SIGLO XX
Son numerosísimos los movimientos artísticos que han surgido a lo largo del siglo XX.
Se puede hablar del arte antes de la segunda guerra mundial y del arte después de la segunda guerra mundial.
,+de+Fahlstr%C3%B6m..jpg)
PERIODIZACIÓN
ANTECEDENTES
ART-XX-PINTURA 1/2ª s
A partir de 1945 nos encontramos poca perspectiva para una clasificación exacta, no obstante se pueden ir distinguiendo:
Informalistas y utilización de diversos materiales.
Neoconcretas y tecnológicas (Barceló Bartola y Tapies).
Informalistas y utilización de diversos materiales.
Neoconcretas y tecnológicas (Barceló Bartola y Tapies).
Neorrepresentativas (Warhol, Lichtenstein y Wesselman (Marilin, Comic, Consumo)
Hiperrealistas: Antonio López
TACHISMO:
- Grandes lienzos donde gotea las manchas de pintura
- Trata de lo informal
- Utiliza el color y la espátula
POP ART (1955-1975)
- Arte popular
- Años sesenta
- Arte en la ciudad con las ilusiones a la vida urbana y a la sociedad de multitudes.
- Destacan carteles, comics, anuncios...
- ANDY WARHOL... con sus lata de sopa, pistolas...
HIPERREALISMO:
- Nace en Norte américa
- Años sesenta
- Destaca la vida cotidiana como una fotografía
- Destacan:
- EDDY y ANTONIO LÓPEZ (Gran Via)
ESTILO INTERNACIONAL (1945-1980)
LA POSTMODERNIDAD:
ARTE CONCEPTUAL (1960-1990)
POSTMODERNO (1980-1995)
DECONSTRUCCIÓN (1990-….)
Arte en América: Expresionismo Abstracto
Informalismo en Europa
Action Art
Arte Povera
Transvanguardia italiana
Neoexpresionismo alemán
Bad painting en USA
Continuadores del Proyecto Moderno
Opositores al Proyecto Moderno
Instalaciones
Vídeoarte
Net art
Infoarte
ESPAÑA POSTMODERNA
La pintura informalista en España
- - Luis Gordillo
- - Juan Genovés
Tres estudios de Lucian Freud», de Francis Bacon
Es «una de las pinturas más importantes e icónicas» de Bacon, ya que une a dos de los principales nombres de la pintura figurativa del siglo XX en el momento culminante de su amistad, obra «extremadamente rara», ejecutada en 1969,
Las últimas vanguardias pictóricas, 2/2 s. xx
Contexto
Los movimientos de vanguardia en la segunda mitad del siglo XX se asocian a una crisis que ha dado lugar a la acuñación de términos como posvanguardia, transvanguardia o posmodernidad. En realidad, tales corrientes son el resultado de un progresivo proceso de asimilación social de las vanguardias, que han ido perdiendo su papel transgresor y rupturista para integrarse en un ámbito más próximo a las modas y desprovisto de todo espíritu combativo. En los sesenta se declaró obsoleta la pintura y el arte pop reemplazó la naturaleza que inspiró a sus predecesores con el mundo del espectáculo y la publicidad.
La fecha adoptada para establecer una línea diviso ria entre la época de la construcción de la vanguardia artística y la proliferación de las múltiples tendencias postvanguardistas será la de 1945.
De hecho, el panorama político y social cambió sensiblemente. Por un lado se produjo la división del
mundo en dos grandes bloques irreconciliables y, por otro, asistimos a la confirmación de los Estados
Unidos como la potencia económica más rica y poderosa del mundo. La peculiar estructura de la
sociedad americana marcará las pautas de comportamiento del llamado “mundo libre” occidental. El
arte último florecerá precisamente en la sociedad más capitalista del planeta. La nueva pintura y escuela americana. El impacto de la visión conjunta de las obras de Mark Rothko, Willem de Kooning, Clifford Still o Jackson Pollock, que había muerto estrellado en su coche tres años antes, firmó el acta de defunción de París como capital de las vanguardias y terminó de inclinar la balanza hacia Estados Unidos.
La etiqueta, acuñada en 1946 por el crítico Robert Coates: la intensidad emocional del expresionismo alemán y la estética formal de la abstracción europea. Entre esos dos polos, artistas con biografías y orígenes de lo más variados compartían la experiencia común de haber vivido la era moderna de los extremos y las catástrofes: dos guerras mundiales, la Gran Depresión, la guerra civil española, la devastación de la bomba atómica, la gestación de la guerra fría y, por otro lado, la vibrante y eufórica escena artística a la que dio lugar la emergencia de Estados Unidos como potencia global.
Sin embargo, no se puede hablar de una total ruptura con las vanguardias históricas del periodo de entreguerras. Se trata,de hecho, de una reactualización de las ideas desarrolladas por las vanguardias de la primera mitad del siglo XX. Porsupuesto, los artistas ra dicalizarán aún más su postura con respecto a las técnicas, los materiales, los asuntos, llevando el fenómeno artístico hasta límites inusitados.
PARA SABER MÁS, VER:
mercado y, en algunos casos, se encuentran más cerca del marketing de empresa que de los valores
propiamente artísticos. Estamos ahora muy lejos de la idea del artista comprometido política y
socialmente.
El arte de las últimas tendencias se rá impulsado y dado a conocer por las nuevas instituciones creadas ex profeso:
museos, galerías, ferias y expos iciones internacionales como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el de París o el de Roma, el Museo Salomón Guggenheim de Nueva York, la exposición de la Biennale Internationale de Venecia o la Bienale de París.
Actualmente, España se ha incorporado a este circuito internacional con la Exposición Internacional
Hoy, la vigencia del movimiento (o fenómeno) puede buscarse en la escala y ambición del arte contemporáneo, pero la ausencia de la pintura entre las nuevas tendencias puede señalar su fracaso. Lo que resulta difícil es negar el poder que conservan estas obras maestras, reunidas en un solo espacio, medio siglo después.
El expresionismo abstracto .
“El expresionismo abstracto fue un rico y variado conjunto artístico que explotó durante y después de la Segunda Guerra Mundial. Poco más. Ni manifiestos, ni relaciones estilísticas relevantes entre las figuras principales.
Debido al interés mostrado por algunos de estos artistas por el movimiento expresionista alemán.
Todos ellos no constituían un movimiento o escuela en sentido estricto . Tadicionalmente se ha colocado entre los pintores de “los campos de color” (Rothko, Newman) y los de “la acción o el gesto” (Pollock, Kooning).
Se podría distinguir estilos::
-La gestual o de acción,
-La sígnica ocaligráfica,
-La de los Logic Color Painters
- el espacialismo cromático
- la surrealista
Y las características dentro del grupo:
- “la ruptura con el foco central de los cuadros,
- la voluntad de marcar la presencia humana incluso en la abstracción, -
- el desafío a las convenciones sobre la escala, con piezas que van de la miniatura intima a la grandeza épica”.
La primera era la más importante y, más que una tendencia, c onstituía un método: la acción de pintar es más importante que el resultado, el lienzo como el lugar donde se ejercita una actividad corporal. Las enormes dimensiones del lienzo posibilitaban que el cuerpo se involucrara en su totalidad en el acto creativo. El movimiento de muñeca o de brazo dio paso al movimiento corporal. Así en 1947, Pollok y De Kooning abandonan los pinceles para derramar las pinturas directamente en un lienzo situado en el suelo. A esta forma de pintar se la llamó el Action Painting
A finales de los años cuarenta estos artistascomenzaron a realizar así una serie de óleos casi en blanco yN egro, los cuales causarían un gran impacto. Esta reducción cromática será otra de sus características más significativas. Esta gama tan sombría revelaba con mayor fuerza el dramatismo y la soledad de estos artistas ante las consecuencias negativas del reciente conflicto bélico.
En Europa, el Informalismo surgió, en primer lugar, en la llamada escuela de París, impulsado por Michel Tapié (creador del término Informalismo).
En España esta tendencia tuvo dos vertientes: la Escuela de Madrid, denominada grupo El Paso, formada por
M.Millares, A. Saura, R. Canogar,L. Feito, L.Muñoz, M. Viola y M. Rivera
y la Escuela Catalana o grupo Dau al Set compuesta por
A. Tapies y R. Vallés Cuixar , entre otros.
Todos ellos desarrollaron varias técnicas en torno a esta lín ea subjetiva de abstracción:
la gestual (equivalenteeuropeo del Action Painting),
la caligráfica o sígnica, la manchista y la matérica.
En esta última se le da mucha importancia a la materia utilizada para componer el cuadro:
cortezas, arpilleras, trapos, telas metálicas, materiales de desecho, etc.
