Rouseeau
G. De Chirico
- Misterio y melancolía de una calle. 1914.
- Héctor y Andrómaca. 1917.
- La soledad. 1920.
CHAGALL
ODILÓN REDÓN
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Henri Julien Félix Rousseau, llamado "El aduanero Rousseau"
A pesar de las intenciones "realistas", en la obra de Rousseau destacan el tono poético, la búsqueda de lo exótico y, sobre todo, su estilo naíf, reflejo de una aparente sensibilidad infantil propia de los artistas con poca o nula formación académica; esta ingenuidad otorga con frecuencia a sus trabajos un aspecto involuntario de caricatura. En el caso del pintor de Laval, es efectivamente su formación autodidacta junto a una primacía de la fantasía sobre lo real lo que determina este estilo, de difícil inclusión en movimientos artísticos de la época. A pesar de desconocer las técnicas compositivas, logró dotar a sus obras de un sugerente y complejo colorido, muy elogiado entre sus seguidores.
Aproximadamente desde 1890 se observa una maduración en su lenguaje pictórico. Si bien durante toda su carrera artística pintó obras de corte realista, con frecuencia también dejó que su fantasía se potenciara hasta casi el surrealismo. Por ejemplo, en La gitana dormida(1897) se ve a una mujer durmiendo plácidamente en medio de un exótico desierto mientras un león la observa muy de cerca; el paisaje y el león podrían ser una fantasía onírica de la gitana. En El sueño (1910), esta potencialización de lo superrealista es igual de perceptible.
Rousseau frecuentemente desconoce u olvida las perspectivas y las proporciones. En su obra, los claroscuros no sirven para dar profundidad ni una impresión de contorno, con lo que sus figuras suelen parecer "planas".
Su técnica habitual era la de capas de óleo, comenzando por los cielos y el fondo y concluyendo con la figuración de los personajes y animales. En algunas pinturas repintó ciertas áreas (principalmente los follajes de primer plano), motivo por el que en la actualidad tales áreas se encuentran cuarteadas.
Generalmente el acabado de la superficie es con un "glaseado", una especie de satinado y/o barnizado, sabiamente dispuesto que le aporta un brillo equilibrado a la obra.
Moi même-Yo mismo, autorretrato de H. Rousseau, 1890, Galería Nacional de Praga. En el cuadro se puede ver a un Rousseau muy bien vestido, con la barba muy cuidada y rodeado de símbolos de modernidad: un puente de metal, un barco con las banderas naúticas de señales y la Torre Eiffel.
La encantadora de serpientes (en francés, La Charmeuse de serpents) es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1891 por el pintor francés Henri Rousseau. Sus dimensiones son de 169 × 189,5 cm.
La pintura muestra un paisaje exótico e irreal de compleja estructura, iluminado por una luz fría que se refleja en el agua, resaltando las figuras inmóviles y planas1 Para su realización, Rousseau, se inspiró en un grabado sobre madera de Paul Gaugin expuesto en 1906.
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DE CHIRICO
Los cuadros que De Chirico realizó entre 1909 y 1914 son los que le han dado más reconocimiento. Este período se conoce como el período metafísico. Las obras destacan por las imágenes que evocan ambientes sombríos y abrumadores. A principios de este período, los modelos eran paisajes urbanos inspirados en las ciudades mediterráneas, aunque gradualmente, la atención del pintor se fue desplazando hacia estudios de cuartos atiborrados de objetos, a veces habitados por maniquíes.
logra crear en sus obras un espacio extraño, atemporal, donde parece que se pude encontrar la calma y el silencio. Las imágenes representadas en el espacio pictórico son sacadas de contexto y representadas con un tamaño antinatural y desproporcionado. Estas obras, que cuentan con numerosos errores técnicos, tienen como finalidad crear espacios sugerentes en los que el receptor contrubuya a crear el sentido definitivo de lo que se representa.
Casi de inmediato, el escritor Guillaume Apollinaire alabó el trabajo de Chirico y le ayudó a presentarlo al grupo que más tarde se dedicaría al surrealismo.
El enigma de la hora (1911) es una pintura del artista italo-griego Giorgio de Chirico. Fue creada en sus inicios como pintormetafísico, cuando intentaba plasmar las islas de edificios y otros entornos urbanos.
