MOVIMIENTOS CULTURALES
ARTE Y CULTURA
ARTE PARA EL S. XXI. ¿NOS HACEMOS UN SELFIE PARAPARECER POSTMODERNOS?. NARRATIVAS PARA EL MULTIVERSO
Lenguajes artísticos contemporáneos
CONTEXTO
Observamos grandes cambios respecto a la manera de crear, dar a conocer y, por supuesto, comercializar las creaciones en los últimos años. Pero ¿cuáles son los motivos?, ¿cuáles son los factores que han generado este cambio rápido, imparable y posiblemente sin retorno? Muchos hablan de causas como el auge de las redes sociales y crecimiento del comercio electrónico en la pandemia, mientras otros lo asocian a problemas económicos en el globo producto de las guerras, del crecimiento del mercado del arte asiático, en contraste del americano.En el s. XXI surge la virtualidad, el metaverso, el streaming, los podcast, los NFT, los avatares, Tic-toc, los selfie y los like. Son algunos de los requisitos para la sociedad digital postmoderna
El metaverso ha llegado. Aquellas vanguardias ( Fovismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Abstracción lírica, Constructivismo, Suprematismo, dadaísmo, Neoplasticismo o De Stijl,. Surrealismo, futurismo. V.ART-XX-PINTURA 1/2ª s y las 2ªs vanguardias, entre otros el expresionismo, informalismo, pop, y arte conceptual que ya mencionamos (ART-XX-PINTURA-2/2 ), nos han llevado a la postmodernidad, y esta a la contemporaneidad.
-» Arte Moderno «generalmente se asocia con el siglo 1870-1970,
- «Arte posmoderno» entre 1970-2020
-«Arte contemporáneo» período 2000-2050.
-«Arte contemporáneo» período 2000-2050.
Como la mejor película distópica entra en nuestras vidas y cultura. De esta manera se nos representa pegados a la pantalla o hablando con Siri o Alexa en metarealidades inmersivas.
Tourine (1994) afirma:“La crisis de la modernidad alcanza su cima cuando la sociedad se aparta de todo principio de racionalización (ya sea que funcione como un mercado o que se defina como una identidad histórica) y cuando los actores solo tienen referencias, culturales, comunitarias e individuales. Y hay una clara separación del sistema y los actores o los sujetos protagonistas de los cambios. Se toma que la sociedad se rige por una cultura de juventud en contraposición a las grandes empresas, pero lo que hoy nos asusta no es el carácter cerrado de un mundo demasiado inmóvil predestinado a lo que diga la razón, sino por el contrario el desorden de una sociedad en la que el universo de las técnicas y de las organizaciones choca con el mundo de los deseos e identidades” (p.60).
VEMOS CINE:
De nuevo te presento 3 propuestas inspiradoras para la realización de tu proyecto final
Cuando el cine empieza a retroceder como teoría de la comunicación e incluso como movimiento artísticos, nuevas formas de expresión del medio sólo salen del aula, también nuevas propuestas salen desde otros ámbitos. El corto se reivindica. La flexibilidad-liquidez también ha llegado a la teoría del cine.
A lo largo de la historia han surgido innumerables cuestiones relacionadas con la humanidad y el sentido de la vida. Con el origen del hombre, su evolución, la relación con su entorno y con la tecnología. El cine ha cogido el reto, y, en torno a sus temáticas encontramos respuestas que acechan y ponen en tela de juicio teorías que se daban por supuestas. Nos parecía onírico, surrealista, futurista pero la posmodernidad promete.
Como "La contadora de películas", de Lone Sherfig, 2023, un relato humanista y cinéfilo, como carta de amor al cine, donde María Margarita se convertirá en la contadora de historias del pueblo, donde la mayor parte de sus habitantes no pueden pagarse una entrada de cine, te propongo una nueva terna.
Atrás queda Tiempos modernos (Charles Chaplin, 1936). o Metrópolis (Fritz Lang, 1927, que responde a la etapa moderna, la postmodernidad nos representa con otros ejemplos.
-2001: una odisea del espacio, filmada por Stanley Kubrick
La IA se apodera de la nave y del hombre. Kubrick pretendía que el público reflexionara y sacara sus propias conclusiones. Así, de esta cinta se pueden extraer diferentes interpretaciones relacionadas con la evolución del hombre, la revolución tecnológica y de la inteligencia artificial.
-The Matrix de Larry y Andy Wachowski .
En 1999, los hermanos Larry y Andy Wachowski revolucionaron el género de la ciencia ficción con Matrix, una mezcla perfecta efectos visuales rompedores y un guión enormemente elaborado que escondía una compleja teoría filosófica.
La crítica, en general, la ensalzó y pronto surgió una horda de seguidores que la convirtieron en una película de culto. A la primera parte le siguieron otras dos, Matrix reloaded y Matrix revolutions, rodadas a la vez en 2003, adoradas por unos y denostadas por otros.
Matrix seguía, exactamente, el mismo camino que habían iniciado otros pesos pesados del género décadas antes, como Star Wars, Star Trek o Blade Runner.
El guión hablaba de Internet, de mundos virtuales y de humanos sumergidos en una realidad creada por ordenador. Todo aquello ya era un hecho en 1999. Además, incluía música tecno y una estética cercana al videojuego, dos elementos cotidianos en la cultura occidental. No es nada raro, por tanto, que algunos de sus clichés se incorporaran tan rápidamente al lenguaje de la calle. Pero el filme, además, era una producción espectacular, con un elenco de estrellas (Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss, Hugo Weaving) y un estilo y unos efectos visuales que han marcado época.
Es el Movimiento artístico y cultural de fines del siglo XX se caracteriza por su oposición al racionalismo y por su culto predominante de las formas, el individualismo y la falta de compromiso social. Jean F. Lyotard, en su libro La posmodernidad (explicada a los niños), afirma que el discurso de la modernidad ha concluido y que los discursoss pueden ser fácilmente cuestionados.
La introducción de nuevos tipos de arte por ejemplo, como Performance, Happenings and Installations, junto con nuevos temas, que incluyen tiburones muertos, moscas moribundas, enormes esculturas de hielo, multitudes de cuerpos desnudos, edificios que parecen estar en movimiento, una colección de 35, 000 Figuras de terracota, islas envueltas en tela de polipropileno rosa, cuerpos pintados, imágenes proyectadas espeluznantes en edificios públicos, etc., han brindado a los espectadores una gama de experiencias nuevas (a veces impactantes). Si estas nuevas así llamadas formas de arte en realidad constituyen «arte» sigue siendo un tema muy discutido. Los conceptualistas posmodernos dicen «Sí», los tradicionalistas dicen «No». (https://hstraarte.wordpress.com/2020/06/05/arte-posmoderno/)
La pintura se reivindica más como pensamiento que como forma. En ocasiones, no hay lienzo, ni pinceles, ni pigmentos. A veces no es bidimensional y, en muchos casos, ya no es pintura, sino una idea. En la muestras surgen contextos,autores, tecnicas, puntos de pensamiento, soportes, superficies. Són múltiples. El enfrentamientola entre la abstracción, y la pintura figurativa ahora válidan la época de la promiscuidad de las imágenes, en términos de Realidad/irrealidad, la búsqueda de lo irrepresentable/lo representable, la fascinación por lo insignificante /lo exepcional, la exuberancia /simplicidad, lo global/lo local de la estética neobarroca. lo temporal, lo efímero o la técnica artística.
Un siglo después de la creación de la Bauhaus original, la UE se ha inspirado en la idea del arquitecto Walter Gropius para concebir una Nueva Bahaus Europea(Nueva Bauhaus Europea -2020-, junto al Nuevo museo dedicado a la Bauhaus en Weimar, inaugurado a principios de 2019), una mesa de diálogo que se apoya en aquella idea revolucionaria de que “la forma sigue a la función”, pero enfocándo a tres objetivos: la inclusividad, la belleza y la sostenibilidad. En ellas, colectivos de diseñadores, arquitectos, artistas y un largo etcétera están pespuntado las líneas de ese proyecto cuyos únicos requisitos son la conciencia verde, igualitaria y creativa. Promover la dimensión arquitectónica y su valor para mejorar la calidad de vida en las ciudades y la calidad de los pueblo incidiendo en el concepto de la calidad y la “cultura del entorno construido”
Propuesta de escuela sostenible y modular para adaptarse al mundo post-Covid , VALENTINO GARERI
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Proyección del Bernabéu, L35
El ideal del belleza se fija en lo asimétrico, y como acto de rebeldia o contracultural, como aquel que se pone los calcetines diferentes, la geometría asimétrica y fluida cobra sentido en una una piel de acero tratado con superficies que reflejan la luz de manera cambiante donde las perfiladas aristas curvas expresan fluidez y dinamismo, rompiendo de esta manera el concepto de cuatro fachadas, Y la tecnología puesta al servicio, y allí una cubierta que se cierra en 15 minutos. y abajo un cespec también retráctil. Los estadios deportivos son las nuevas catedrales, los nuevos museos, los lugares en las que los mejores artistas de la construcción vuelcan sus esfuerzos y hasta conseguir siempre la mayor innovación. Una oportunidad de transformar no solo el propio edificio sino su relación con los usuarios, el barrio y la ciudad. 