A lo largo de los años cuarenta y cincuenta se gestó en Estados Unidos, donde habían emigrado numerosos artistas europeos huyendo de la persecución nazi, un estilo que, a partir de la utilización de la técnica del automatismo y sobre premisas totalmente ajenas a cualquier forma de figuración, fue bautizado como expresionismo abstracto. Este estilo, también conocido como escuela de Nueva York, constituyó la manifestación explícita de que el gran centro de la actividad artística mundial se había trasladado a la ciudad de los rascacielos, en la que coincidieron todos los máximos representantes de la corriente.
Las principales influencias asimiladas por los expresionistas abstractos fueron:
Las enseñanzas de artistas europeos de vanguardia afincados en Estados Unidos,
como Hans Hoffman (1880-1966) y Joseph Albers (1888-1976).
El contacto con los surrealistas emigrados desde Europa.
La reivindicación política de los muralistas mexicanos.
Las principales aportaciones en el aspecto técnico fueron:
La action painting, o pintura de acción, innovadora interpretación del automatismo reivindicado por los surrealistas en sus primeros años
El empleo de soportes de gran formato.
Entre los más destacados artífices del expresionismo abstracto:
Arshile Gorky (1905-1946), de origen armenio.
Willem de Kooning (1904-1997), holandés.
Mark Rothko (1903-1970), letón.
Franz Kline (1910-1962),
Clyfford Still(1904-1980) o
Barnett Newman (1905-1970), estadounidenses.
Antonio Saura, Sudario, 1963, (Colección particular, Cádiz).
Jackson Pollock (1912-1956),
El progenitor, LeRoy Pollock, se ganaba la vida como campesino, obrero o lavaplatos. La madre, Stella, era costurera, una mujer creativa y lectora voraz. Pese a las dificultades económicas, Stella y LeRoy inculcaron a los muchachos la pasión por el arte.
Tras la muerte fatal de Jackson el 11 de agosto 1956 —conducía bajo los efectos del acohol—, Charles, un marxista convencido, pasó el resto de su vida reflexionado sobre los factores que permitieron a Jackson entrar en la historia del arte, y que a él le excluyeron.
PARA SABER MÁS, VER:
.729 Jackson Pollock
Jackson Pollock autumn-rhythm
EL INFORMALISMO
Bajo este epígrafe se han agrupado una serie de tendencias como el Expresionismo Abstracto o el Arte Matérico y, que tanto en América como en Europa, se desarrollaron entre mediados de los años cuarenta y principios de los sesenta.
Por informal - se entiende la ausencia total de formas reconocibles, ya sean figurativas o geométricas. Se
trata de un movimiento artístico que hace de la exaltación de los mecanismos irracionales y vitales su principal fuente creativa. Parte de esa línea subjetiva de la abstracción lírica y del expresionismo alemán.
Una serie de acontecimientos políticos en Europa, como la llegada al poder Hitler en Alemania y la
posterior Guerra Mundial, hizo que una cantidad considerable de intelectuales, artistas, críticos y coleccionistas europeos se trasladaran a Norteamérica. Por su alejamiento de las zonas conflictivas, Nueva York parecía el escenario más fresco y desafiante para llevar adelante una nueva aventura
estética. Nueva York se ve así convertida en la capital artística de Occidente.
Entre 1945 y 1947, un grupo de artistas norteamericanos, la mayor parte jóvenes,expondría sus obras en la Art ofThis Century Gallery. La presencia allí de los grandes maestros europeos (más que su atención) confirió a estos jóvenes la sensación de ocupar elcentro artístico de suépoca. Sus nombres eran
J. Pollok, W. De Kooning, F.Kline, etc.
El crítico de arte del The New Yorker, RoberCoates, fue quien acuñó el nombre de
La evolución del arte abstracto en la Europa de posguerra discurrió dentro de los cauces del expresionismo, aunque sobre premisas diferentes de las americanas, que dieron lugar a la gestación del llamado informalismo.
Los dos rasgos diferenciadores más acentuados respecto del expresionismo abstracto americano fueron:
El uso de formatos menores.
La concepción artística más intimista, poética y concentrada.
El informalismo europeo tuvo sus manifestaciones más relevantes en Francia, Italia y España.
Francia: Jean Dubuffet (1901-1985), Henri Michaux (1899-1984) y Hans Hartung (1904-1989).
Italia: Alberto Burri (1915-1991) y Lucio Fontana (1899-1968).
Lucio Fontana es sobradamente conocido por haber acuchillado el lienzo con múltiples cortes verticales y otros agujeros aleatorios. Lo es bastante menos por la que seguramente fue su auténtica contribución: hacer entender que la obra de arte no acontecía sobre la superficie física del cuadro, sino en la cabeza de quien lo observaba
Se sintió cómodo en el terreno de lo inclasificable: fue abstracto a la vez que figurativo, escultor pero también artista plástico, barroco antes de volverse minimalista, plenamente accesible a la vez que bastante sesudo, e inscrito en la realidad física pero aspirando a alcanzar la trascendencia cósmica.
Concetto spaziale, Attese' Fontana, 1966.
El lienzo abandonaba sus contornos meramente físicos y embarcaba al espectador en un viaje sideral. “No pretendo crear un lienzo, sino abrir un nuevo espacio, crear una nueva dimensión para el arte y vincularla al cosmos”, afirmó Fontana.
España:
Antoni Tàpies (1923),
Antonio Saura (1930-1998)
- Juan Genovés
.jpg)
Abismante humanidad ( Juan Genovés )
Manuel Millares (1926- 1972).
- Luis Gordillo (Sevilla, 1934) es una figura clave del arte español de la última mitad del siglo XX. Toda la trayectoria es un viaje al fondo del cerebro y sus cuadros, que parecen seres vivos,
nacen de la síntesis de elementos que llegandel informalismo, el arte pop y las corrientes geométricas.
Luis Gordillo en una intervencion en puente romano Córdoba
Guerrero pasó a formar parte del movimiento artístico americano por excelencia: el expresionismo abstracto, junto a Pollock, Motherwell, De Kooning o Rothko. En España, lo que pinta en esta etapa son lienzos de gran formato llenos de color comoBlack Cries, dedicado al nacimiento de su hija Lisa. Llegan después obras en las que muestra signos claros de cambio, gracias al uso de colores provocativos sumados a formas dramáticas, en los que el negro ocupa protagonismo y que es reflejo de su estado de ánimo; su estabilidad se derrumbó ante la muerte de un amigo, lo que le llevó a psicoanalizarse cuatro años. Después del tratamiento viaja en solitario a España y decide que vivirá entre su país de origen y EE UU,
Albaicín (1962)
Alberto Corazón (Madrid, 1942) ha tejido una labor artística que va del campo del diseño industrial a las artes plásticas, de la edición de libros y revistas
Secos días vidriosos II, 2001, 160 x 206 cms, Óleo y grafito sobre tela
Las vanguardias figurativas
Junto con las corrientes expresionista e informalista, plenamente abstractas, durante las décadas de los cuarenta y cincuenta se distinguieron también diversas líneas de vanguardia artística más o menos próximas a la figuración.
Escuela de Londres, de la que formaron parte Francis Bacon (1909-1992), Lucien Freud (n. en1922), y Frank Auerbach (1931), que adoptaron personales formas de figuración, caracterizadas generalmente por el uso de formas distorsionadas y tensas. En las obras de Bacon destaca la creación del llamado espacio psíquico, en el que se encuadra la expresión del drama de la atormentada existencia de las figuras representadas.
Grupo CoBrA, cuyo nombre deriva de las iniciales de las ciudades en las que se asentó el movimiento: Copenhague, Bruselas y Amsterdam. Entre sus más relevantes figuras cabe citar al danés Asger Jorn (1914-1973), al belga Pierre Alechinsky (1927) y al holandés Karel Appel (1921). Con componentes tomados del expresionismo y del surrealismo, la obra de los miembros del grupo CoBrA intenta reflejar el mundo de lo onírico y las formas de expresión de los niños y los locos, con violentos contrastes cromáticos y pintura muy empastada.
También dentro de postulados con referencias figurativas realizaron su obra artistas como Balthassar Klossowski, llamado Balthus (1908), reivindicador de un surrealismo tardío plenamente integrado en la figuración, o Francis Gruber (1912-1948) y Jean Hélion (1904- 1987), quienes evolucionaron a formas estilizadas de figuración desde perspectivas próximas a la abstracción.
Francis Bacon, Autorretrato, 1969, (Colección particular).
LA PINTURA DE FINALES DEL S. XX
En el movimiento de vanguardia de las últimas décadas del siglo XX se produjo una fuerte reacción antiexpresionista, cuyo espíritu tendía a materializar una idea, centrando el interés en su conceptualización, y sin prestar atención alguna a la acción de la creación artística, que era el objetivo de los expresionistas.
