca de Dante, 1822, óleo sobre lienzo, 189 x 242 cm,Museo del Louvre, París.



E. Delacroix, La Matanza de Quíos, 1824, óleo sobre lienzo,Museo del Louvre, París.



E. Delacroix, La muerte de Sardanápalo, 1827-1828, óleo sobre lienzo, 392 x 496 cm,Louvre, París.



E. Delacroix, La Libertad guiando al pueblo, 1830, óleo sobre lienzo, 260 x 325 cm,Museo del Louvre, París.




E. Delacroix, Mujeres de Argel, 1834, óleo sobre lienzo, 180 x 229 cm, Louvre, París.




E. Delacroix, La caza del león, c.1861, boceto al óleo, Musée d´Orsay.



E. Delacroix, Jinete árabe atacado por un león, 1849-50, 32.5 x 24.8 cm, óleo sobre tabla,rt Institute of Chicago .



E. Delacroix, Entrada de la Cruzadas en Constantinopla, 1840, 411 x 497 cm,óleo sobre lienzo,Musee du Louvre, Paris.


E. Delacroix, Niña huerfana en el cementerio, 1824, 66 x 54 cm,Musee du Louvre, Paris.



ROMANTICISMO INGLÉS

BLAKE

William Blake


W. Blake, Torbellino de amantes, Galería Birminghan.



W. Blake, El anciano de los días, aguafuerte y acuarela, 23´3 x 16´8 cm,Museo Británico, Londres.



W. Blake, El cuerpo de Abel descubierto por Adán y Eva, c.1825,acuarela sobre madera, 32 x 43 cm.



W. Blake, El gran dragón rojo y mujer vestida de sol, c.1806-1809,acuarela sobre madera, 34.3 x 42 cm. Brooklyn Museum, New York


ROMANTICISMO ALEMÁN

FRIEDRICH

Gaspar D.Friedrich



C.D. Friedrich, Cruz en la Montaña, 1807-1808, óleo sobre lienzo, 115 x 110 cm,Galería Gemälde, Dresde.

C.D. Friedrich, Abadía en el robledal , 1809-1810, óleo sobre lienzo,Schloss Charlottenburg, Berlín.



C.D. Friedrich, El mar de Hielo , c. 1823-25, 96.7 x 126.9 cm, óleo sobre lienzo,Schloss Kunsthalle, Hamburg.


C.D. Friedrich, Riesengebirge , c. 1835, 73.5 x 102.5 cm, óleo sobre lienzo,Hermitage, St. Petersburg.



C.D. Friedrich, El cementerio de Cloister nevado , 1817-19, 121 x 170 cm,óleo sobre lienzo, Desaprecido en 1945, copia en el National Gallery, Berlin.



PRERRAFAELISTAS

Hermandad Prerrafaelita
PRERRAFAELITAS.

 Los PRERRAFAELISTAS: 
 
 La ‘Hermandad Prerrafaelista’ fue un movimiento artístico inglés del siglo XIX fundado en 1848 por Holman Hunt, Millais, Rossetti y otros, que compartían el ideal de emular o recrear obras inspiradas en la pintura italiana anterior a la obra madura de Rafael. En realidad esos artistas no conocían suficientemente bien el arte italiano de ese período ; en consecuencia, desarrollaron una técnica innovadora, extremadamente
detallista, que con frecuencia aplicaban a temas bíblicos o literarios. Todos estos cuadros se
caracterizan por un trabajo meticuloso con colores vivos sobre un fondo blanco húmedo,
un simbolismo complejo y el análisis de personajes fuera del estudio. Su labor fue aclamada y
defendida por críticos tales como Ruskin.

La Hermandad Prerrafaelita constituyó  la primera vanguardia artística de la historia

Bajo la idealización de la belleza clásica y la representación de relatos extraídos de la Biblia, las leyendas medievales o la literatura británica, los pintores también exploraron la tensión entre la belleza absoluta y el impulso dionisiaco.


Descubrir los artistas contemporáneos de la reina Victoria, de Lawrence Alma-Tadema a Edward Coley Burne-Jones, pasando por Lord Frederic Leighton o Albert J. Moore. Fueron estrellas en su época hasta caer en el olvido allá por la Primera Guerra Mundial, cuando su estética, considerada rancia y barroca hasta lo indecible, empezó a ser observada con cierto desprecio intelectual.
"Supone un desafío volver a exponer este corriente menospreciado, considerado pasado de moda y eclipsado por sus coetáneos impresionistas, a los que los grandes museos siempre han considerado mucho más interesantes


William Holman Hunt (1827-1910), John Everett Millais (1829-1896) y Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) rondaban los 20 años y estaban estudiando en la Royal Academy of Arts de Londres. Hartos de las convenciones de mediados del siglo XIX, deciden "hacer renacer, en la mente de la gente, una buena reflexión", en palabras de Millais. En poco tiempo se les unen Thomas Woolner (1825-1892), James Collinson (1825-1881), William Michael Rossetti (1829-1919) y Frederick Georges Stephens (1828-1907) y fundan la cofradía prerrafaelita. La razón del nombre es la crítica que hacen a La Transfiguración (1518-1520) de Rafael.