Me acerco a ella en mi paseo diario. El edificio se desarrollará en tres plantas sobre las que romperán unos
grandes lucernarios que iluminarán el espacio de lectura y que definirán
el perfil del edificio en un juego especial de relevancia con los espacios exteriores.
La escultura se vuelve instalación, se hace interactiva.El siglo XXI abre el debate sobre lo espacial y su formato de instalación. Estábamos acostumbrados a las esculturas de mármol o yeso en los grandes museos pero ahora se deconstruye. Y con la llegada del Cinetismo, se logró crear figuras móviles. El museo se abre a la calle, y las obras las encontramos en la plaza de las ciudades. No faltará el grafitti en este arte urbano
Es el arte de intervenir y resignificar objetos cotidianos que habitualmente ves mezclados entre el paisaje que te rodea, pero dándoles un sentido artístico. Pudiera recordona a las "naturalezas muertas" En la sociedad del consumo los objetos son objeto de deseo, Funcionales o artísticos de diseño.. Objetos encontrados y repensados, reciclados y regenerados. También nos vales para pensar en el arte ambiental.
Cuando se trata de explicar el concepto de arte objeto o ready made, podemos decir que es la transición o el viaje que realiza un objeto cotidiano en una pieza de arte. En pocas palabras, es la magia con la que algo ordinario se convierte en algo extraordinario tras haber pasado por la mano creativa del artista. El arte objetual comparte ciertas características con el arte conceptual, ambos pertenecientes a la postmodernidad o arte contemporáneo. Estas son algunas de las más reconocibles:
Lo más interesante del arte objetual es sin duda el poder que encierra de hacerte cuestionar la belleza de los objetos, te invita a reflexionar y a abstraer tus pensamientos lógicos en poder focalizar exclusivamente en la carga artística de dicho objeto. Por eso, una de las principales características del arte objeto es resignificar la idea de lo bello y cuestionar este concepto constantemente.
La primera obra de arte objeto realizada por el famoso artista Marcel Duchamp que, como te mencionamos antes, fue el primero en introducir el término ready made Fue en 1913 y se llamó “Rueda de bicicleta”. La obra no es ni más ni menos que una rueda de bicicleta invertida insertada dentro de un banco de madera.
A Duchamp también se le atribuye la controvertida obra “Fuente”, aunque fue firmada con el seudónimo de R. Mutt en 1917. La obra es simplemente un mingitorio que, de alguna manera, se convierte en una fuente sacada del contexto habitual y puesto dentro de un museo. La polémica intención de Duchamp con esta obra fue manifestar que “cualquier cosa podía ser considerada arte si se encontraba en un museo” y cómo el arte había ido perdiendo su valor real.
Cierto que hay una reflexipm sobre los objetos, sobre la importancia y su valor. En la sociedad del consumo, de fecha caducidad, de comprar y tirar, cuando los objetos se transforman en mercancía y, por tanto, pasan a ser una parte fundamental del sistema económico, es cuando antes nos desentendemos de ellos y los sustituimos por otros más nuevos. se hace necesario la economías circulares. Es momento de volver a prestar atención a la belleza, la memoria y el sentido de las cosas que nos rodean.
En libro, el filósofo y profesor Broncano se ocupa de nuestra relación con los objetos, elementos inseparables de aquello que solemos llamar “cultura” que nos acompañan desde el nacimiento hasta la muerte, y a veces más allá, porque muchos rituales funerarios incluyen las pertenencias del difunto. En tiempos de emergencia climática mitad , otorgar a los objetos la importancia que merecen (su fabricación, su circulación, su utilidad, su significado…). (Fernando Broncano , La escala de las cosas ,Editorial Delirio, 2023),
Tal vez, de nuevo nos pudieramos plantear la idea del fin del arte. (Donald Kuspi: El fin del arte. ed. Akal). En El fin del arte Donald Kuspit sostiene que el arte ha llegado a su término porque ha perdido su carga estética. El arte ha sido sustituido por el «postarte», un término inventado por Alan Kaprow como una nueva categoría visual que eleva lo banal por encima de lo enigmático, lo escatológico por encima de lo sagrado, la inteligencia por encima de la creatividad. Remontando la desaparición de la experiencia estética hasta las obras y la teoría de Marcel Duchamp y Barnett Newman, Kuspit sostiene que la devaluación es inseparable del carácter entrópico del arte moderno y que el antiestético arte posmoderno constituye su fase final.
-Blade Runner, de Ridley Scott,
Se trata de la película postmoderna por excelencia. el escenario de Blade Runner es de decadencia urbana, edificios abandonados, calles abarrotadas de
gente, con mercados, basura sin recoger y una llovizna gris constante. El futuro está en ruinas. Runner plantea cuestionesdeidentificación,identidadehistoria. El mundo de la posmodernidad se enfrenta a complejos dilemas que se complican por la magnitud de los problemas entre el vivir, el entorno global, y la disminución paralela de los recursos éticos.
Se trata de la película postmoderna por excelencia. el escenario de Blade Runner es de decadencia urbana, edificios abandonados, calles abarrotadas de
gente, con mercados, basura sin recoger y una llovizna gris constante. El futuro está en ruinas. Runner plantea cuestionesdeidentificación,identidadehistoria. El mundo de la posmodernidad se enfrenta a complejos dilemas que se complican por la magnitud de los problemas entre el vivir, el entorno global, y la disminución paralela de los recursos éticos.
31 min, Estados Unidos,1999
En 1999, los hermanos Larry y Andy Wachowski revolucionaron el género de la ciencia ficción con Matrix, una mezcla perfecta efectos visuales rompedores y un guión enormemente elaborado que escondía una compleja teoría filosófica.
La crítica, en general, la ensalzó y pronto surgió una horda de seguidores que la convirtieron en una película de culto. A la primera parte le siguieron otras dos, Matrix reloaded y Matrix revolutions, rodadas a la vez en 2003, adoradas por unos y denostadas por otros.
Matrix seguía, exactamente, el mismo camino que habían iniciado otros pesos pesados del género décadas antes, como Star Wars, Star Trek o Blade Runner.
El guión hablaba de Internet, de mundos virtuales y de humanos sumergidos en una realidad creada por ordenador. Todo aquello ya era un hecho en 1999. Además, incluía música tecno y una estética cercana al videojuego, dos elementos cotidianos en la cultura occidental. No es nada raro, por tanto, que algunos de sus clichés se incorporaran tan rápidamente al lenguaje de la calle. Pero el filme, además, era una producción espectacular, con un elenco de estrellas (Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss, Hugo Weaving) y un estilo y unos efectos visuales que han marcado época.
Y por seguir con la propuesta fílmica, y en relación a las nuevas preocupaciones sobre medio ambiente y sostenibilidad (ODS), podemos reseñar aquella otra película el Planeta de los Simios.de 1968 donde la ficción platea una demodelora visión de la bestialidad humana
Postmodernidad
Es el Movimiento artístico y cultural de fines del siglo XX se caracteriza por su oposición al racionalismo y por su culto predominante de las formas, el individualismo y la falta de compromiso social. Jean F. Lyotard, en su libro La posmodernidad (explicada a los niños), afirma que el discurso de la modernidad ha concluido y que los discursoss pueden ser fácilmente cuestionados.
La posmodernidad es un concepto que reúne varios niveles que se refieren a los diferentes cambios sociales y culturales . Parte en cierto modo por el rápido cambio tecnológico, con las posibilidades que ofrecen las telecomunicaciones y los ordenadores; los nuevos intereses políticos, y el auge de los movimientos sociales, especialmente los relacionados con los problemas raciales, étnicos, ecológicos y de género, la globalización, las fuerzas de fragmentación y de homogeneización
"El hombre postmoderno se vuelve más individualista y menos idealista. Pasa de ideologías, el progreso ya no es un concepto a tener en cuenta. Sabe que al final ha triunfado el materialismo y el consumismo. Sabe que los medios mienten para que siga así. Sabe que somos una sociedad de masas formada por individuos ajenos a las preocupaciones y los problemas de la misma.
Es por ello que los postmodernistas no se mojan demasiado. Mientras que la modernidad tenía los límites muy precisos, la postmodernidad es difusa, borrosa. Carece de unos contornos definidos. Es ambigüa, es falsa, es viperina y venenosa. Parece trivial, tonta, pero en su conjunto no lo es…
La postmodernidad se caracteriza por su cinismo, en el sentido de no creer demasiado en la sinceridad o bondad humana, ni en sus motivaciones ni en sus acciones, y expresa esta actitud mediante la ironía y la burla. Los postmodernos suelen presentar una astuta insolencia y una evidente distancia cínica.