Neodadaísmo y movimientos europeos
El denominado neodadaísmo se desarrolló en los Estados Unidos y Europa en los años cincuenta y los primeros sesenta. Su principio esencial era el de tratar la creación artística como un objeto, como algo externo al artista, cuya intervención quedaba neutralizada en el resultado final, que debía asemejarse a una mera representación física de las cosas. Así se produjo una ruptura con el formato bidimensional de la obra pictórica. La incorporación de objetos a la obra artística dio lugar a una fusión de pintura y escultura, que quedaron incluidas en un solo concepto creativo.
Entre los más significados neodadaístas cabe citar a:
Robert Rauschenberg (n. en 1925).
Jasper Johns (n. en 1930).
Larry Rivers (n. en 1923).
Si el neodadaísmo fue una corriente esencialmente norteamericana, en Europa se originaron diversos movimientos de premisas estéticas semejantes, pero en los que se establecieron líneas de evolución más heterogéneas. Cabe destacar las siguientes:
Nuevo realismo, francés.
Movimiento Zero y Fluxus, alemanes.
Espacialismo, Azimuth y arte povera, italianos.
El happening
Una de las consecuencias de la investigación estética de los neodadaístas y las corrientes afines europeas fue el denominado happening, acontecimiento, en el que se incorporaban a la creación artística actuaciones en vivo, que podían ser entendidas como interpretaciones teatrales o como actuaciones tendentes a la modificación del medio para la consecución de una obra de arte.
Entre los más notables representantes del happening cabe citar a los siguientes:
El francés Yves Klein (1928-1962) abordó diversas iniciativas de carácter irónicamente transgresor como las denominadas antropometrías, en las que modelos embadurnadas de pintura restregaban sus cuerpos sobre lienzos.
El estadounidense de origen búlgaro Christo (n. en 1935) «empaquetó» grandes edificios e incorporó elementos ajenos a parajes naturales, para llamar la atención sobre ciertos aspectos de la relación entre el hombre y su entorno.
El francés Jean Tinguely (1925-1991) realizó estructuras maquinales sin otra función que la mera expresión artística.
El italiano Piero Manzoni (1933-1963) hizo una ácida crítica de la figura del creador a través de sus series de envases titulados Mierda de artista y Aire de artista, que suscitaron en su momento una agria polémica.
Abstracción pospictórica, arte cinético y op-art
La reacción al expresionismo abstracto tuvo manifestaciones muy radicales tendentes al ¿enfriamiento¿ de toda expresividad. En ellas se produjo una anulación del color y de todo medio que no denotase frialdad.
En Estados Unidos este antiexpresionismo radical se encauzó a través de la abstracción postpictórica, cuyos más significados representantes fueron
Frank Stella (n. en 1936),
Kenneth Noland (n. en 1924) y
Morris Louis(1912-1962).
En Europa la reacción antiexpresionista más radical adoptó dos líneas evolutivas principales. La primera fue el arte óptico, u op-art, que centraba su interés en la repetición continuada de elementos alternantes, y el arte cinético, cuyo objetivo era transmitir sensación de movimiento a partir de imágenes abstractas.
En estos estilos sobresalió la obra del pintor francés de origen húngaro
Victor Vasarely (n. en 1908)
y del venezolano afincado en Francia Jesús Rafael Soto (n. en 1923).
El arte pop
La iconografía es reconocible al instante. Los colores planos y brillantes que beben del mundo del comic, la impronta del diseño gráfico, los motivos publicitarios y los envases de productos comunes elevados a la categoría de arte como celebración o crítica, según las lecturas, de la cultura de consumo…
'La mujer en el baño', obra de Roy Lichtenstein de 1963.
Una de los estilos más singulares de la segunda mitad del siglo XX fue el arte pop, apócope de arte «popular». Esta corriente incorporó a la creación artística imágenes consumidas en la cultura urbana, como carteles publicitarios, etiquetas comerciales, viñetas de comics, etc. La «frialdad» antiexpresionista se alcanzaba en este caso a través del uso de fotografías proyectadas sobre un lienzo y calcadas repetidas veces.
A mediados de los años cincuenta aparece esta tendencia, abreviatura de la expresión inglesa
Popular Art y se refería al arte popular que estaba creando la cultura de la publicidad de masas. Más
tarde se amplió su uso para abarcar la actividad de aquellos artistas que empleaban imágenes populares dentro de un contexto de “arteculto” o de “élite”. El movimiento surge en Inglaterra entre un grupo de artistas y críticos entre los que destacaba Richard Hamilton
El Arte Pop subraya el valor iconográf ico de la sociedad de consumo. Supone la a ceptación y la intelectualización por parte del artista de la realidad urbana y de la sociedad capitalista para trasladarla al arte y esto era algo revolucionario. Pero a pesar de esto y de su nombre, no es un arte diriGido al pueblo, sino que toma de él, de sus intereses, la temática. Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes y ajeno totalmente a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una nueva estética o alcanzar una postura crítica de la
sociedad de consumo.
Su repertorio temático, extraído del fenómeno de la propaganda industrial, de la tecnología y de la ciencia ficción, se compone de coches cromados, aviones, anuncios fluorescentes de grandes comercios, tipografías chillonas extraídas del campo de la publicidad o del mundo del cómic, fotografías estampadas en la tela, objetos de consumo como la Coca Cola, mapas de los Estados Unidos, banderas norteamericanas,hamburguesas gigantes, salchichas, batidoras, máquinas de escribir, etc.
Pero fue en los Estado Unidos donde el Pop Art arraigó de una manera especial, adquiriendo su pleno desarrollo a partir de los años sesenta.
El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la críticanorteamericana, pues daba la sensación de que los artistas Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década anterior por los artistas del Expresionismo Abstracto. Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público en tendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes.
Muy pronto el Pop Art se convirtió en uno de los instrumentos imprescindibles para hacerfrente al entorno urbano americano. Las grandes ciudades americanas, con su acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios, con la sociedad más capitalista y consumistadel mundo, constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.
El Pop fue un medio paracrear obras de arte casi totalmente a partir de elementos preexistentes, donde la contribución del artista estaría más en el hecho de establecer conexiones entre los objetos, yuxtaponiéndolos, que en hacer objetos nuevos.
Entre los artistas norteamericanos más representativos del Pop Art cabría citar a
C. Oldenburg, R.Lichtenstein, A. Warhol y T. Wesselmann.
En la Costa Oeste delos Estados Unidos se desarrolló igualmente esta tendencia, sobre
todo en San Francisco y Los Ángeles. En Esta última ciudad, A.Warhol realizó en 1962 su primera exposición individual comoartista consagrado del Pop. Aquel era también el hogar de Hollywood y el cine marcará también allí esta tendencia pictórica (Imágenes de Marilyn Monroe).
Dentro de la corriente pop se distinguen:
Los artistas en ese momento coinciden con un desarrollo y unos avances técnicos en impresión y fotomecánica que fomentan la popularización de imágenes de la Historia del Arte que empieza a estar por todas partes, "y ellos que son esponjas se hacen eco de esta Historia. Comienza así algo que hoy es habitual: el arte sobre el arte, la revisión de Las Meninas, de Desayuno en la hierba. Un revival de la Historia de la que se habían apartado las vanguardias".
+de+Equipo+Cr%C3%B3nica+(detalle).jpg)
La salita (1970) de Equipo Crónica (detalle)
Los artistas pop no acercan la Historia pero también la publicidad, el cine... Y eso es parte de su atractivo y de la atracción indudable que genera entre nosotros. "Hemos crecido con el pop -reconoce la comisaria-con las imágenes que ellos crearon de la Coca-Cola o de la sopa Campbell.
Aunque es cierto que ellos adoptan los mensajes de la sociedad de consumo, también es cierto que había mensaje, crítica, alegoría...". Por el motivo que sea, lo que está claro es la mitificación de de artistas como Lichtenstein, Jasper Johns, Warhol, Tom Wesselmann e incluso Equipo Crónica
La rebelión de mayo del 68, el miedo del establishment occidental a la infiltración comunista en la era de la Guerra Fría o el impacto de las emergentes tecnologías protagonizan la temática de una obras que conforman la historia alternativa del pop art. La de culturas muy diversas que, por ejemplo en el caso de los españoles Eulàlia Grau y Rafael Canogar, recrean muy gráficamente la represión franquista a partir de materiales que abarcan desde la emulsión fotográfica al poliéster o la madera.
El estilo norteamericano:
Andy Warhol(1903-1987);
Roy Lichtenstein (1923- 1997); y
Claes Oldenburg (n. en 1925).
El estilo británico, que daba más importancia a la calidad de la sustancia pictórica:
David Hockney (n. en 1937); y
Patrick Caufield (n. en 1936).