Según Hunt, el cuadro "debería ser condenado por su inmenso desprecio de la sencillez de la verdad, la pose pomposa de los apóstoles y la actitud poco espiritual del Salvador". La cofradía quiere regresar a la etapa pictórica libre de normas académicas anterior a este maestro renacentista.
A finales de la década organizan sus primeras exposiciones en Londres bajo la firma P. R. B., unas iniciales cuyo significado solo desvelan tiempo después, Pre-Raphaelite Brotherhood (cofradía prerrafaelita). Al percibir que sus cuadros son bien recibidos, publican The Gern, una revista, de la que salen cuatro números entre enero y abril de 1850, que difunde sus ideas y trata de dar una mayor visibilidad a los artistas. Sin embargo, el comienzo de la nueva década trae consigo críticas para los prerrafaelitas. Sectores de la sociedad les acusan de tratar de manera trivial temas sagrados.

El verdadero éxito del movimiento comienza una vez disuelta la hermandad. Los artistas continúan componiendo de manera individual y su estilo influye en la pintura británica hasta finales del siglo XIX, momento en el que se puede dar por concluida esta tendencia y sus posteriores huellas.
Sus pinturas rebosan de referencias mitológicas, religiosas, poéticas y literarias, como The Lady of Shalott, que parte de los poemas de Tennyson del mismo nombre, u Ophelia, basada en el personaje de Hamlet, de Shakespeare. Obras de vivos colores en las que mujer y naturaleza son las grandes protagonistas.


· William Holman Hunt (1827.1910): 
Expuso los postulados del grupo en su libro
‘El prerrafaelismo y la hermandad prerrafaelista’ (1905). Realizó numerosos viajes por
Egipto y Palestina y pintó escenas bíblicas de cuidada ambientación, en perfecto acuerdo
con los principios de su Escuela. Su lienzo ‘Luz del Mundo’ (1854) causó gran impresión al
ser expuesto por vez primera.

· John Everett Millais (1829-1896): 
Alcanzó fama y popularidad por sus lienzos de tema
histórico y literario, en los que el realismo se combina con cierta tendencia arcaizante.
En la actualidad lo que más se valora de su producción son los retratos.

· Dante Gabriel Rossetti (1828-1882): 
Poeta y pintor. Principal inspirador de la
Hermandad prerrafaelista.


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'Ophelia' - John Everett Millais
‘Ophelia’ – John Everett Millais

1. Ophelia - John Everett Millais (1829-1896). El color y la textura de las algas parecen tapizados en lugar de vegetación. Las diminutas flores brillan como joyas sobre el cadáver de Ofelia, la amada suicida del príncipe Hamlet, el protagonista de la tragedia de Shakespeare.
Los prerrafaelistas eran fieles a pintar del natural y Millais no era una excepción: comenzó en el verano de 1851 a retratar el río Ewell, cerca de Kingston-upon-Thames (ahora un suburbio del sudoeste de Londres) en sesiones que duraban todo el día.

La fragilidad de Ofelia la personificó Elizabeth Siddal (1829-1862), que escribió poesía y pintó además de ser modelo de Millais, Walter Deverell, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. Siddal posó durante el invierno, tumbada en una bañera calentada con lámparas de aceite. En una ocasión se apagaron y el agua se enfrió, la chica no dijo nada y el artista, abstraído y finalizando el cuadro, no prestó atención al detalle. La sufrida musa cogió un resfriado cercano a la neumonía y su padre reclamó al artista 50 libras esterlinas como compensación por los gastos médicos.

'Beata Beatrix' - Dante Gabriel Rossetti
‘Beata Beatrix’ – Dante Gabriel Rossetti

2. Beata Beatrix – Dante Gabriel Rossetti (1828-1882). Elizabeth Siddal mantuvo un romance de una década con Rossetti y fue esposa del pintor sólo durante dos años, hasta 1862, cuando ella murió de una sobredosis de láudano, el preparado a base de opio utilizado como panacea en el siglo XIX. El pintor se inspiró en su esposa para representar a Beatriz, el amor platónico de Dante Alighieri. La pintura —realizada un año después de la muerte de Siddal—, ilustra la Vita Nuova (1292-93), la primera obra del italiano, en la que explica su amor platónico por Beatriz, que traspasa su estátus de ser humano y es ante los ojos del poeta una criatura celestial y redentora de pecados.