La postmodernidad se caracteriza por su relativismo. No existen las verdades absolutas. Todo es relativo, no existe una verdad universal ni objetiva. Y eso implica desde el arte y las ideas que se tenían de belleza, hasta la moral, pues ahora no hay bien o mal absolutos, sino dependientes de circunstancias concretas.
La postmodernidad se caracteriza por ser juguetona. Son muy graciosillos los artistas postmodernos y siempre que pueden sacan a relucir su espíritu lúdico. Siempre que pueden nos enseñan su ironía mordaz. El sarcasmo es una de las principales herramientas postmodernas y lo usan para estimular la admiración o la adversión del espectador, porque da igual lo uno que lo otro. Sabían que todas las principales corrientes artísticas habían sido vapuleadas al principio.
La postmodernidad se caracteriza por ser subversiva. Los postmodernos son tipos que se nutrieron de todo el arte anterior (o más bien de un «greatest hits» del arte anterior). Por ello su arte está repleto de referencias, no sólo al arte, sino a toda la cultura popular, que como ya demostró el Pop , era también digna de ser considerada arte. Todo lo anterior lo mastican, lo traga, lo digieren… y bueno, ya sabemos lo que pasa después… lo subvierten.
La postmodernidad es un collage de referencias. Y por supuesto, el espectador disfruta más del arte postmoderno si conoce las referencias. La postmodernidad recompensa el conocimiento. Recompensa que el espectador sepa deconstruir los elementos utilizados, sepa identificar sus fuentes… El artista postmoderno suele dejar pistas sobre sus referencias. Miguitas de pan. Un poco de trabajo para que el espectador no se duerma entre el sopor que puede llegar a ser el arte.
La postmodernidad implica la desaparición del objeto. Y la aparición del concepto. Esto lo emparenta directamente con el arte conceptual. Lo postmoderno suele ser un arte muy intelectual, aunque a veces nos haga reír, o produzca vergüenza ajena.
La postmodernidad se caracteriza por su superficialidad. Como no existe una respuesta única para nada (menos aún para el arte), todo merece consideración. Ya todo vale. Desaparece toda definición, y se funden significantes y significados. La superficie se convierte en lo único importante, aunque con ello se quiera dar un mensaje falso o contradictorio". (https://historia-arte.com/)
Es por ello que los postmodernistas no se mojan demasiado. Mientras que la modernidad tenía los límites muy precisos, la postmodernidad es difusa, borrosa. Carece de unos contornos definidos. Es ambigüa, es falsa, es viperina y venenosa. Parece trivial, tonta, pero en su conjunto no lo es…
La postmodernidad se caracteriza por su cinismo, en el sentido de no creer demasiado en la sinceridad o bondad humana, ni en sus motivaciones ni en sus acciones, y expresa esta actitud mediante la ironía y la burla. Los postmodernos suelen presentar una astuta insolencia y una evidente distancia cínica.
La postmodernidad se caracteriza por su relativismo. No existen las verdades absolutas. Todo es relativo, no existe una verdad universal ni objetiva. Y eso implica desde el arte y las ideas que se tenían de belleza, hasta la moral, pues ahora no hay bien o mal absolutos, sino dependientes de circunstancias concretas.
La postmodernidad se caracteriza por ser juguetona. Son muy graciosillos los artistas postmodernos y siempre que pueden sacan a relucir su espíritu lúdico. Siempre que pueden nos enseñan su ironía mordaz. El sarcasmo es una de las principales herramientas postmodernas y lo usan para estimular la admiración o la adversión del espectador, porque da igual lo uno que lo otro. Sabían que todas las principales corrientes artísticas habían sido vapuleadas al principio.
La postmodernidad se caracteriza por ser subversiva. Los postmodernos son tipos que se nutrieron de todo el arte anterior (o más bien de un «greatest hits» del arte anterior). Por ello su arte está repleto de referencias, no sólo al arte, sino a toda la cultura popular, que como ya demostró el Pop , era también digna de ser considerada arte. Todo lo anterior lo mastican, lo traga, lo digieren… y bueno, ya sabemos lo que pasa después… lo subvierten.
La postmodernidad es un collage de referencias. Y por supuesto, el espectador disfruta más del arte postmoderno si conoce las referencias. La postmodernidad recompensa el conocimiento. Recompensa que el espectador sepa deconstruir los elementos utilizados, sepa identificar sus fuentes… El artista postmoderno suele dejar pistas sobre sus referencias. Miguitas de pan. Un poco de trabajo para que el espectador no se duerma entre el sopor que puede llegar a ser el arte.
La postmodernidad implica la desaparición del objeto. Y la aparición del concepto. Esto lo emparenta directamente con el arte conceptual. Lo postmoderno suele ser un arte muy intelectual, aunque a veces nos haga reír, o produzca vergüenza ajena.
La postmodernidad se caracteriza por su superficialidad. Como no existe una respuesta única para nada (menos aún para el arte), todo merece consideración. Ya todo vale. Desaparece toda definición, y se funden significantes y significados. La superficie se convierte en lo único importante, aunque con ello se quiera dar un mensaje falso o contradictorio". (https://historia-arte.com/)
Los movimientos artísticas encuentran nuevos modos de expresión. se desarrollan ideas «todos los tipos de arte son igualmente válidos»; «el arte puede estar hecho de cualquier cosa»; «La democratización del arte es algo bueno». Parafrasear Andy Warhol resume la era posmoderna, «cualquiera puede ser famoso por 15 minutos».
La cultura, el arte en particular, se reformula, si olvidar sus
principios de bñusqueda de la belleza se vuelve crrítico, remueve las
conciencias, aflora
sentimientos , y nos provoca intelectualmente, estimula la imaginación,
la adaptabilidad y la
creatividad, tan necesarias para innovar en un mundo en constante
evolución.
Pinturas
La posmodernidad ha evolucionado desde el Pop-art. Autores y obras y consumidores debaten sobre la obra. Si hasta ahora la pintura era hegemónica en el panorama de las artes, ahora se diluye su importancia ante los nuevas tendencias y técnicas. La idea ahora importa más que la obra de arte misma. A tener en cuenta:
Los consumidores ahora quieren novedad. También quieren entretenimiento y espectáculo. El arte se puede hacer de cualquier cosa
Los consumidores ahora quieren novedad. También quieren entretenimiento y espectáculo. El arte se puede hacer de cualquier cosa
- Maurizio Cattelan,‘Comediante’, El artista sacó un plátano por un valor de 120,000 dólares en la exposición Art Basel, e inmediatamente peló la fruta y se lo comió. Maurizio Cattelan en la exposición en la galería de arte Perrotin en Miami.
-Banksy, ‘Niña con globo’, renombrada por el artista británico como ‘El amor está en la papelera’, fue triturada en directo por un mecanismo oculto tras ser adjudicada en 2018 por 1,2 millones de euros
Arquitecturas
Gropius, el fundador de la Bauhaus dijo: “Queremos crear una nueva sociedad de artesanos, sin distinciones de clase”. La Bauhaus tuvo su reflejo en la arquitectura, pero también en los objetos, el entorno y el paisaje.
Propuesta de escuela sostenible y modular para adaptarse al mundo post-Covid , VALENTINO GARERI
La arquitecturas del espectáculo cobran relevancia. Son los nuevos saberes de la cultura.
La anécdota está servida.Llevé a un grupo de alumnos a Madrid, le planteé la posibilidad de visitar el Museo del Prado o ir al Bernabeu. Me quedé con grupo que se contaba con las manos en la pinacoteca.
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Y como contraste cultural al Bernabeu la biblioteca como referente social. como el espacio ecosistémico Biblioteca Gabriel García Márquez en Sant Martí.de Barcelona .Ver, https://www.youtube.com/watch?v=vHIGntNMSGk
Pero quiero dejarte otro ejemplo de proximidad o de cercanía, como métafora del aspirante a la sostenibilidad, la nueva Biblioteca Pública del Estado.de Córdoba
Esculturas
Entre la muerte de la escultura y las instalaciones.
La sociedad de los objetos. Entre el arte objetual y el minimal art , lo permanente y lo cinético (arte cinético, opt art) , donde el cuerpo del hombre también quiere ser arte (body art y perfomance)
--Arte objetual
Es el arte de intervenir y resignificar objetos cotidianos que habitualmente ves mezclados entre el paisaje que te rodea, pero dándoles un sentido artístico. Pudiera recordona a las "naturalezas muertas" En la sociedad del consumo los objetos son objeto de deseo, Funcionales o artísticos de diseño.. Objetos encontrados y repensados, reciclados y regenerados. También nos vales para pensar en el arte ambiental.