A Richard Hamilton (Londres, 1922- 2011) se le suele atribuir la paternidad del pop art, el movimiento artístico inspirado en la cultura popular. Pero también fue precursor del apropiacionismo, de la instalación y de muchas otras tendencias que fueron sorprendiendo según avanzaba el siglo XX y arrancaba el XXI. Hijo artístico de Duchamp, la ironía y el juego forman parte de sus reflexiones críticas y de sus permanentes investigaciones
Sus primeras pinturas de comienzos de los años cincuenta, donde aborda la alteración de la materia orgánica y prosigue con sus conocidísimas piezas de arte pop inspiradas en el consumo de masas; un pop que tiene poco más que un aire de familia con el que luego desarrollan los artista norteamericanos como Warhol o Lichtenstein. Una versión del collage titulado Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? es la pieza central de This is tomorrow (1956), la exposición en la que se invitó a artistas, arquitectos y diseñadores para armar un solo proyecto
Curioso resulta contemplar ahora los retratos que hizo a una gran parte
de las celebridades de los sesenta en Londres o los retratos que pidió
que le hicieran a él con la Polaroid. Imágenes que fueron disparadas por
amigos suyos tan célebres como Francis Bacon, Andy Warhol, Man Ray,
Yoko Ono o Ferran Adrià,
la serie de celebridades de Swinging London 67
las reproducciones de Duchamp,My Marilyn,
Interior
The Solomon R. Guggenheim
retrato de Tony Blair, Conmoción y pavor (2010) vestido de indomable vaquero
Roy Lichtenstein, Sin título. (Colección particular, Nueva York).
Entre las escuelas derivadas del pop que alcanzaron entidad propia destaca la nueva figuración, uno de cuyos más relevantes exponentes es el español
Eduardo Arroyo (n. en 1937).
VER: 728 Roy Lichtenstein
El Hiperrealismo
En 1966 tuvo lugar en el Guggenheim de Nueva Yo rk la exposición prog ramática The Photografic
Images, en la que se dio a conocer al público una se rie de artistas (pintores y escultores) obsesionados por la reproducción casi literal de la realidad. Son los llamados hiperrealistas. Las obras se anunciaban con el siguiente rótulo: “Atención, no hay cámara fo tográfica”. Sin embargo la fotografía constituyó una parte esencial en la obra de estos artistas, muc hos de los cuales se servían habitualmente de dicho medio como modelo.
A principios de 1972 el Hiperrealismo se dio a conocer en Europa como una de las últimas novedades de la vanguardia. El Hiperrealismo aparece como sucesor del Pop Art y, en cierta forma, vinculado a él. De ahí su interés por los aspectos triviales de la so ciedad de consumo y por las
imágenes populares de la cultura “underground”.
Aunque se trata de un movimiento artístico nada unitario, podrían establecerse, sin embargo, dos
tendencias dentro del mismo: una más vinculada al realismo fotográfico de origen Pop y otra más
conectada con la tradición pictórica occidental, en la línea del academicismo burgués (retratos,
interiores, desnudos clásicos, paisajEs, etc). Pero existen notas comunes a las dos tendencias como la
exactitud y la sobriedad de la representación, su carácter distanciado y frío, el recurso a procedimientos ilusionistas y el uso de la cámara fotográfica.
ESPAÑA: El arte posmoderno
Durante los años setenta y ochenta se agotó la evolución del arte encauzado a través de movimientos concretos. Tales movimientos fueron sustituidos por tendencias de moda, tan variables como diversificadas. En este contexto realizaron su obra numerosos autores, cada uno de los cuales presentaba unos rasgos expresivos personales, y que quedaron englobados dentro del llamado arte posmoderno, que no define movimiento ni estilo algunos, sino que aúna a los artistas de fin de siglo.
Entre los pintores más renombrados de esta época cabe citar a:
Baselitz (n. en 1928 ),
Julian Schnabel (n. en 1951),
Basquiat (1960 -1988 ),
Keith Haring (1960 - 1990 ),
Miquel Barceló (n. en 1957),
José María Sicilia (n. en 1954) o
Guillermo Pérez Villalta (n. en 1948).
Jasper Johns, Cadáver y espejo, 1974, (Colección particular).
Entre los hiperrealista Compartían una sensibilidad común que yo llamaría neorrealista, porque está bajo la impronta del cine neorrealista italiano y de la literatura realista social de los 50, A menudo se ha retratado a los realistas de Madrid en clave antimoderna.
Hiperrealismo. Amalia Avia. Puerta del Sol
El Arte Cinético es el arte que conlleva movimi ento.
El arte cinético representó una revolución artística e internacional que eclosionó en los años cincuenta y sesenta en Europa que experimentó y buscó nuevos materiales y soportes, acercando como nunca el arte a la ciencia y la industria que permiten explorar el espacio, la luz y el movimiento. Arte utópico que promueve una transformación del espectador en elemento activo a través de su interacción y busca
Obras inestables que se mueven, palpitan, vibran, vuelan , que se conceotualizan cuando el espectador las ve.lo involucra, lo hace e activo, en un movimiento emocional.
No son pinturas, ni esculturas; son obras sin forma definida, estable o eterna; obras abiertas, porque se presentan siempre nuevas a los ojos del espectador
Desde los primeros tiempos los artistas han tratado de reproducir el movimien to, como el movimiento de hombres y animales. No obstante, al artista cinético no le preocupa repr esentar el movimiento; lo que leimporta es el movimiento mismo, es decir, el movimiento real incorporado a la obra. Las obrasdinámicas, los llamados móviles, están más asociados a la escultura por cuanto que se desarrollan en un espaciotridimensional real.
Los pioneros Victor Vasarely y Alexander Calder (cuyos móviles fueron calificados por Sartre como "pequeñas fiestas locales")
De esta corriente en España destacan artistas como
Francisco Sobrino
Equipo 57,
Leandre Cristòfol,
Angel Duarte,
Jordi Pericot,
Eusebi Sempere,
Del Arte cinético deriva el Op Art o Arte Óptico.
El Op Art nace como una derivación de la abstraccción geométrica y se encuentra muy ligado al
Art Mínimal o Minimalismo
En los años 60 un grupo de artistas USA reacciona contra los valores del expresionismo abstracto
Judd,
Flavin,
André Carl
R. Morris.
Las formas mínimal son tridimensionales y geométricas, cúbicas y modulares (módulo repetido).
· Estas ideas se transmiten mediante la escritura, fotografías, documentos, mapas, films o videos que
hacen alusión a la idea, al concepto. Si hay objeto, éste debe ser mínimo.
· Sus principales representantes son USA: Le Witt, Kosuth, Venet, Beuis y el grupo británico Art &
Language.
Happening
· Del verbo inglés to happen -sucede- y, por deriv ación: -ocurrir sin premedita ción, sin que se espere-. Es arte relacionado con la teatra lidad, con un modo de representación donde el factor tiempo es determinante y que se opone al constreñimiento del marco y a la división de las artes en territorios
estancos.
· El precedente eran los environments –entornos-, ar te para implicar al espectador -el cuerpo del
espectador- en la propia obra de arte. Se trataba de esculturas, muebles, espacios construidos para ser
paseados, para ser deambulados: un arte participativo donde el público no se limitara a mirar.
· Los entornos y happenings rompen definitivame nte con la noción de marco. Se venderán también
como idea y se expondrán en museos, reinstalán dose incluso después de muerto el autor.
· En los happenings se quería, además, flirtear con el azar, con lo inesperado, animar al público a
desencadenar lo inesperado con su aquiescencia o su indignación, aunque poco a poco se irían
convirtiendo en performances -actuaciones con un guión más cerrado.
Land Art
El Land Art es un intento de sacar el Arte a la Naturaleza, integrando elementos artificiales o alterando los naturales. No se pretende una obra estable si no todo lo contrario, entornos que evolucionan junto con el resto del paisaje.
áticas, formalistas y socialmente distanciadas . Es pues un movimiento artístico global y difuso.
Características:
Literatura y Artes como el Pop Art, Conceptual, Instalación –Happening, Perfomance, Body Art y Arte Póvera.
Engloba a todas las Vanguardias Históricas en la Modernidad y reacciona cont ra ellas por estrechas, dogm
-Arte postmoderno -
-E. Valdearcos, “Últimas tendencias pictóricas”, http://clio.rediris.es
- www.hiru.com
-La gestual o de acción,
-La sígnica ocaligráfica,
-La de los Logic Color Painters
- el espacialismo cromático
- la surrealista
Y las características dentro del grupo:
- “la ruptura con el foco central de los cuadros,
- la voluntad de marcar la presencia humana incluso en la abstracción, -
- el desafío a las convenciones sobre la escala, con piezas que van de la miniatura intima a la grandeza épica”.