El cuadro muestra una escena urbana de arquitectura clásica con iluminación angular, uno de los entornos típicos de Chirico. Varias figuras alrededor de la escena aparacen difuminadas, dando un sentido de ausencia. Un gran reloj culmina el entorno, marcando las tres menos cinco.
La canción de amor (también denominada Le chant d'amour; 1914)
La obra muestra un entorno arquitectónico exterior similar a los existentes en otras obras de De Chirico de esta época. Sin embargo esta vez, el foco principal es un pequeño muro sobre el cual se encuentra ubicada una escultura de una cabeza griega en yeso del Apolo de Belvedere y el guante rojo de un cirujano. Debajo de la misma se ubica una bola verde. En el horizonte se observa el perfil de una locomotora, una imagen que se presenta con frecuencia durante este período de la trayectoria de De Chirico.
El cuadro condice con la producción de De Chirico, y es sin lugar a dudas el cuadro más surrealistas de todos los que pintó. No en vano fue clave para que René Magritteadoptara este estilo pictórico, luego de haber visto este cuadro de De Chirico.
Su técnica habitual era la de capas de óleo, comenzando por los cielos y el fondo y concluyendo con la figuración de los personajes y animales. En algunas pinturas repintó ciertas áreas (principalmente los follajes de primer plano), motivo por el que en la actualidad tales áreas se encuentran cuarteadas.
Generalmente el acabado de la superficie es con un "glaseado", una especie de satinado y/o barnizado, sabiamente dispuesto que le aporta un brillo equilibrado a la obra.
Rousseau afirmó, asimismo, haber inventado un nuevo género pictórico al que denominó retrato-paisaje, que consistía en comenzar el cuadro con una vista general de, por ejemplo, uno de sus lugares favoritos en París, añadiendo luego una persona en primer plano. Así ocurre, por ejemplo, en su autorretrato titulado Moi-même (Yo mismo, 1890).
Moi même-Yo mismo, autorretrato de H. Rousseau, 1890, Galería Nacional de Praga. En el cuadro se puede ver a un Rousseau muy bien vestido, con la barba muy cuidada y rodeado de símbolos de modernidad: un puente de metal, un barco con las banderas naúticas de señales y la Torre Eiffel.
La encantadora de serpientes (en francés, La Charmeuse de serpents) es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1891 por el pintor francés Henri Rousseau. Sus dimensiones son de 169 × 189,5 cm.
La pintura muestra un paisaje exótico e irreal de compleja estructura, iluminado por una luz fría que se refleja en el agua, resaltando las figuras inmóviles y planas1 Para su realización, Rousseau, se inspiró en un grabado sobre madera de Paul Gaugin expuesto en 1906.
Sus cuadros más conocidos representan escenas selváticas, a pesar de que él nunca abandonó Francia ni vio una jungla. Carecen de rigor las historias difundidas por admiradores suyos sobre un supuesto servicio en el ejército que incluyera la fuerza expedicionaria francesa a México.
DE CHIRICO
Los cuadros que De Chirico realizó entre 1909 y 1914 son los que le han dado más reconocimiento. Este período se conoce como el período metafísico. Las obras destacan por las imágenes que evocan ambientes sombríos y abrumadores. A principios de este período, los modelos eran paisajes urbanos inspirados en las ciudades mediterráneas, aunque gradualmente, la atención del pintor se fue desplazando hacia estudios de cuartos atiborrados de objetos, a veces habitados por maniquíes.
logra crear en sus obras un espacio extraño, atemporal, donde parece que se pude encontrar la calma y el silencio. Las imágenes representadas en el espacio pictórico son sacadas de contexto y representadas con un tamaño antinatural y desproporcionado. Estas obras, que cuentan con numerosos errores técnicos, tienen como finalidad crear espacios sugerentes en los que el receptor contrubuya a crear el sentido definitivo de lo que se representa.
Casi de inmediato, el escritor Guillaume Apollinaire alabó el trabajo de Chirico y le ayudó a presentarlo al grupo que más tarde se dedicaría al surrealismo.
El enigma de la hora (1911) es una pintura del artista italo-griego Giorgio de Chirico. Fue creada en sus inicios como pintormetafísico, cuando intentaba plasmar las islas de edificios y otros entornos urbanos.