Cuando se trata de explicar el concepto de arte objeto o ready made, podemos decir que es la transición o el viaje que realiza un objeto cotidiano en una pieza de arte. En pocas palabras, es la magia con la que algo ordinario se convierte en algo extraordinario tras haber pasado por la mano creativa del artista. El arte objetual comparte ciertas características con el arte conceptual, ambos pertenecientes a la postmodernidad o arte contemporáneo. Estas son algunas de las más reconocibles:
Lo más interesante del arte objetual es sin duda el poder que encierra de hacerte cuestionar la belleza de los objetos, te invita a reflexionar y a abstraer tus pensamientos lógicos en poder focalizar exclusivamente en la carga artística de dicho objeto. Por eso, una de las principales características del arte objeto es resignificar la idea de lo bello y cuestionar este concepto constantemente.
La primera obra de arte objeto realizada por el famoso artista Marcel Duchamp que, como te mencionamos antes, fue el primero en introducir el término ready made Fue en 1913 y se llamó “Rueda de bicicleta”. La obra no es ni más ni menos que una rueda de bicicleta invertida insertada dentro de un banco de madera.
A Duchamp también se le atribuye la controvertida obra “Fuente”, aunque fue firmada con el seudónimo de R. Mutt en 1917. La obra es simplemente un mingitorio que, de alguna manera, se convierte en una fuente sacada del contexto habitual y puesto dentro de un museo. La polémica intención de Duchamp con esta obra fue manifestar que “cualquier cosa podía ser considerada arte si se encontraba en un museo” y cómo el arte había ido perdiendo su valor real.
En un ensayo sobre “cultura material”. Consumir menos y establecer vínculos con las cosas que usamos y admiramos, indagando en su trayectoria histórica (a menudo trágica y entrecruzada con la política y la guerra) es también lo que propone Katy Kelleher en La terrible historia de las cosas bellas (Alpha Decay, 2023).
En libro, el filósofo y profesor Broncano se ocupa de nuestra relación con los objetos, elementos inseparables de aquello que solemos llamar “cultura” que nos acompañan desde el nacimiento hasta la muerte, y a veces más allá, porque muchos rituales funerarios incluyen las pertenencias del difunto. En tiempos de emergencia climática mitad , otorgar a los objetos la importancia que merecen (su fabricación, su circulación, su utilidad, su significado…). (Fernando Broncano , La escala de las cosas ,Editorial Delirio, 2023),
Podriamos enlazar los objetos con la cotidianidad (arte de lo cotidiano). El "Arte" cotidiano, que otros lo llevan a la performance, reivindicación...
Aunque otros plantean su belleza. Lo sublime tiene cabida en una estética. "Este
objeto no sólo no pierde su naturaleza ordinaria y funcional, su pequeñez, sino que la extrema y eso le confiere un sentido adicional a ojos del sujeto que lo percibe; lo inviste de la trascendencia" ya que transmite "asombro, admiración, embeleso, actitud estética". ( MARÍA JESÚS GODOY DOMÍNGUEZ: Lo sublime en la anti-sublime
estética de lo cotidiano. Claridades. Revista de filosofía 11 ,2019)
Cartier-Bresson
Es conocido por su habilidad para capturar momentos decisivos en la vida cotidiana con un estilo documental. Se centra en la captura del «momento decisivo» a través de la composición, el contraste, la luz y la sombra. Utiliza «fotografía callejera» para capturar momentos espontáneos y cotidianos en la vida de las personas. Encuadre para enfatizar la acción o el gesto del sujeto, e incluía elementos del entorno para contextualizar la imagen. Líneas y formas geométricas para crear estructura y equilibrio en sus fotografías.
William Eggleston, Untitled, 1971-1974 Eggleston Artistic Trust
en WILLIAM EGGLESTON, EL MISTERIO DE LO COTIDIANO, KBr Fundación Mapfre Barcelona, 2023
en WILLIAM EGGLESTON, EL MISTERIO DE LO COTIDIANO, KBr Fundación Mapfre Barcelona, 2023
Eggleston creció y desarrolló su carrera en un entorno complejo, el sur de Estados Unidos. Se inició tomando fotografías en blanco y negro, a mediados de los 60, se decantó por el color, En 1976, cuando realizó una exposición individual en el MoMA de su obra en color, que causó gran revuelo, no solo por ser el primer fotógrafo en exponer solo, sino por hacerlo con fotografías en color, que aún se consideraban vernáculas y no habían adquirido la consideración de artísticas. Desde las primeras imágenes en blanco y negro, se percibe esa búsqueda del instante decisivo que le inspiró Cartier-Bresson, para centrarse en aquello ve, los objetos cotidianos, convirtiendo lo banal y ordinario en trascendental y extraordinario“. "Vallas publicitarias desgastadas por la intemperie y estaciones de servicio abandonadas, un autocine al borde de una carretera, un congelador con comida amontonada, botellas de ketchup en el mostrador de un restaurante de comida rápida, las piernas de una mujer, un vaso de té helado sobre la mesa de un restaurante... " " Solo hago una foto de una cosa. Literalmente. Nunca dos. Así que esa foto está ya hecha y la siguiente está esperando en otro sitio”.
La Fotografia Urbana (street photography ) cobra protagonismo.
Se trata de ir por la calle y capturar, de manera creativa y sensible, el devenir de la vida diaria.
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Robert Doisneau (1912 – 1994) /Martin Parr, Magnum Photos Rocket Gallery ºLa nueva revolución llega con la AI, Le pedia a un programa conocido que me hiciera una fotografía identificativa del logo Tuscienciassociales, y me la hizo automáticamente siguiendo algunas indicaciones, También utilicé otro programa para confeccionar un cartel para el Dia de la Tierra, y me quedó precioso. Entonces surge la pregunta en cuestiones relativas al régimen de verdad de esa imagen, a sus atributos estéticos, documentales o epistemológicos.
- ARTE MINIMALISMO
El fenómeno televisivo Marie Kondo también caló hondo en todos nosotros y tuvimos la necesidad de echar un vistazo al armario o adentrarnos en el trastero para preguntarnos si ya era hora de deshacernos de esa caja de camisetas y pantalones de 1993.
El Arte Mínimal se convirtió en una estética de moda durante los años 60 y 70 y de ahí se extendió a la poesía, la danza, la música (Philip Glass, Nyman o Mertens)
En los años 60 un grupo de artistas USA reacciona contra los valores del expresionismo abstracto
(subjetividad, emotividad, pintura gestual e improvisación)
· Los principales representantes del Minimalismo fueron
Judd,
Flavin,
André Carl
R. Morris.
Todos ellos están interesados enla construcción de objetos tridimensionales y en la creencia de que
una obra de Arte debía ser concebida completamente en la mente del artista antes de ejecutarla. Era
más importante la idea inicial que el proceso, elconcepto era más importante que el objeto.
Las formas mínimal son tridimensionales y geométricas, cúbicas y modulares (módulo repetido).
Sencillez extrema y repetición. Estas formas están desprovistas detodo significado, no hay
iconografía. La igualdad de las partes componentes, la repetición, las superficies neutras,hacen que la obra se vea como algo que podría continuar sin lí mites. Si la idea prevalece sobre el objeto, éste debe ser sencillo, desnudo.
Hoy el minimsalismo plantea cuestiones sociales y culturales ¿Vivir con menos puede suponer vivir mejor? Seguro que te ha pasado alguna vez:
Donald Judd. Sin título, 1980
El Arte Mínimal se convirtió en una estética de moda durante los años 60 y 70 y de ahí se extendió a la poesía, la danza, la música (Philip Glass, Nyman o Mertens)
En los años 60 un grupo de artistas USA reacciona contra los valores del expresionismo abstracto
(subjetividad, emotividad, pintura gestual e improvisación)
· Los principales representantes del Minimalismo fueron
Judd,
Flavin,
André Carl
R. Morris.
Todos ellos están interesados enla construcción de objetos tridimensionales y en la creencia de que
una obra de Arte debía ser concebida completamente en la mente del artista antes de ejecutarla. Era
más importante la idea inicial que el proceso, elconcepto era más importante que el objeto.
Las formas mínimal son tridimensionales y geométricas, cúbicas y modulares (módulo repetido).
Sencillez extrema y repetición. Estas formas están desprovistas detodo significado, no hay
iconografía. La igualdad de las partes componentes, la repetición, las superficies neutras,hacen que la obra se vea como algo que podría continuar sin lí mites. Si la idea prevalece sobre el objeto, éste debe ser sencillo, desnudo.
Hoy el minimsalismo plantea cuestiones sociales y culturales ¿Vivir con menos puede suponer vivir mejor? Seguro que te ha pasado alguna vez:
-ARTE CINÉTICO
El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo. Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento.