La primera era la más importante y, más que una tendencia, c onstituía un método: la acción de pintar es más importante que el resultado, el lienzo como el lugar donde se ejercita una actividad corporal. Las enormes dimensiones del lienzo posibilitaban que el cuerpo se involucrara en su totalidad en el acto creativo. El movimiento de muñeca o de brazo dio paso al movimiento corporal. Así en 1947, Pollok y De Kooning abandonan los pinceles para derramar las pinturas directamente en un lienzo situado en el suelo. A esta forma de pintar se la llamó el Action Painting
A finales de los años cuarenta estos artistascomenzaron a realizar así una serie de óleos casi en blanco yN egro, los cuales causarían un gran impacto. Esta reducción cromática será otra de sus características más significativas. Esta gama tan sombría revelaba con mayor fuerza el dramatismo y la soledad de estos artistas ante las consecuencias negativas del reciente conflicto bélico.
En Europa, el Informalismo surgió, en primer lugar, en la llamada escuela de París, impulsado por Michel Tapié (creador del término Informalismo).
En España esta tendencia tuvo dos vertientes: la Escuela de Madrid, denominada grupo El Paso, formada por
M.Millares, A. Saura, R. Canogar,L. Feito, L.Muñoz, M. Viola y M. Rivera
y la Escuela Catalana o grupo Dau al Set compuesta por
A. Tapies y R. Vallés Cuixar , entre otros.
Todos ellos desarrollaron varias técnicas en torno a esta lín ea subjetiva de abstracción:
la gestual (equivalenteeuropeo del Action Painting),
la caligráfica o sígnica, la manchista y la matérica.
En esta última se le da mucha importancia a la materia utilizada para componer el cuadro:
cortezas, arpilleras, trapos, telas metálicas, materiales de desecho, etc.
A lo largo de los años cuarenta y cincuenta se gestó en Estados Unidos, donde habían emigrado numerosos artistas europeos huyendo de la persecución nazi, un estilo que, a partir de la utilización de la técnica del automatismo y sobre premisas totalmente ajenas a cualquier forma de figuración, fue bautizado como expresionismo abstracto. Este estilo, también conocido como escuela de Nueva York, constituyó la manifestación explícita de que el gran centro de la actividad artística mundial se había trasladado a la ciudad de los rascacielos, en la que coincidieron todos los máximos representantes de la corriente.
Las principales influencias asimiladas por los expresionistas abstractos fueron:
Las enseñanzas de artistas europeos de vanguardia afincados en Estados Unidos,
como Hans Hoffman (1880-1966) y Joseph Albers (1888-1976).
El contacto con los surrealistas emigrados desde Europa.
La reivindicación política de los muralistas mexicanos.
Las principales aportaciones en el aspecto técnico fueron:
La action painting, o pintura de acción, innovadora interpretación del automatismo reivindicado por los surrealistas en sus primeros años
El empleo de soportes de gran formato.
Entre los más destacados artífices del expresionismo abstracto:
Arshile Gorky (1905-1946), de origen armenio.
Willem de Kooning (1904-1997), holandés.
Mark Rothko (1903-1970), letón.
Franz Kline (1910-1962),
Clyfford Still(1904-1980) o
Barnett Newman (1905-1970), estadounidenses.
Antonio Saura, Sudario, 1963, (Colección particular, Cádiz).
Jackson Pollock (1912-1956),
El progenitor, LeRoy Pollock, se ganaba la vida como campesino, obrero o lavaplatos. La madre, Stella, era costurera, una mujer creativa y lectora voraz. Pese a las dificultades económicas, Stella y LeRoy inculcaron a los muchachos la pasión por el arte.
Tras la muerte fatal de Jackson el 11 de agosto 1956 —conducía bajo los efectos del acohol—, Charles, un marxista convencido, pasó el resto de su vida reflexionado sobre los factores que permitieron a Jackson entrar en la historia del arte, y que a él le excluyeron.
PARA SABER MÁS, VER:
.729 Jackson Pollock
Jackson Pollock autumn-rhythm
EL INFORMALISMO
Bajo este epígrafe se han agrupado una serie de tendencias como el Expresionismo Abstracto o el Arte Matérico y, que tanto en América como en Europa, se desarrollaron entre mediados de los años cuarenta y principios de los sesenta.
Por informal - se entiende la ausencia total de formas reconocibles, ya sean figurativas o geométricas. Se
trata de un movimiento artístico que hace de la exaltación de los mecanismos irracionales y vitales su principal fuente creativa. Parte de esa línea subjetiva de la abstracción lírica y del expresionismo alemán.
Una serie de acontecimientos políticos en Europa, como la llegada al poder Hitler en Alemania y la
posterior Guerra Mundial, hizo que una cantidad considerable de intelectuales, artistas, críticos y coleccionistas europeos se trasladaran a Norteamérica. Por su alejamiento de las zonas conflictivas, Nueva York parecía el escenario más fresco y desafiante para llevar adelante una nueva aventura
estética. Nueva York se ve así convertida en la capital artística de Occidente.
Entre 1945 y 1947, un grupo de artistas norteamericanos, la mayor parte jóvenes,expondría sus obras en la Art ofThis Century Gallery. La presencia allí de los grandes maestros europeos (más que su atención) confirió a estos jóvenes la sensación de ocupar elcentro artístico de suépoca. Sus nombres eran
J. Pollok, W. De Kooning, F.Kline, etc.
El crítico de arte del The New Yorker, RoberCoates, fue quien acuñó el nombre de
La evolución del arte abstracto en la Europa de posguerra discurrió dentro de los cauces del expresionismo, aunque sobre premisas diferentes de las americanas, que dieron lugar a la gestación del llamado informalismo.
Los dos rasgos diferenciadores más acentuados respecto del expresionismo abstracto americano fueron:
El uso de formatos menores.
La concepción artística más intimista, poética y concentrada.
El informalismo europeo tuvo sus manifestaciones más relevantes en Francia, Italia y España.
Francia: Jean Dubuffet (1901-1985), Henri Michaux (1899-1984) y Hans Hartung (1904-1989).
Italia: Alberto Burri (1915-1991) y Lucio Fontana (1899-1968).
Concetto spaziale', Fontana, 1961
Lucio Fontana es sobradamente conocido por haber acuchillado el lienzo con múltiples cortes verticales y otros agujeros aleatorios. Lo es bastante menos por la que seguramente fue su auténtica contribución: hacer entender que la obra de arte no acontecía sobre la superficie física del cuadro, sino en la cabeza de quien lo observaba
Se sintió cómodo en el terreno de lo inclasificable: fue abstracto a la vez que figurativo, escultor pero también artista plástico, barroco antes de volverse minimalista, plenamente accesible a la vez que bastante sesudo, e inscrito en la realidad física pero aspirando a alcanzar la trascendencia cósmica.
El lienzo abandonaba sus contornos meramente físicos y embarcaba al espectador en un viaje sideral. “No pretendo crear un lienzo, sino abrir un nuevo espacio, crear una nueva dimensión para el arte y vincularla al cosmos”, afirmó Fontana.
España:
Antoni Tàpies (1923),
Antonio Saura (1930-1998)
- Juan Genovés
- del informalismo, el arte pop y las corrientes geométricas.
- - Juan Genovés
Manuel Millares (1926- 1972).
- Luis Gordillo (Sevilla, 1934) es una figura clave del arte español de la última mitad del siglo XX. Toda la trayectoria es un viaje al fondo del cerebro y sus cuadros, que parecen seres vivos,
nacen de la síntesis de elementos que llegandel informalismo, el arte pop y las corrientes geométricas.
Luis Gordillo en una intervencion en puente romano Córdoba
Guerrero pasó a formar parte del movimiento artístico americano por excelencia: el expresionismo abstracto, junto a Pollock, Motherwell, De Kooning o Rothko. En España, lo que pinta en esta etapa son lienzos de gran formato llenos de color comoBlack Cries, dedicado al nacimiento de su hija Lisa. Llegan después obras en las que muestra signos claros de cambio, gracias al uso de colores provocativos sumados a formas dramáticas, en los que el negro ocupa protagonismo y que es reflejo de su estado de ánimo; su estabilidad se derrumbó ante la muerte de un amigo, lo que le llevó a psicoanalizarse cuatro años. Después del tratamiento viaja en solitario a España y decide que vivirá entre su país de origen y EE UU,
Alberto Corazón (Madrid, 1942) ha tejido una labor artística que va del campo del diseño industrial a las artes plásticas, de la edición de libros y revistas
Las vanguardias figurativas
Junto con las corrientes expresionista e informalista, plenamente abstractas, durante las décadas de los cuarenta y cincuenta se distinguieron también diversas líneas de vanguardia artística más o menos próximas a la figuración.
