957 ¿POR QUE ESTUDIAR LA TEORIA Y FUNCIÓN DEL ARTE? PAISAJE VISUAL

¿POR QUE ESTUDIAR LA TEORÍA Y FUNCIÓN DEL ARTE? PAISAJE VISUAL


El arte es contemplación. Es el placer de penetrar la naturaleza y adivinar en ella el espíritu que la anima". 
Auguste Rodin 

La manera en que se mira también depende del estado de ánimo y de cómo se encuentra uno en general.
Esa es la razón por la que un motivo —
puede verse de muchas maneras y eso es lo que hace interesante el arte

Munch

 ¿Está el arte en un punto muerto? 
No es lo mismo pintar un cuadrado negro en 1915 que muchos años después, como no es lo mismo escribir Conversación en La Catedral que mecanografiarla.  
¿Destruyeron las vanguardias el arte futuro, el nuestro? 
Cuando ya está todo inventado, ¿lleva el deseo de innovar a lo repetitivo o a lo inane? ¿Quién es el genio, Jeff Koons o los críticos, galeristas y comisarios que lo han elevado a los altares?
 El arte se puede destruir desde fuera, como hacen los integristas. ¿Y desde dentro?

Contexto: ¿Cómo afecta a nuestra libertad como individuos los condicionantes sociales y políticos de la sociedad en la que vivimos?

Huyendo de la crítica, de Pere Borrell

La palabra arte tiene varios significados distintos que, sin embargo, a menudo se entremezclan y contribuyen a la confusión del término arte:

- Forma de expresión creativa.
- Habilidad, destreza.
- Metodología para realizar una actividad.
- Estética de una cultura

El arte es...

... dinámico. Evoluciona y se transforma constantemente.
... subjetivo. Está abierto a múltiples interpretaciones.

El arte es fundamental. Impacta en las personas de maneras muy diferentes. Se puede estudiar a las personas y las épocas a través de él. En realidad, el arte tiene un vínculo con la realidad, con la naturaleza, con lo cotidiano, con su contexto histórico y patrimonial muy intenso. Explica los paisajes culturales de la humanidad

La historia del arte está hecha de azares, de descubrimientos y desapariciones, de corrientes y conexiones escondidas.

La Tour o Caravaggio o El Greco no han estado desde siempre sacralizados e inmóviles en las salas de los museos. Después de una gloria casi tan fulgurante y transitoria como una estrella del pop, Caravaggio quedó arrinconado por las nuevas modas fastuosas del Barroco, oscureciéndose y apagándose como tantos de sus cuadros olvidados en capillas sombrías que no visitaba nadie. Hizo falta la gran ruptura moderna iniciada por Édouard Manet para que hubiera miradas que apreciaran otra vez el despojamiento y la intensidad expresiva de Caravaggio, igual que sólo después del Impresionismo y del Simbolismo se apreció a El Greco. Y fue en la crisis de los años treinta cuando Caravaggio y La Tour quedaron inscritos definitivamente en los repertorios oficiales del arte: justo al mismo tiempo que las convulsiones de la economía y de la política forzaban por igual a los artistas y a los escritores a mirar lo real con ojos bien abiertos.

El historiador, el crítico, ve las obras estáticas en la pared del museo, cuando no en la lámina de un libro o en una imagen de Internet. El galerista, el anticuario, las observa mucho más de cerca, convive con ellas


TEORÍA E INTERPRETACIÓN:

Debemos hacer un esfuerzo para situarnos en el espacio y el tiempo en que la obra y así, desde dentro, poder entenderla, aunque no compartamos una determinada estética y/o ideología. Hay que contextualizar.que  relaciona aspectos que van de lo formal y técnico a lo conceptual, y sólo puede ser completamente comprendida en el marco general de la cultura y el pensamiento

La imagen artística como representación de los mitos y relatos propios de la cultura oral y que este vínculo umbilical entre la imagen, el relato y el mito - o lenguaje - persiste temática, alegórica y formalmente a lo largo del tiempo.

Erwin Panofsky (1892-1968) desarrollador del"método iconológico" para el cual se distinguen tres momentos inseparables del acto interpretativo - o tres niveles de significación - de la obra de arte: el Nivel Preiconográfico - lectura, reconocimiento y descripción de la obra basados tan solo en la práctica y la sensibilidad del observador -, el Nivel Iconográfico - consistente en la interpretaciónd el significado convencional en función del contenido temático y la tradición cultural - y, finalmente, el Nivel Iconológico - interpretación del contenido intrínseco e inconsciente, la expresión de valores, ideas, etc. en función del género, la adecuación al contexto y la alegoría -.

Ernst H. Gombrich (1909-2001) realizó una revisión crítica al pensamiento de Panofsky, sustituyendo el enfoque metodológico de éste en cuanto a la investigación histórico-artística, por un pragmatismo crítico, racionalista y científico. Sus teorías sobre la iconografía se basan en la premisa científica de la necesidad de la contrastación de hipótesis y, por tanto, el rechazo de la "distinción de niveles de significado", fundamental en Panofsky, a favor de interpretar / descifrar un código o programa expresado por el artista de forma consicente e intencionada.

Aportación fundamental de Gombrich en el estudio iconográfico es, pues, la distinción entre "significación" e "implicación", entendiendo que una imagen solo tiene un úncio significado, aunque es también portadora de muchas implicaciones - entendiendo por "impliación" todo posible cambio o añadidura de significado que en realidad no viene dada por el objeto original -.

 Denis Dutton  señala doce características de la creación artística: proporciona placer, demuestra pericia, está sujeta a un estilo, es novedosa, hay una crítica sobre ella, representa algo real o imaginario, enfoca la atención, expresa individualidad, transmite emoción, es un desafío intelectual, está inserta en una tradición y estimula la imaginación.

Dicotomías entre el “formalismo de aquellos que reducen todo a la estructura”, el arte ensimismado,  la escuela  o los contextos “que defiende que los desarrollos sociales, ideológicos, económicos y políticos tienen un impacto en las representaciones”

PARA SABER MÁS, VER:


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NOS VAMOS DE VIAJE

VISITAMOS UN MUSEO

Os propongo tres ejemplos de obras maestras sometidas al asedio de dicho turismo: La Gioconda en el Museo del Louvre, El nacimiento de Venus en los Uffizi y La Pietà en la Basílica de San Pedro. No intenten acercarse a las obras con detenimiento porque eso es imposible; apóstense, más bien, a un lado y miren a los que tendrían que mirar. La conclusión es fácil: en su mayoría no miran porque únicamente tienen tiempo de observar, unos segundos, a través de su cámara: de posar para hacerse un selfie. Capturadas las imágenes, los ajetreados cazadores vuelven en tropel

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El Roto sobre el mundo del arte que se expone en La Caja Negra.


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