El Op Art nace como una derivación de la abstraccción geométrica y se encuentra muy ligado al
Constructivismo (además de alArte Cinético). Sus obras persiguen la estimulación de la retina, con la consiguiente provocación de reacciones fisiológicas visuales que producen la sensación ilusoria de movimiento. Es movimiento virtual a través de efectos ópticos que recurren a la psicología de la percepción.
El movimiento aparece hacia la mitad de los años sesenta y busca la ilusión óptica apoyándose enteramente en medios pictóricos. Según el tratamiento que se hace de la luz y del color se podrían diferenciar do tendencias: el Op Art cinético que busca movimientos en espacios tridimensionales si
mulados y el Op Art estático que lo hace sobre el nivel bidimensional del cuadro y a partir de
blancos y negros, provocando efectos de cascada por círculos concéntricos o en espiral o
efectos de cruce de franjas, etc
Surge en la década de los años 1960 en la idea de que la obra prevalece sobre sus aspectos formales. Es parte del arma experimental artística, puede ser temporal y se puede representar en cualquier espacio.
Desde sus inicios, las instalaciones han cuestionado los límites de la obra de arte; por sus características espaciales, están ligadas a la reflexión sobre el museo y los entornos expositivo, la obra y su forma, el espectador y el autor, lo académico y el mercado, las temáticas o la experiencias.
-PERFOMANCE/HAPPENING/BODY ART
- Hombres y cuerpos
El individuo se convierte en arte.
VEMOS CINE
“Rhythm 0”: la performance más perturbadora de Marina Abramović
Junto a una mesa con 72 utensilios, la performer permaneció de pie e inmóvil durante 6 horas: “Pueden usarse sobre mí como se quiera. Yo soy el objeto”. Un látigo, un libro, unos zapatos, vino, pan, un peine, uvas, clavos, azúcar, agua, un abrigo, un sombrero, una vela, cadenas, flores, alcohol, jabón, un hacha, una sierra, un plato, un vaso, pintura... Vemos un buen ejemplo de Explorando el cuerpo humano happening y performance, arte acción e incluso body art.
- LA FOTOGRAFÍA
¿Te haces un selfie? No es una pregunta retórica para una sociedad digital o virtual
"No es una pregunta retórica. Para muchos responde a la construcción de una identidad. Estamos en el anfiteatro del espectáculo. La inquietante novedad es el poder amplificador que tienen las redes. YouTube, Instagram, Facebook son un escaparate global sociales."
-https://es.linkedin.com/pulse/te-haces-un-selfie-jose-antonio-gabelas-barroso?trk=article-ssr-frontend-pulse_more-articles_related-content-card
A mis alumnos les pido una imagen de perfil. Como buenos selfistas y tictocqueadores que son, juegan con la fantansí y me ofrecen imágenes artísticas. Les recuerdo que su imagen es pública y que que se convierte en mercancia en internet, No somos conscients que nuestro avatar es dinero e intimidad. Yo me he puesto un gato de perfil Garfield, por si acaso, cuya caricatura tiene amplio signifiado postmoderno.( Jim Davis, creador de Garfield, en 2014, titulado “20 cosas que quizá no sepas sobre Garfield”. Davis explica que “en virtud de ser un gato, no es hombre ni mujer, no tiene una raza ni una nacionalidad en particular, no es viejo ni joven”.)
Hasta la segunda mitad del siglo XX la fotografía disfrutó de ciertos privilegios que la emparentan con la esfera del arte y, a su vez, parecía dotada de cierto grado de autonomía. La fotografía moderna gozó de cierto grado de veracidad por su registro de la realidad y, a su vez, se constituyó como un arte expresivo, subjetivo, con cierta autonomía. (Finelli, R: La fotografía en la era posmoderna. Consecuencias y nuevos desafíos.2018)
Según Philippe Dubois (El acto fotográficos y otros ensayos) la fotografía ha atravesado tres etapas distintas con respecto a su relación con el realismo: Una primera etapa mimética (desde comienzos del siglo XIX, a partir del surgimiento de la misma) en la que la fotografía es concebida como espejo de la realidad. Una segunda etapa (a partir del siglo XX), que consiste en una interpretación o transformación de lo real, es decir, como creación arbitraria que representa una realidad interna, trascendente, del autor de la misma. Por último, una tercera etapa (a mediados del siglo XX) como índex, es decir, como huella de una realidad. En este sentido, el objeto captado por la máquina, de algún modo retorna al espectador: “la fotografía índex afirma ante nuestros ojos la existencia de aquello que representa (…) pero no nos dice nada sobre el sentido de esta representación; no nos dice «esto quiere decir tal cosa». El referente es presentado por la foto como una realidad empírica, pero «blanca»: su significación permanece enigmática para nosotros.”
Desde los inicios de la imagen digital se ha hablado de una supuesta “muerte” de la Fotografía y la aparición de una nueva tipología de imágenes que han quebrado la línea histórica que identificaba a la Fotografía en su evolución en los siglos XIX y XX. Desde la década de los años noventa se reflexiona sobre las estrategias en las que debería moverse una historia de la fotografía que no ignore algunos de los postulados de la posmodernidad y al mismo tiempo se enfoque en un análisis “transversal” del fenómeno cultural, social y tecnológico de la Fotografía (Bernardo Riego Amézaga: La historia de la fotografía ante un nuevo tiempo cultural).
Al salir al encuentro de un nuevo público, al masificarse, la fotografía sale del marco tradicional moderno que la contenía, abriéndose hacia nuevas lógicas desconocidas. Su valor cultural artístico como obra única, es remplazado por su valor expositivo lo que cambia completamente su sentido. La reproductividad técnica la despoja del valor aureático tradicional y emerge un nuevo valor, su función social. Esto marca un primer momento en el que la fotografía comienza a separarse de los relatos estéticos de la modernidad. En adelante, ya no su valor artístico-cultural sino su función social es lo que fundamenta su producción.
El aporte de Joan Fontcuberta
Representa una visión crítica de la realidad, las verdades fotográficas, históricas o ficticias a través de la fotografía y su contexto. La obra de Joan Fontcuberta se inscribe en una línea crítica de la concepción de la fotografía como evidencia de lo real. Según Joan Fontcuberta con la aparición de la tecnología digital el relato realidad-verdad de la fotografía y su íntima ligazón con el objeto referencial entran en crisis. La fotografía digital ya no depende técnicamente de su referente por lo que se asiste a un nuevo proceso de ruptura con los relatos de la modernidad.
ETAPA CONTEMPORÁNEA (2000-2050)
La fotografía computacional. Narrativas del multiverso
La Inteligencia Artificial aparece. Nos encanta, nos asusta... Otro reto
La Inteligencia Artificial aparece. Nos encanta, nos asusta... Otro reto
Características de la sociedad digital: visibilidad total, sin espacio, sin tiempo, instanteneidad, globalidad, conexión permanente, visibilidad total, cambio constante, fragmentación y descontextualización, abulia y excitación...
En la contemporaneidad, la imagen se vuelve líquida. Surge el video arte. Surge la IA (/Inteligencia Artificial) y la imagen de identidad o colectividad se desvanece.
El conceptos de modernidad líquida, sociedad líquida o amor líquido define la actual momento de la historia en el que las realidades sólidas de nuestros abuelos, como el trabajo y el matrimonio para toda la vida, se han desvanecido. Y han dado paso a un mundo más precario, provisional, ansioso de novedades y, con frecuencia, agotador. concluía que ante esa circunstancia “hoy hay una enorme cantidad de gente que quiere el cambio, que tiene ideas de cómo hacer el mundo mejor no sólo para ellos sino también para los demás, más hospitalario. Pero en la sociedad contemporánea, en la que somos más libres que nunca antes, a la vez somos también más impotentes que en ningún otro momento de la historia. Todos sentimos la desagradable experiencia de ser incapaces de cambiar nada. Somos un conjunto de individuos con buenas intenciones, pero que entre sus intenciones y diseños y la realidad hay mucha distancia. Todos sufrimos ahora más que en cualquier otro momento la falta absoluta de agentes, de instituciones colectivas capaces de actuar efectivamente”.
-"Señálame una fotografía original sobre movimientos culturales y artísticos",
Y esta es su respuesta:!Aquí hay una idea para una fotografía original sobre movimientos culturales y artísticos:
Una fotografía de una ciudad en la que se pueden ver elementos de diferentes movimientos culturales y artísticos.
Por ejemplo, la fotografía podría mostrar una calle con edificios de diferentes épocas, desde el Renacimiento hasta el Art Nouveau. Podría haber personas con diferentes estilos de vestimenta, desde la ropa tradicional hasta la ropa moderna. Podría haber obras de arte de diferentes tipos, desde pinturas hasta esculturas.
Esta fotografía podría representar la idea de que la cultura y el arte son una parte integral de la vida urbana. También podría representar la idea de que la cultura y el arte son dinámicos y están en constante evolución.