Escuela de Londres, de la que formaron parte Francis Bacon (1909-1992), Lucien Freud (n. en1922), y Frank Auerbach (1931), que adoptaron personales formas de figuración, caracterizadas generalmente por el uso de formas distorsionadas y tensas. En las obras de Bacon destaca la creación del llamado espacio psíquico, en el que se encuadra la expresión del drama de la atormentada existencia de las figuras representadas.
Grupo CoBrA, cuyo nombre deriva de las iniciales de las ciudades en las que se asentó el movimiento: Copenhague, Bruselas y Amsterdam. Entre sus más relevantes figuras cabe citar al danés Asger Jorn (1914-1973), al belga Pierre Alechinsky (1927) y al holandés Karel Appel (1921). Con componentes tomados del expresionismo y del surrealismo, la obra de los miembros del grupo CoBrA intenta reflejar el mundo de lo onírico y las formas de expresión de los niños y los locos, con violentos contrastes cromáticos y pintura muy empastada.
También dentro de postulados con referencias figurativas realizaron su obra artistas como Balthassar Klossowski, llamado Balthus (1908), reivindicador de un surrealismo tardío plenamente integrado en la figuración, o Francis Gruber (1912-1948) y Jean Hélion (1904- 1987), quienes evolucionaron a formas estilizadas de figuración desde perspectivas próximas a la abstracción.
Francis Bacon, Autorretrato, 1969, (Colección particular).
LA PINTURA DE FINALES DEL S. XX
En el movimiento de vanguardia de las últimas décadas del siglo XX se produjo una fuerte reacción antiexpresionista, cuyo espíritu tendía a materializar una idea, centrando el interés en su conceptualización, y sin prestar atención alguna a la acción de la creación artística, que era el objetivo de los expresionistas.
Neodadaísmo y movimientos europeos
El denominado neodadaísmo se desarrolló en los Estados Unidos y Europa en los años cincuenta y los primeros sesenta. Su principio esencial era el de tratar la creación artística como un objeto, como algo externo al artista, cuya intervención quedaba neutralizada en el resultado final, que debía asemejarse a una mera representación física de las cosas. Así se produjo una ruptura con el formato bidimensional de la obra pictórica. La incorporación de objetos a la obra artística dio lugar a una fusión de pintura y escultura, que quedaron incluidas en un solo concepto creativo.
Entre los más significados neodadaístas cabe citar a:
Robert Rauschenberg (n. en 1925).
Jasper Johns (n. en 1930).
Larry Rivers (n. en 1923).
Si el neodadaísmo fue una corriente esencialmente norteamericana, en Europa se originaron diversos movimientos de premisas estéticas semejantes, pero en los que se establecieron líneas de evolución más heterogéneas. Cabe destacar las siguientes:
Nuevo realismo, francés.
Movimiento Zero y Fluxus, alemanes.
Espacialismo, Azimuth y arte povera, italianos.
El happening
Una de las consecuencias de la investigación estética de los neodadaístas y las corrientes afines europeas fue el denominado happening, acontecimiento, en el que se incorporaban a la creación artística actuaciones en vivo, que podían ser entendidas como interpretaciones teatrales o como actuaciones tendentes a la modificación del medio para la consecución de una obra de arte.
Entre los más notables representantes del happening cabe citar a los siguientes:
El francés Yves Klein (1928-1962) abordó diversas iniciativas de carácter irónicamente transgresor como las denominadas antropometrías, en las que modelos embadurnadas de pintura restregaban sus cuerpos sobre lienzos.
El estadounidense de origen búlgaro Christo (n. en 1935) «empaquetó» grandes edificios e incorporó elementos ajenos a parajes naturales, para llamar la atención sobre ciertos aspectos de la relación entre el hombre y su entorno.
El francés Jean Tinguely (1925-1991) realizó estructuras maquinales sin otra función que la mera expresión artística.
El italiano Piero Manzoni (1933-1963) hizo una ácida crítica de la figura del creador a través de sus series de envases titulados Mierda de artista y Aire de artista, que suscitaron en su momento una agria polémica.
Abstracción pospictórica, arte cinético y op-art
La reacción al expresionismo abstracto tuvo manifestaciones muy radicales tendentes al ¿enfriamiento¿ de toda expresividad. En ellas se produjo una anulación del color y de todo medio que no denotase frialdad.
En Estados Unidos este antiexpresionismo radical se encauzó a través de la abstracción postpictórica, cuyos más significados representantes fueron
Frank Stella (n. en 1936),
Kenneth Noland (n. en 1924) y
Morris Louis(1912-1962).
En Europa la reacción antiexpresionista más radical adoptó dos líneas evolutivas principales. La primera fue el arte óptico, u op-art, que centraba su interés en la repetición continuada de elementos alternantes, y el arte cinético, cuyo objetivo era transmitir sensación de movimiento a partir de imágenes abstractas.
En estos estilos sobresalió la obra del pintor francés de origen húngaro
Victor Vasarely (n. en 1908)
y del venezolano afincado en Francia Jesús Rafael Soto (n. en 1923).
El arte pop
La iconografía es reconocible al instante. Los colores planos y brillantes que beben del mundo del comic, la impronta del diseño gráfico, los motivos publicitarios y los envases de productos comunes elevados a la categoría de arte como celebración o crítica, según las lecturas, de la cultura de consumo…
Una de los estilos más singulares de la segunda mitad del siglo XX fue el arte pop, apócope de arte «popular». Esta corriente incorporó a la creación artística imágenes consumidas en la cultura urbana, como carteles publicitarios, etiquetas comerciales, viñetas de comics, etc. La «frialdad» antiexpresionista se alcanzaba en este caso a través del uso de fotografías proyectadas sobre un lienzo y calcadas repetidas veces.
A mediados de los años cincuenta aparece esta tendencia, abreviatura de la expresión inglesa
Popular Art y se refería al arte popular que estaba creando la cultura de la publicidad de masas. Más
tarde se amplió su uso para abarcar la actividad de aquellos artistas que empleaban imágenes populares dentro de un contexto de “arteculto” o de “élite”. El movimiento surge en Inglaterra entre un grupo de artistas y críticos entre los que destacaba Richard Hamilton
El Arte Pop subraya el valor iconográf ico de la sociedad de consumo. Supone la a ceptación y la intelectualización por parte del artista de la realidad urbana y de la sociedad capitalista para trasladarla al arte y esto era algo revolucionario. Pero a pesar de esto y de su nombre, no es un arte diriGido al pueblo, sino que toma de él, de sus intereses, la temática. Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes y ajeno totalmente a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una nueva estética o alcanzar una postura crítica de la
sociedad de consumo.
Su repertorio temático, extraído del fenómeno de la propaganda industrial, de la tecnología y de la ciencia ficción, se compone de coches cromados, aviones, anuncios fluorescentes de grandes comercios, tipografías chillonas extraídas del campo de la publicidad o del mundo del cómic, fotografías estampadas en la tela, objetos de consumo como la Coca Cola, mapas de los Estados Unidos, banderas norteamericanas,hamburguesas gigantes, salchichas, batidoras, máquinas de escribir, etc.
Pero fue en los Estado Unidos donde el Pop Art arraigó de una manera especial, adquiriendo su pleno desarrollo a partir de los años sesenta.
El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la críticanorteamericana, pues daba la sensación de que los artistas Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década anterior por los artistas del Expresionismo Abstracto. Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público en tendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes.
Muy pronto el Pop Art se convirtió en uno de los instrumentos imprescindibles para hacerfrente al entorno urbano americano. Las grandes ciudades americanas, con su acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios, con la sociedad más capitalista y consumistadel mundo, constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.
El Pop fue un medio paracrear obras de arte casi totalmente a partir de elementos preexistentes, donde la contribución del artista estaría más en el hecho de establecer conexiones entre los objetos, yuxtaponiéndolos, que en hacer objetos nuevos.
Entre los artistas norteamericanos más representativos del Pop Art cabría citar a
C. Oldenburg, R.Lichtenstein, A. Warhol y T. Wesselmann.
En la Costa Oeste delos Estados Unidos se desarrolló igualmente esta tendencia, sobre
todo en San Francisco y Los Ángeles. En Esta última ciudad, A.Warhol realizó en 1962 su primera exposición individual comoartista consagrado del Pop. Aquel era también el hogar de Hollywood y el cine marcará también allí esta tendencia pictórica (Imágenes de Marilyn Monroe).
Dentro de la corriente pop se distinguen:
Los artistas en ese momento coinciden con un desarrollo y unos avances técnicos en impresión y fotomecánica que fomentan la popularización de imágenes de la Historia del Arte que empieza a estar por todas partes, "y ellos que son esponjas se hacen eco de esta Historia. Comienza así algo que hoy es habitual: el arte sobre el arte, la revisión de Las Meninas, de Desayuno en la hierba. Un revival de la Historia de la que se habían apartado las vanguardias".