'Queen Guenevere' - William Morris
‘Queen Guenevere’ – William Morris

3. Queen Guenevere - William Morris (1834-1896). 

Fue pintor, escritor, diseñador textil, artesano, activista político… William Morris se rebeló siempre contra el desarrollo industrial. Creó el movimiento Arts and Crafts (Artes y oficios) como reacción a los productos creados en masa, para recuperar procesos artesanos de orígenes que se remontaban a la Edad Media y estaban en peligro de desaparecer. Los patrones decorativos del tocador de la reina, las tallas y los trabajos de marquetería, el diseño del vestido o el manuscrito en el que se adivina una letra dorada son detalles que delatan el amor del artista por el detalle exquisito.
La reina Ginebra es Jane Burden, el ideal de belleza  del arte prerrafaelista (1839-1914). Posó también para Rossetti y parece ser que estaba enamorada de él, pero el pintor ya había encontrado a Siddal. Burden se casó con Morris en 1859, un año después de posar para este cuadro, el único óleo que el artista finalizó. La nueva señora Morris tenía una educación básica y tras el matrimonio recibió clases privadas. Demostró ser una ávida lectora y una talentosa pianista, aprendió casi a la perfección francés e italiano. El escritor irlandés George Bernard Shaw la utilizó como inspiración para la obra de teatro Pygmalion (1912), que cuenta como la florista Eliza Doolittle es educada por el profesor de fonética Henry Higgins, que logra tras grandes sacrificios una transformación que borra su pasado obrero.

Ford Madox Brown - 'The Last of England'
Ford Madox Brown – ‘The Last of England’
4. The Last of EnglandFord Madox Brown (1821-1893).

 No llegó a pertenecer a la Hermandad Prerrafaelita, pero se mostraba en contra del academicismo en el arte, colaboró en la empresa de diseño de Morris y fue gran amigo de Rossetti. Seducido por la idea de la emigración a causa de la falta de éxito y de ingresos, Brown fue a Australia a visitar al escultor prerrafaelista Thomas Woolner, que se había marchado de Inglaterra en 1852 y había encontrado el éxito en las antípodas. El cuadro, realizado entre 1852 y 1855, muestra a una pareja de emigrantes de clase media —el pintor y su esposa Emma— que se despiden de Inglaterra. Brown resalta que, a diferencia de las clases sin cultura, que se alegran de marcharse, los emigrantes formados son conscientes de lo que pierden y por eso miran hacia atrás con melancolía. El artista finalmente no abandonó su país.

John Everett Millais - 'Blind Girl'
John Everett Millais – ‘Blind Girl’
5. The Blind GirlJohn Everett Millais.
 Una muchacha ciega descansa en un prado. En su cuello lleva escrito el mensaje “Compadézcase de la ciega”, en el regazo tiene una concertina, el instrumento que utiliza para pedir dinero. Millais complementa la hermosura desvalida de la joven y su guía, una niña que podría ser su hermana, con la belleza del paisaje de pastos y nubes negras en el que la tormenta intensifica el olor de la hierba y el brillo del sol provoca un doble arcoiris.
Fiel a la tradición prerrafaelista de incluir a esposas, amantes y amigos entre los personajes de los cuadros para dotar a las escenas de autenticidad, la modelo es Effie Millais (1828-1897), la mujer del artista, que abandonó al crítico John Ruskin (con el que nunca consumó el matrimonio porque él no la consideraba deseable) para casarse con Millais.
El cuadro es una alegoría de los sentidos, intensificados en una persona que no puede ver, pero sí sentir la belleza sublime del escenario con una quietud que incluso provoca que una mariposa se pose tranquila en su hombro. La niña que acompaña a la protagonista muestra la inquietud infantil de quien no necesita descansar. Cuando se expuso por primera vez, en 1856, muchos señalaron que el doble arcoiris invierte el orden de los colores. Millais había pintado ambos con la misma progresión y a raíz de la crítica cambió el detalle para darle veracidad científica.


* Los NAZARENOS:

Precursores del ‘romanticismo’ pictórico propiamente dicho.
Intentaron dar cumplimiento al ideal de la fusión de religión y arte. El grupo se formó en
Viena en 1809, y con el nombre de ‘Lucas-Bund’ se establecieron en un monasterio romano
a partir de 1810. En sus lienzos siguieron desarrollando la técnica dogmática del ‘clasicismo
programático’ ; en realidad, la única razón de clasificarlos dentro del romanticismo, como
generalmente suele hacerse, radica en su interés por la temática religiosa:
· Peter von Cornelius (1783-1867): Practicó la pintura al fresco y se consagró
a evocar el pasado alemán en grandes composiciones, la más conocida de las cuales es
el ‘Ciclo de los Nibelungos’.
* El Biedermaier:: Arte ‘naturalista’, cuyos autores, que solían decir “la naturaleza
es nuestra maestra”, deberían, en opinión de Novotny, ser calificados más bien de artesanos:
· Ferdinand G. Waldmüller (1793-1895): Profesor de la Academia de Viena
desde 1829. Estilo minucioso, casi fotográfico, exponente típico del gusto burgués de
la época. Se dedicó sobre todo al retrato, pero también pintó escenas de género,
bodegones y paisajes ; en estos últimos se aproximaba al estilo del grupo francés de Barbizon.

 
Crenaia, la ninfa del río Dargle / LORD FREDERIC LEIGHTON


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