Aquí hay una posible composición para esta fotografía:
- La fotografía podría tomarse desde un punto de vista elevado para que se pueda ver la ciudad en su totalidad.
- El centro de la fotografía podría estar ocupado por un edificio importante, como una catedral o un ayuntamiento.
- Los edificios más pequeños y las personas podrían estar dispuestos alrededor del edificio principal para crear un efecto de equilibrio.
Los colores y la iluminación de la fotografía también podrían ser importantes para crear un efecto de armonía. Por ejemplo, la fotografía podría tener un color predominante, como el azul o el amarillo, o podría tener una iluminación suave y difusa.
Esta es solo una idea, y hay muchas otras posibilidades para crear una fotografía original sobre movimientos culturales y artísticos. La clave es ser creativo y pensar fuera de la caja.!
-¿Qué opinas? ¿Te gusta esta idea? Si no te gusta la IA te da más opciones
Vale, como buen consumidor de publicidad, del busca, compare y si no encuentra algo mejor cómprelo, te vuelvo a preguntar:
-"¿Cómo hacer una buena fotografía postmoderna?
Y rápido, la máquina me contesta:
La fotografía posmoderna es un movimiento fotográfico que surgió en la década de 1970 en respuesta a la fotografía moderna. La fotografía moderna se caracterizaba por su énfasis en la objetividad y la verdad, mientras que la fotografía posmoderna se centra en la subjetividad y la interpretación.
La fotografía posmoderna puede tomar muchas formas, pero algunas características comunes incluyen:
-
El uso de la ironía y la parodia. Los fotógrafos posmodernos a menudo utilizan la ironía y la parodia para cuestionar las convenciones de la fotografía. Por ejemplo, una fotografía posmoderna podría mostrar una escena de la vida cotidiana con un elemento surrealista o absurdo.
-
El uso de la manipulación digital. La fotografía posmoderna a menudo utiliza la manipulación digital para crear imágenes que son imposibles o irrealistas. Por ejemplo, una fotografía posmoderna podría mostrar una persona con dos cabezas o un paisaje con colores imposibles.
-
El uso de la cita y la apropiación. Los fotógrafos posmodernos a menudo citan o apropian imágenes de otras fuentes. Por ejemplo, una fotografía posmoderna podría mostrar una foto de una obra de arte famosa con un nuevo elemento añadido.
Para hacer una buena fotografía posmoderna, es importante ser creativo e imaginativo. No tengas miedo de experimentar con diferentes técnicas y conceptos. También es importante ser consciente de las convenciones de la fotografía y cómo puedes desafiarlas.
Aquí hay algunos consejos específicos para hacer una buena fotografía posmoderna:
- Piensa en la composición. La composición es importante en cualquier tipo de fotografía, pero es especialmente importante en la fotografía posmoderna. Utiliza la composición para crear imágenes que sean interesantes y atractivas.
- Utiliza la luz. La luz puede ser un poderoso herramienta para crear atmósfera y emoción. Experimenta con diferentes tipos de iluminación para crear imágenes que sean únicas y distintivas.
- Utiliza el color. El color puede ser utilizado para crear un estado de ánimo o para transmitir un mensaje. Utiliza el color de forma estratégica para crear imágenes que sean impactantes y memorables.
La fotografía posmoderna es un campo de expresión fotográfica emocionante y dinámico. Con un poco de creatividad e imaginación, puedes crear imágenes que sean únicas y significativas.
SOY UN ARTISTA:
Entendido, voy entonces a buscar mi cámara digital inteligente, y esta es mi respuesta :
"Turco en la campa azul cordobesa", teodosio
Pudiera conectarse con aquella otra idea del fin de la historia . Pero cierto que nos reiventamos y los conceptos milinialista parece quedar atras. Hoy tal vez más conicenciados queremos hablar de Agendas y ObJetivos de Milenio y Sostenibilidad (ODS). La fotografía se convierte de nuevo en documento, y planteo, que se activista. Obliga a repensar profundamente los nuevos usos y lenguajes de la fotografía.(M Sánchez-Moñita Rodríguez: La construcción fotográfica de la sostenibilidad. Una aproximación desde la perspectiva artística. Universidad Complutense de Madrid, 2017)
-VIDEO ARTE/VIDEO JUEGOS
El Videoarte: ¿una crítica a la sociedad contemporánea?
El arte que emplea la tecnología está siempre vinculado a la era de la información en la que nos encontramos; implica ubicuidad, interdisciplinaridad, inmaterialidad y comunicación y el videoarte es una de sus ramas con mejor salud, al menos en cuanto a grado de utilización.
Muchos expertos hacen coincidir los inicios del videoarte con la salida al mercado, en los sesenta, de las cámaras portátiles de vídeo Sony en Estados Unidos, cuyo uso permitía tanto plantear como aprovechar múltiples aspectos del lenguaje del movimiento: la velocidad, la superposición de imágenes… En el fondo, ese empleo del vídeo y de los televisores como materia prima creativa es una manifestación más del carácter experimental del arte contemporáneo, de la búsqueda continua de nuevas formas de expresión. Al referirnos a ellas, tenemos que recordar de que el medio es el mensaje.
Diferenciar las modalidades características de esta disciplina nos ayuda a comprender los objetivos buscados por los videoartistas:
– La vídeo-acción se relaciona con las performances realizadas ante el público; este tipo de videoarte permite documentarlas.
– El vídeo experimental trata de indagar en el lenguaje propio de la imagen en movimiento y sus características expresivas y formales. En los años sesenta presentó una importante vertiente crítica en lo social y político, dando lugar a imágenes con intencionalidad estética y contenido reivindicativo. Se emitían en cadenas estadounidenses, a menudo locales, enfrentándose al sistema comercial de las televisiones privadas.
– La videoinstalación o videoescultura se sirve de la televisión como material de elaboración, como sus términos anuncian, de instalaciones y esculturas. El caso más evidente de este tipo de empleo de la tecnología lo encontramos en Nam June Paik.
(https://masdearte.com/especiales/videoarte-quien-desde-cuando-y-para-que)
Presentación virtual en la feria Frieze 2013 de la obra 'Frame', de Ian Cheng.
La tecnología de las Vision Pro nis lleva a la "era del posthumanismo". Los liderazgos se comprometen. La IA está transformando el panorama empresarial y social, El liderazgo y en difinitava el gobierno, que en su esencia, es la capacidad de guiar, influir y dirigir hacia la consecución de objetivos compartidos. Tradicionalmente, ha sido visto como un conjunto de habilidades interpersonales que incluyen la toma de decisiones, la comunicación efectiva, la motivación, el establecimiento de metas y la resolución de conflictos. Sin embargo, en el contexto de la era de la inteligencia artificial (IA),donde IA propone una ventana de lanzamiento basada en análisis predictivos, el concepto de liderazgo se está expandiendo y transformando. Nos llevan a La adopción de una estrategia de gobierno en este contexto no solo implica la acumulación de conocimientos técnicos y funcionales, sino también la integración de un conjunto diverso de habilidades blandas y comportamientos adaptativos. la rápida evolución tecnológica, sino que también es crucial para abordar los desafíos éticos y morales que emergen en la intersección entre la tecnología y la humanidad, esencial para equipar a los líderes con las herramientas necesarias para enfrentarse a los desafíos constantemente cambiantes del entorno tecnológico, ambiental, económico y social.
VIDEOJUEGOS
-¿Sabes de Video-Juegos? El trivial de los videojuegosLa interacción técnica esta servida animación en TV, cómic, cine , música e informática
La serie de Tv de " los Simpsons podría servirnos de referencia inicial. Representa a la perfección los aspectos de nuestra sociedad contemporánea. Retrata la cultura de lo postmoderno. Aunque los antecedentes en la animación occidental pudieran estar ya en Mickey Mouse ya liberado de derechos de autor tras 95 años, como será también Popeye, Tom y Jerry o Superman o King Kong.
Empecé jugando en el sofá interactuando con mi Tv jugando al tenis, después llegó el pacman y tetris adictivos, algún duro me dejé en las máquinas recreativas, con la nintendo mis juegos se multiplicaron (https://vandal.elespanol.com/rankings/nintendo-switch), y el ordenador, el móvil y la tablet dio una nueva visión de movilidad lúdica, y no fui el único que hasta alguna diputada se la pilló en el debate jugando al candy crush, y finalmente una silla "gaming" me ha llevado de nuevo a la pantalla de tv, eso si ahora con bastantes pulgadas y con interacción wifi . Ahora me he vuelto a levantar con las gafas inmersivas que me introducen en el metaverso, y juego a los 7 Sins como simulación de vida donde tengo que alcanzar la cima en la escala social y tomar decisiones relacionadas con los siete pecados capitales. Ahora entenderás por qué cambio contínuamente de tarjeta gráfica en mi ordenador. El mercado de los videojuegos para PC impulsó desde 1999 el crecimiento de la empresa Nvdia, especializada en desarrollar los procesadores que permiten la gestión del ingente volumen de datos requerido para las espectaculares visualizaciones de los juegos. Buen indicador de la implmentación en nuestras casas de los videojuegos. Y ojo al dato. LinkedIn anuncia la llegada de videojuegos para saber qué empresa tiene los empleados más inteligentes. Los juegos buscan que los usuarios ejerciten el cerebro y demuestren sus capacidades. Habrá una competición entre empresas dependiendo de las puntuaciones de sus empleados.