El cuadro muestra una escena urbana de arquitectura clásica con iluminación angular, uno de los entornos típicos de Chirico. Varias figuras alrededor de la escena aparacen difuminadas, dando un sentido de ausencia. Un gran reloj culmina el entorno, marcando las tres menos cinco.
La canción de amor (también denominada Le chant d'amour; 1914)
La obra muestra un entorno arquitectónico exterior similar a los existentes en otras obras de De Chirico de esta época. Sin embargo esta vez, el foco principal es un pequeño muro sobre el cual se encuentra ubicada una escultura de una cabeza griega en yeso del Apolo de Belvedere y el guante rojo de un cirujano. Debajo de la misma se ubica una bola verde. En el horizonte se observa el perfil de una locomotora, una imagen que se presenta con frecuencia durante este período de la trayectoria de De Chirico.
El cuadro condice con la producción de De Chirico, y es sin lugar a dudas el cuadro más surrealistas de todos los que pintó. No en vano fue clave para que René Magritteadoptara este estilo pictórico, luego de haber visto este cuadro de De Chirico.
CHAGALL
Marc Chagall (Vitebsk, Rusia, 1887- Saint-Paul-de-Vence, 1985) fue de
1911 a 1919, unos años que transcurren entre su aldea judía natal y
París. En apenas ocho años le sorprende la Primera Guerra Mundial, la
Revolución Rusa y las grandes persecuciones de los judíos. Es entonces
cuando en su obra germinan mundos en los que todo parece posible con
metáforas y alegorías cargadas de sorprendente colorido.
El universo pictórico de Marc Chagall es uno de los más reconocibles del siglo XX.La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno.
El universo pictórico de Marc Chagall es uno de los más reconocibles del siglo XX.La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno.
Sus cuadros hablan de historias vividas en persona, y también
de un pintor que, pese a su relación con las vanguardias, se resistió a
quedar adscrito a cualquiera de las tendencias artísticas que rodearon
su creació
Marc Chagall se inspiró en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando así su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos.
En sus obras abundan las referencias a su niñez, aún al precio de evitar las problemáticas experiencias que después vivió. Sus obras comunican la felicidad y el optimismo a aquellos que las observan mediante intensos y vívidos colores. Chagall gustaba de colocarse a sí mismo, a veces junto con su mujer, como observador del mundo, un mundo de colores visto a través de un vitral. un arte inspirado en el amor, los recuerdos, las tradiciones rusas y judías, los acontecimientos históricos o los hitos artísticos de los que fue testigo y, en muchas ocasiones, protagonista.
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PARA SABER MÁS, VER:
VER Marc Chagall.
ODILÓN REDÓN
Redon da rienda suelta a su fantasía, entremezclando mitos paganos con materialismo científico, En su iconografía poética de lo corriente derivado en extravagante y místico se halla la clave tanto del entusiasmo suscitado por su trabajo en contemporáneos como los Nabis como de su futura consideración como precursor del surrealismo.
Hasta 1890 su trabajo fue casi exclusivamente en blanco y negro, pero poco a poco, y rondando ya los cincuenta años, sus litografías se tornan más luminosas, hasta alcanzar finalmente el color. Es entonces cuando las litografías y dibujos al carbón son sustituidos por acuarelas y óleos. Sus temas siguen siendo los mismos: mitos clásicos, orientales, bíblicos, literarios y científicos adaptados a su particular y un tanto alucinada visión interior.
ODILÓN REDÓN
Redon da rienda suelta a su fantasía, entremezclando mitos paganos con materialismo científico, En su iconografía poética de lo corriente derivado en extravagante y místico se halla la clave tanto del entusiasmo suscitado por su trabajo en contemporáneos como los Nabis como de su futura consideración como precursor del surrealismo.
Hasta 1890 su trabajo fue casi exclusivamente en blanco y negro, pero poco a poco, y rondando ya los cincuenta años, sus litografías se tornan más luminosas, hasta alcanzar finalmente el color. Es entonces cuando las litografías y dibujos al carbón son sustituidos por acuarelas y óleos. Sus temas siguen siendo los mismos: mitos clásicos, orientales, bíblicos, literarios y científicos adaptados a su particular y un tanto alucinada visión interior.
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