Los artistas pop no acercan la Historia pero también la publicidad, el cine... Y eso es parte de su atractivo y de la atracción indudable que genera entre nosotros. "Hemos crecido con el pop -reconoce la comisaria-con las imágenes que ellos crearon de la Coca-Cola o de la sopa Campbell.
Aunque es cierto que ellos adoptan los mensajes de la sociedad de consumo, también es cierto que había mensaje, crítica, alegoría...". Por el motivo que sea, lo que está claro es la mitificación de de artistas como Lichtenstein, Jasper Johns, Warhol, Tom Wesselmann e incluso Equipo Crónica
La rebelión de mayo del 68, el miedo del establishment occidental a la infiltración comunista en la era de la Guerra Fría o el impacto de las emergentes tecnologías protagonizan la temática de una obras que conforman la historia alternativa del pop art. La de culturas muy diversas que, por ejemplo en el caso de los españoles Eulàlia Grau y Rafael Canogar, recrean muy gráficamente la represión franquista a partir de materiales que abarcan desde la emulsión fotográfica al poliéster o la madera.
El estilo norteamericano:
Andy Warhol(1903-1987);
Roy Lichtenstein (1923- 1997); y
Claes Oldenburg (n. en 1925).
El estilo británico, que daba más importancia a la calidad de la sustancia pictórica:
David Hockney (n. en 1937); y
Patrick Caufield (n. en 1936).
725 Richard Hamilton
Sus primeras pinturas de comienzos de los años cincuenta, donde aborda la alteración de la materia orgánica y prosigue con sus conocidísimas piezas de arte pop inspiradas en el consumo de masas; un pop que tiene poco más que un aire de familia con el que luego desarrollan los artista norteamericanos como Warhol o Lichtenstein. Una versión del collage titulado Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? es la pieza central de This is tomorrow (1956), la exposición en la que se invitó a artistas, arquitectos y diseñadores para armar un solo proyecto
la exposición An Exhibit (1957), una propuesta en la que Hamilton manifestó sus preocupaciones estéticas y conceptuales de entonces. Aquí lo importante era la estructura y, a base de paneles de metacrilato, proponía la interacción del espectador. Planteaba sus dudas sobre la indeterminación espacial que ofrecen el cine y la televisión.
Todo le interesó a este hombre ávido de conocimiento, un genio irrepetible: la pintura, el grabado, el dibujo, la fotografía, la tecnología y la informática, la ciencia, el diseño industrial... Para él no había jerarquías entre los medios: todos eran igual de importantes. También abordó todos los géneros y temas:
el retrato, la naturaleza muerta, el paisaje, los interiores, la
pintura histórica, la propaganda política, la iconografía religiosa...
Bebió de fuentes tan dispares como Fra Angelico, Giorgione y Velázquez
Entre sus últimos trabajos se encuentra una obra sin titular inspirada en un relato de Balzac, La obra maestra desconocida en la que cuenta la historia de un pintor empeñado en realizar un desnudo femenino perfecto. Junto a la mujer tumbada, Hamilton incorpora autorretratos de Poussin, Courbet y Tiziano; tres artistas que mantuvieron una permanente lucha por resolver el desnudo femenino.
-la carátula del doble disco de los Beatles, White album; la serie de celebridades de Swinging London 67
las reproducciones de Duchamp,My Marilyn,
Interior
The Solomon R. Guggenheim
retrato de Tony Blair, Conmoción y pavor (2010) vestido de indomable vaquero
Roy Lichtenstein, Sin título. (Colección particular, Nueva York).
Entre las escuelas derivadas del pop que alcanzaron entidad propia destaca la nueva figuración, uno de cuyos más relevantes exponentes es el español
Eduardo Arroyo (n. en 1937).
VER: 728 Roy Lichtenstein
El Hiperrealismo
En 1966 tuvo lugar en el Guggenheim de Nueva Yo rk la exposición prog ramática The Photografic
Images, en la que se dio a conocer al público una se rie de artistas (pintores y escultores) obsesionados por la reproducción casi literal de la realidad. Son los llamados hiperrealistas. Las obras se anunciaban con el siguiente rótulo: “Atención, no hay cámara fo tográfica”. Sin embargo la fotografía constituyó una parte esencial en la obra de estos artistas, muc hos de los cuales se servían habitualmente de dicho medio como modelo.
A principios de 1972 el Hiperrealismo se dio a conocer en Europa como una de las últimas novedades de la vanguardia. El Hiperrealismo aparece como sucesor del Pop Art y, en cierta forma, vinculado a él. De ahí su interés por los aspectos triviales de la so ciedad de consumo y por las
imágenes populares de la cultura “underground”.
Aunque se trata de un movimiento artístico nada unitario, podrían establecerse, sin embargo, dos
tendencias dentro del mismo: una más vinculada al realismo fotográfico de origen Pop y otra más
conectada con la tradición pictórica occidental, en la línea del academicismo burgués (retratos,
interiores, desnudos clásicos, paisajEs, etc). Pero existen notas comunes a las dos tendencias como la
exactitud y la sobriedad de la representación, su carácter distanciado y frío, el recurso a procedimientos ilusionistas y el uso de la cámara fotográfica.
ESPAÑA: El arte posmoderno
Durante los años setenta y ochenta se agotó la evolución del arte encauzado a través de movimientos concretos. Tales movimientos fueron sustituidos por tendencias de moda, tan variables como diversificadas. En este contexto realizaron su obra numerosos autores, cada uno de los cuales presentaba unos rasgos expresivos personales, y que quedaron englobados dentro del llamado arte posmoderno, que no define movimiento ni estilo algunos, sino que aúna a los artistas de fin de siglo.
Entre los pintores más renombrados de esta época cabe citar a:
Baselitz (n. en 1928 ),
Julian Schnabel (n. en 1951),
Basquiat (1960 -1988 ),
Keith Haring (1960 - 1990 ),
Miquel Barceló (n. en 1957),
José María Sicilia (n. en 1954) o
Guillermo Pérez Villalta (n. en 1948).
Jasper Johns, Cadáver y espejo, 1974, (Colección particular).
Entre los hiperrealista Compartían una sensibilidad común que yo llamaría neorrealista, porque está bajo la impronta del cine neorrealista italiano y de la literatura realista social de los 50, A menudo se ha retratado a los realistas de Madrid en clave antimoderna.
Lavabo y espejo, de Antonio López, 1967. Óleo sobre tabla. 98 x 83,5 cm. Museum of Fine Arts, Boston
Isabel Quintanilla. El jardín
Arte Cinético y Op Art
El Arte Cinético es el arte que conlleva movimi ento.
El arte cinético representó una revolución artística e internacional que eclosionó en los años cincuenta y sesenta en Europa que experimentó y buscó nuevos materiales y soportes, acercando como nunca el arte a la ciencia y la industria que permiten explorar el espacio, la luz y el movimiento. Arte utópico que promueve una transformación del espectador en elemento activo a través de su interacción y busca
Obras inestables que se mueven, palpitan, vibran, vuelan , que se conceotualizan cuando el espectador las ve.lo involucra, lo hace e activo, en un movimiento emocional.
No son pinturas, ni esculturas; son obras sin forma definida, estable o eterna; obras abiertas, porque se presentan siempre nuevas a los ojos del espectador
Desde los primeros tiempos los artistas han tratado de reproducir el movimien to, como el movimiento de hombres y animales. No obstante, al artista cinético no le preocupa repr esentar el movimiento; lo que leimporta es el movimiento mismo, es decir, el movimiento real incorporado a la obra. Las obrasdinámicas, los llamados móviles, están más asociados a la escultura por cuanto que se desarrollan en un espaciotridimensional real.
En
él la preocupación máxima es la de conseguir la impresión de
movimiento, conseguir el movimiento virtual a través de la pintura. La
obra pareceexpandirse y contraerse, avanzar
y retroceder, hay partes que simulan girar, saltar sobre el lienzo, surgir o desaparecer, sin
embargo no hay nunca movimiento real.
Los pioneros Victor Vasarely y Alexander Calder (cuyos móviles fueron calificados por Sartre como "pequeñas fiestas locales")
Artistas actuales
Mona Hatoum
Ann Veronica.
Mona Hatoum
Ann Veronica.
De esta corriente en España destacan artistas como
Francisco Sobrino
Equipo 57,
Leandre Cristòfol,
Angel Duarte,
Jordi Pericot,
Eusebi Sempere,
PARA SABER MÁS, VER:
Obras Abiertas. El arte en movimiento, 1955-1975, en La Pedrera, 2018
Del Arte cinético deriva el Op Art o Arte Óptico.
El Op Art nace como una derivación de la abstraccción geométrica y se encuentra muy ligado al
Constructivismo
(además de alArte Cinético). Sus obras persiguen la estimulación de la
retina, con la consiguiente provocación de reacciones fisiológicas
visuales que producen la sensación ilusoria de movimiento. Es movimiento
virtual a través de efectos ópticos que recurren a la psicología de la
percepción.