El concepto de los videojuegos como una forma de arte es un tema controvertido dentro de la industria del entretenimiento. El lenguaje del videojuego es social debido a su interacción. Ni el cine ni el arte pictórico o escultórico se puede comparar con las transformaciones radicales que han acaecido en el ámbito de los videojuegos. Para bien o para mal, el medio está intrínsecamente unido al progreso tecnológico y a la cultura popular.
La primera consideración institucional del videojuego como una forma de arte se produjo a fines de la década de 1980, cuando los museos de arte comenzaron a exhibir retrospectivamente juegos de primera y segunda generación obsoletos. En exposiciones como "Hot Circuits: A Video Arcade" (en el Museum of the Moving Image) de 1989, los videojuegos se presentaron como obras preformadas con intención del conservador de exhibirlas como arte.(RUIZ CAÑERO: «Los Videojuegos ¿El nuevo Arte de nuestro siglo?», ed. Artyhum.2017)
Los videojuegos se viralizan. La red se hace amiga. A veces se vuelve oscura. Las darknets que constituyen la dark web incluyen pequeñas redes amigo-a-amigo P2P, así como grandes redes populares como Freenet, I2P, y Tor, operadas por organizaciones públicas y particulares. Los usuarios de la dark web usan el término Clearnet para hablar de la Internet no oscura, debido a su naturaleza sin cilfrar.
Baldur’s Gate 3, Zelda: Tears of the Kingdom, Resident Evil 4, Diablo IV, Super Mario Bros. Wonder, Alan Wake 2, Spider-Man 2, Hogwarts Legacy...
Los 5 mejores videojuegos del año 2023:
1. Baldur’s Gate 3. Swen Vincke / Larian Studios
2. The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom. Hidemaro Fujibayashi / Nintendo
3. Star Wars Jedi: Survivor. Stig Asmussen / Respawn Entertainment
4. Final Fantasy XVI. Kazutoyo Maehiro / Square Enix CB3
5. Cyberpunk 2077: Phantom Liberty. Gabriel Amantangelo / CD Projekt Red
1. Baldur’s Gate 3. Swen Vincke / Larian Studios
2. The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom. Hidemaro Fujibayashi / Nintendo
3. Star Wars Jedi: Survivor. Stig Asmussen / Respawn Entertainment
4. Final Fantasy XVI. Kazutoyo Maehiro / Square Enix CB3
5. Cyberpunk 2077: Phantom Liberty. Gabriel Amantangelo / CD Projekt Red
Realiza el test que te propongo a continuación. Muchos streamers ya probaron este quiz y casi ninguno pudo completarlo con respuestas totalmente correctas, aunque estuvieron cerca. Sucede que algunos juegos son muy reconocidos, pero sus portadas logran engañar y confundir.
Entre las portadas existen muchas fáciles como FIFA 23, Fortnite o Uncharted, pero para poder superarlo como corresponde hay que acertar con exactitud títulos largos como Spider-Man Miles Morales o Resident Evil Village.
Entre las portadas existen muchas fáciles como FIFA 23, Fortnite o Uncharted, pero para poder superarlo como corresponde hay que acertar con exactitud títulos largos como Spider-Man Miles Morales o Resident Evil Village.
¿Cuánto sabes de video juegos? Realiza el Test:
Elige tus zapatillas virtuales más cómodas e inicia un recorrido completo por todas y cada una de las plantas y salas del museo.
Además, en este recorrido, podrás interactuar con una de las piezas más destacadas de nuestra colección de mobiliario. ¿Queréis abrir vosotros mismos el cajón corredizo que esconde en su base una cuenta manuscrita? ¿Qué pondrá? Todas las respuestas a golpe de curiosos clics.
Accede aquí Enlace externo, se abre en ventana nueva
a la visita virtual"
https://www.cultura.gob.es/mnartesdecorativas/visita/visita-virtual.html
La postmodernidad te permite hablar con el artistia. Leía estos días, en The New York Times, ¿Puede un Van Gogh de IA ayudar a llevar más gente a los museos? -
Es entonces cuando un un doppelgänger (doble fantasmagórico) del artista neerlandés conversa con los visitantes . En “Bonjour Vincent” en el Museo d’Orsay, los visitantes conversan con Vincent van Gogh el de la Inteligencia Artificial. ..Elliott Verdier para The New York Times.
Internet y la democratización del arte
https://www.youtube.com/watch?v=3DCzd1bRKxo&t=6s
El videojuego es uno de estos grandes lenguajes tecnológicos masivos. "Es una forma para transformar la realidad. El arte y la sociedad se empiezan a trasladar a lo virtual. Es un medio a través del cual la gente plantea otras formas de vivir. Hay juegos que plantean cómo los sistemascondicionan nuestros comportamientos.
Son formatos de juegos que representan un relato, una ideología a
través de la cual se moldean los comportamientos sociales.
Las temásticas surgen.
Nos centyrmos a menera de ejemplo en la ciudad, en lo urbano". En la mayoría de los videojuegos, la ciudad es uno de los actores principales. GTA, Ciberpunk, Minecraft, SimCity, Skylines, Imperium. "El urbanismo ha servido para formar los espacios digitales pero se
están utilizando, cada vez más, los juegos para formar las
arquitecturas""Nuestra relación con las ciudades es cada vez más digital y más tecnológicamente mediada". Hyper-reality (2016) de Keiichi Matsuda, un
estudio japonés, es un videojuego que muestra la realidad aumentada de
una ciudad. Las interacciones cotidianas se convierten en un videojuego.
"Un juego que, pero, no es de libre elección sino un sistema en que estamos constreñidos a jugar". Dibuja una visión del futuro provocativa donde la realidad virtual asociada al videojuego genera una distopía
VAMOS AL MUSEO
- Dónde quedan los museos, las galerías de arte, los coleccionistas, los mecenas ¿En nuestros disco duros o en la nube? Se buscan a los autores y las obras, pero sobre todo a su recorrido.
Y como no podía ser menos, el museo se virtualiza.
Entra en una visita virtual al Museo Nacional de Artes Decorativas, que se presenta de esta manera:
"Visita 360º al museo.Elige tus zapatillas virtuales más cómodas e inicia un recorrido completo por todas y cada una de las plantas y salas del museo.
Además, en este recorrido, podrás interactuar con una de las piezas más destacadas de nuestra colección de mobiliario. ¿Queréis abrir vosotros mismos el cajón corredizo que esconde en su base una cuenta manuscrita? ¿Qué pondrá? Todas las respuestas a golpe de curiosos clics.
Accede aquí Enlace externo, se abre en ventana nueva
a la visita virtual"https://www.cultura.gob.es/mnartesdecorativas/visita/visita-virtual.html
Los ideales de «Hombre nuevo» y de una nueva sociedad significaron el inicio del concepto moderno de diseño y, con él, el desarrollo del denominado Movimiento Moderno. Coincidieron con el crecimiento del consumo de masas, mientras comenzaba a cambiar el modelo de domesticidad, a lo que hay que añadir una intensificación del componente femenino en la definición de los espacios y objetos. Se transformaba el gusto y surgían nuevos materiales y productos tecnológicos.
Una exposición del Museo Nacional de Artes Decorativas) presenta una mirada a la historia del diseño, principalmente europeo, creado y producido entre 1900 y 1939,Esta exposición presenta una mirada a la historia del diseño, principalmente europeo, creado y producido entre 1900 y 1939, y se enfoca en algunos de los principales temas que preocuparon a los diseñadores y a la sociedad de aquel periodo: la búsqueda de una nueva estética basada en el funcionalismo, el racionalismo, y la objetividad; la producción seriada; el diseño de la identidad nacional; la higiene y la salud; o el diseño por y para una nueva mujer. (Museo nacional de de Artes Decorativas. Esperanza y utopía. El diseño entre 1900 y 1939)
Es entonces cuando un un doppelgänger (doble fantasmagórico) del artista neerlandés conversa con los visitantes . En “Bonjour Vincent” en el Museo d’Orsay, los visitantes conversan con Vincent van Gogh el de la Inteligencia Artificial. ..Elliott Verdier para The New York Times.