El movimiento aparece hacia la mitad de los
años sesenta y busca la ilusión óptica apoyándose enteramente en medios
pictóricos. Según el tratamiento que se hace de la luz y del color se
podrían diferenciar do tendencias: el Op Art cinético que busca
movimientos en espacios tridimensionales si
mulados y el Op Art estático que lo hace sobre el nivel bidimensional del cuadro y a partir de
blancos y negros, provocando efectos de cascada por círculos concéntricos o en espiral o
efectos de cruce de franjas, etc.
Art Mínimal o Minimalismo
En los años 60 un grupo de artistas USA reacciona contra los valores del expresionismo abstracto
(subjetividad, emotividad, pintura gestual e improvisación)
· Los principales representantes del Minimalismo fueron
Judd,
Flavin,
André Carl
R. Morris.
Todos ellos están interesados enla construcción de objetos tridimensionales y en la creencia de que
una obra de Arte debía ser concebida completamente en la mente del artista antes de ejecutarla. Era
más importante la idea inicial que el proceso, elconcepto era más importante que el objeto.
Las formas mínimal son tridimensionales y geométricas, cúbicas y modulares (módulo repetido).
Sencillez extrema y repetición. Estas formas están desprovistas detodo significado, no hay
iconografía.
La igualdad de las partes componentes, la repetición, las superficies
neutras,hacen que la obra se vea como algo que podría continuar sin lí
mites. Si la idea prevalece sobre el objeto, éste debe ser sencillo, desnudo.
El Arte Mínimal se convirtió en una estética de moda durante los años 60 y 70 y de ahí se extendió a la poesía, la danza, la música (Philip Glass, Nyman o Mertens)
Arte Conceptual
· Fue la lógica evolución del Art Mínimal. El Conceptualismo cuestiona la validez del objeto artístico
tradicional y emplea los conceptos, las ideas, como material. Si la forma física no es esencial para las
ideas, y puesto estas ideas son el punto inicial de la obra de Arte, los artistas coceptuales proponen que los objetos artísticos no sean necesarios.
El Arte Mínimal se convirtió en una estética de moda durante los años 60 y 70 y de ahí se extendió a la poesía, la danza, la música (Philip Glass, Nyman o Mertens)
Arte Conceptual
· Fue la lógica evolución del Art Mínimal. El Conceptualismo cuestiona la validez del objeto artístico
tradicional y emplea los conceptos, las ideas, como material. Si la forma física no es esencial para las
ideas, y puesto estas ideas son el punto inicial de la obra de Arte, los artistas coceptuales proponen que los objetos artísticos no sean necesarios.
· Estas ideas se transmiten mediante la escritura, fotografías, documentos, mapas, films o videos que
hacen alusión a la idea, al concepto. Si hay objeto, éste debe ser mínimo.
· Sus principales representantes son USA: Le Witt, Kosuth, Venet, Beuis y el grupo británico Art &
Language.
Happening
· Del verbo inglés to happen -sucede- y, por deriv ación: -ocurrir sin premedita ción, sin que se espere-. Es arte relacionado con la teatra lidad, con un modo de representación donde el factor tiempo es determinante y que se opone al constreñimiento del marco y a la división de las artes en territorios
estancos.
· El precedente eran los environments –entornos-, ar te para implicar al espectador -el cuerpo del
espectador- en la propia obra de arte. Se trataba de esculturas, muebles, espacios construidos para ser
paseados, para ser deambulados: un arte participativo donde el público no se limitara a mirar.
· Los entornos y happenings rompen definitivame nte con la noción de marco. Se venderán también
como idea y se expondrán en museos, reinstalán dose incluso después de muerto el autor.
· En los happenings se quería, además, flirtear con el azar, con lo inesperado, animar al público a
desencadenar lo inesperado con su aquiescencia o su indignación, aunque poco a poco se irían
convirtiendo en performances -actuaciones con un guión más cerrado.
Klein aparece como padre del Body Art y del Happening el 9 de marzo de 1960 cuando se ejecuta su
Sinfonía Monótona. Unos músicos tocan lo que él había compuesto -una nota repetida diez minutos y
seguida de un silencio-, mientras dos mujeres des nudas (pero con el pelo recogido en un moño italiano perfecto) se embadurnan de pintura y, ayudándose una a otra, se tumban sobre papeles blancos y dejan la huella de su cuerpo en ellos. Klein, como un espectador más (con traje y
corbata), en medio de señoras elegantes y cargadas de joyas, observa el desarrollo de esta ob
ra de arte que él había concebido y en la que se unían teatro, música, pintura y performance.
Arte Povera
Sinfonía Monótona. Unos músicos tocan lo que él había compuesto -una nota repetida diez minutos y
seguida de un silencio-, mientras dos mujeres des nudas (pero con el pelo recogido en un moño italiano perfecto) se embadurnan de pintura y, ayudándose una a otra, se tumban sobre papeles blancos y dejan la huella de su cuerpo en ellos. Klein, como un espectador más (con traje y
corbata), en medio de señoras elegantes y cargadas de joyas, observa el desarrollo de esta ob
ra de arte que él había concebido y en la que se unían teatro, música, pintura y performance.
Arte Povera
El nombre surge de una exposición en el Museo Cí vico de Turín en 1970. Es un movimiento italiano que realiza un arte anticomercial, efímero, trivial, pr eocupado por las cualidades físicas del material y su mutabilidad. Hay un compromiso de los artistas povera con los materiales reales y cómo cambian con el tiempo.
Además se tiende a trabajar con materiales burdos y sin valor, desechos urbanos frente al refinamiento del plástico y el metal de otras tendencias. En este sentido enlaza con el Pop Art al usar materiales cotidianos del consumo urbano.
Los artistas más comprometidos con esta tendencia son,
Los artistas más comprometidos con esta tendencia son,
M. Oliviero,
Mario Celori,
Mario Mertz (Iglú) y
Beuis: (Piano de cola)
ARTE
POVERA: La Venus de los harapos», escultura de mármol rodeada de trapos
que Pistoletto creó en 1967. «Representa la permanencia de la historia
y, al mismo tiempo, el cambio cotidiano. La inmutable belleza marmórea
de la Venus recuerda a la antigüedad, mientras que los trapos evocan el
proceso de transformación, el de las modas que pasan y la degradación de
la materia: resultan de un sistema consumista", según el artista.
Land Art
El Land Art es un intento de sacar el Arte a la Naturaleza, integrando elementos artificiales o alterando los naturales. No se pretende una obra estable si no todo lo contrario, entornos que evolucionan junto con el resto del paisaje.
áticas, formalistas y socialmente distanciadas . Es pues un movimiento artístico global y difuso.
ART BRUT
El término arte marginal fue acuñado por el crítico de arte Roger Cardinal en 1972 trasladando al inglés el concepto de Art Brut, que había sido concebido por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte creado fuera de los límites de la cultura oficial
Cuando, en 1945, el artista francés Jean Dubuffet definió el art brut
como todo aquello hecho por discapacitados mentales, de espaldas a
cualquier mandamiento académico, estaba hablando también de un tipo de
arte en el que lo importante es lo que se expresa. No hay discurso
previo ni interés por agradar al espectador, porque la obra en sí es un
mensaje destinado solo al propio autor. El tema que tratan es personal y
el lenguaje está desposeído de todo convencionalismo.Características:
Primacía de lo espontáneo e instintivo / inconsciente.
Búsqueda artística en «lo feo»
Expresión de la interioridad
Búsqueda artística en «lo feo»
Expresión de la interioridad
Una gama cromática muy amplia y caótica
Trabjo con el volumen y la materia de la pintura.
Prescinde de la perspectiva
Trabjo con el volumen y la materia de la pintura.
Prescinde de la perspectiva
pobreza reflejada en los temas.
Primacía de lo espontáneo e instintivo / inconsciente.
Postmodernismo
Postmodernismo es un término que surge a finales de los años 70 y que se aplicó a la Arquitectura,
Literatura y Artes como el Pop Art, Conceptual, Instalación –Happening, Perfomance, Body Art y Arte Póvera.
Engloba a todas las Vanguardias Históricas en la Modernidad y reacciona cont ra ellas por estrechas, dogm
Hoy la
situación del arte ha cambiado mucho. Primero por la eclosión de
internet. Los niveles de información son mucho más grandes y complejos,
pero deben servirnos como algo positivo.
----------------------------------
PARA SABER MÁS, VER:
PARA SABER MÁS, VER:
-Arte postmoderno -
-E. Valdearcos, “Últimas tendencias pictóricas”, http://clio.rediris.es
- www.hiru.com
No hay comentarios:
Publicar un comentario