Desconcierta. No obstante, el algoritmo sigue necesitando nuestras directrices para responder a las preguntas más sensibles que hacen los visitantes, quienes conversan con la réplica de Van Gogh en una pantalla digital a través de un micrófono. La pregunta más popular: ¿Por qué se suicidó Van Gogh?
https://www.nytimes.com/es/Internet y la democratización del arte
Internet y la tecnología asociada abre nuevas posibilidades la difusión y homologación de las expresiones artísticscas y culturales.
Ahora el pintor, el escultor, y el arquitecto, el director de cine u otras expresiones pueden explorar y experimentar sus ideas en forma virtual antes de empezar a trabajar con los materiales definitivos.
Ahora el pintor, el escultor, y el arquitecto, el director de cine u otras expresiones pueden explorar y experimentar sus ideas en forma virtual antes de empezar a trabajar con los materiales definitivos.
Se usan imágenes generadas por ordenador en películas, programas de televisión y publicidad, en medios impresos y juegos. Se lanzan a continuación al consumidor mass media.
El número de personas que se expresan por medio de manifestaciones artísticas se ha incrementado de manera importante. Hasta hace poco, se trataba de un grupo muy reducido. Sin embargo, ya ha empezado a crecer exponencialmente y, durante el siglo XXI se ha multiplicado.. La interacción se multiplica. La web y el streaming permite enviar y recibir datos en un flujo continuo a través de una red informática, desde un servidor remoto hasta un dispositivo. El streaming en línea permite que se inicie la reproducción de contenido mientras el resto de los datos todavía se está enviando al dispositivo.
El arte se democratiza . En era la de reproductibilidad, la imagen se descarga y se manipula.
Ya no hace falta ser millonario para invertir en arte cual mecenas. Irrumpen los ctivos digitales y la venta de obras a través de NFT. (non fungible token) o activos digitales asociados a la tecnología de los criptoactivos y el blockchain. Lo tokenización de activos democratiza el mercado, eso si aún con mucho riesgo.
Y todo al ritmo del logo de Spotify . La compañía con sede en Estocolmo (Suecia) que domina el mercado del streaming musical —controla el 34,8% del negocio frente a gigantes como Youtube Music, Apple Music, Amazon music, Tencent music y NetREase.
Aunque para muchos el movimiento posmoderno formó parte de la reacción contra el moderna y de vanguardia.(Música moderna (1981), libro de El Zurdo (Fernando Márquez, 1957).En algunos aspectos, la música postmoderna podría ser categorizada simplemente como la música de la era postmoderna, o la música que sigue las tendencias estéticas y filosóficas del postmodernismo,
La música posmoderna no es un estilo musical en particular, sino que se refiere a la música de la era posmoderna. considera la música como autónoma sino como relevante para los contextos cultural, social y político.
Desde las portadas de los discos podemos rastrear múltiples disciplinas artísticas, buscamos el body art y éste se presenta en acción o perfomance eso si cartelizado o fotografiad. La carátula de un disco es el imaginario que un álbum desea comunicar. No es casual que los caminos de los artistas o fotógrafos y de los músicos se crucen con frecuencia, habiendo dado vida a obras de arte gráficas que no solo han ilustrado un álbum, sino que además han llegado a convertirse en banderas de toda una generación.
Playlist:
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Por Décadas:
--David-bowie-aladdin sane, 1973
-Roxy Music - Siren ,1975
- KISS : I Was Made For Lovin' You, 1979
- Debbie_Harry,_Koo_Koo, 1981
-Eurythmics, when tomorrow comes, 1986
- Björk,Homogenic 1997)
- Extremoduro,-yo-minoria-absoluta-2002
- Blur - Think Tank, 2003
- Madonna celebration, 2009
- Florence-and-The-Machine lungs, 2009
- Lady Gaga - 'The Remix', 2010
- The_Haunted_Man, Bat_for_Lashes, 2012
- Fka-twigs-lp1-00, 2012
- M.I.A, Matangi, 2013
- Sia this is acticng, 2016
- Taylor swift reputation, 2017- Lil Baby – My Turn, 2018
- Bryant Myers – La Oscuridad , 2018
- Inna, Yo, 2019
-Marilyn Manson - We Are Chaos (2020)- Bush the kingdom, 2020
- Alicia Keys - ALICIA, 2020
- Cristiana Aguilera, bionic, 2020
- Alicia Keys - ALICIA, 2020
- Cristiana Aguilera, bionic, 2020
- Rico Nasty – Nightmare Vacation, 2020
- Rosalía, montomami, 2022
- Rosalía, montomami, 2022
- Shakira- copoavacia, 2023
- Maneskin_rush, 2023
- Maneskin_rush, 2023
- Estopa, 2024
-the cure songs of a lost world, 2024
-The Low Flying Panic Attack ,2024
PARA SABER MAS, VER:
- Arnold Schönberg: El precursor del arte contemporáneo
Uno de los principales representantes de la música atonal y dodecafónica del siglo XX. Su trabajo abarcó tanto el período del Romanticismo como el Modernismo, y tuvo un impacto significativo en el desarrollo del arte contemporáneo.- Vídeos de Arnold Schönberg, Pierrot lunaire (Full)
POP
-All About That Bass - Postmodern Jukebox European Tour Version
-Música Posmoderna, VER LISTA DE REPRODUCCIÓN COMPLETA
-Música Posmoderna, VER LISTA DE REPRODUCCIÓN COMPLETA
ELECTRÓNICA
TOMORROWLAND 2023 La Mejor Música Electrónica
Te presento una situación de aprendizaje donde habrá que haces tareas competenciales que contextualizaras saberes, analizaras fuentes, adquirirás competencias y obtendrás un producto final o logro. Además observarás que hay tareas para ampliar, algunas de ellas indisciplinares. Con tu evaluación (Criterios de evaluación) alcanzaremos los objetivos previstos.
TOMORROWLAND 2023 La Mejor Música Electrónica
TE RETO EN FORMA DE REFLEXIÓN:
NOTA:
Tendrás que presentar tus trabajos finales o proyectos utilizando el programa eXe-Learning
(eXeLearning.net)
Tendrás que presentar tus trabajos finales o proyectos utilizando el programa eXe-Learning
(eXeLearning.net)
Se te presentan actividades de contextualización, desarrollo de saberes, procedimentales (comentario de fuentes), de actitud y de resultados o productos.
El aprendizaje basado en competencias incluye, además del «saber», el «saber hacer» y el «saber ser y estar». Con ellas conseguirás las competencias específicas de la disciplina, pero además se tratarás de formar genérica una ciudadanía competente a través de una educación que tenga en cuenta las competencias clave que demanda la construcción de una sociedad plural,dinámica, emprendedora, democrática y solidaria.
Te presento una situación de aprendizaje donde habrá que haces tareas competenciales que contextualizaras saberes, analizaras fuentes, adquirirás competencias y obtendrás un producto final o logro. Además observarás que hay tareas para ampliar, algunas de ellas indisciplinares. Con tu evaluación (Criterios de evaluación) alcanzaremos los objetivos previstos.
Entendemos por situaciones de aprendizaje “situaciones o aprendizajes que implican el despliegue del alumno de actuaciones asociadas a las competencias clave y específicas y que contribuyen a la adquisión y desarrollo de las mismas” Para ello te haré una pregunta a modo de reto, y con tus tareas o actividades llegarás al logro deseado
Jorge Ballester. Memoria prospectiva. Ucronías, Autopsias, Vendette.
1. Analizar producciones de distintos movimientos culturales y artísticos desde las vanguardias a la actualidad, reflexionando de forma abierta y crítica sobre su contexto histórico y sus aspectos singulares y comunes, para comprender el valor del arte como representación del espíritu de una época.
2. Explicar el valor social del patrimonio, reflexionando sobre el compromiso del arte con su época y sobre la importancia de la libertad de expresión en producciones culturales y artísticas, para construir una mirada sobre el arte que reconozca, valore y respete la diversidad cultural.
3. Explorar y valorar los lenguajes y los códigos de diferentes manifestaciones culturales y artísticas desde las vanguardias hasta la actualidad, identificando y comprendiendo sus características, referentes e intencionalidades, para potenciar las posibilidades de disfrute estético.
4. Analizar la evolución del arte y la cultura en la historia reciente, identificando los distintos ámbitos en los que se producen y manifiestan, así como el valor de la innovación y el papel de las tecnologías, para desarrollar un criterio informado y crítico ante el hecho artístico que favorezca la identificación de oportunidades de desarrollo personal, social, académico y profesional.
5. Explicar la práctica cultural y artística como un medio de expresión y comunicación individual y colectivo de ideas, opiniones y sentimientos, a partir de un análisis crítico de diversas manifestaciones culturales y artísticas que incluya también una reflexión sobre su impacto ambiental, económico y social, para profundizar en el conocimiento de la sociedad contemporánea y promover el compromiso personal con la sostenibilidad.
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