ARTE. S. XXI. ¿QUE ESTAS MIRANDO? POST INERNET ART. GLOBALIDAD. ¿ESTO ES ARTE? CONTEXTO HISTORICO, SOCIAL Y CULTURAL


"No existe, realmente, el arte. Tan solo hay artistas”. 
Son las palabras introductorias de la Historia del arte de Ernst Gombrich. 

Sentir pasión por una obra, tener curiosidad, indagar en diferentes artistas y galerías, buscar

ARTE. S. XXI. ¿QUE ESTAS MIRANDO? POST INERNET ART. GLOBALIDAD. ¿ESTO ES ARTE?

CONTEXTO HISTORICO, SOCIAL Y CULTURAL
Contexto¿Cómo afecta a nuestra libertad como individuos los condicionantes sociales y políticos de la sociedad en la que vivimos?


¿Los cinco creadores vivos más importantes?
Gerhard Richter, Jasper Johns, Marina Abramovich, Peter Doig y Cildo Mireilles. 

¿Si Koons es el “artista vivo más caro del mundo” (se pagaron 43,6 millones de euros por un objeto suyo) es también el mejor?

¿Y algo sin el más mínimo interés?
Las vacas en formol de Damien Hirst o los racimos de globos de Jeff Koons, productos con fecha de caducidad destinados al consumo de megamillonarios.

A diferencia de lo que sucedía “antes”, no existen criterios sobre qué sea arte, hasta el punto de que cualquier cosa puede serlo. Tradicionalmente aquello que se consideraba sagrado a menudo se ha expresado de forma artística y, en un camino de doble dirección, lo que se etiquetaba como arte gozaba de un aura de sacralidad. Pero entonces llegó el arte del siglo XXI

Nunca el arte había sido tan popular, aceptado y rentable. Nunca tantos artistas “profesionales” de tantos lugares del planeta habían sido famosos tan rápidamente, ni tantos profesionales habían trabajado en materias relacionadas con la plástica contemporánea.

La crítica «El arte no recae en la finura de cada marca individual, sino en la orquestación de una serie de reglas personales no decodificadas sobre dónde actuar y dónde no, qué tan lejos se debe ir y cuándo se debe parar, de tal manera que el cortejo acumulativo de caos aparente define un original híbrido de orden, el cual a cambio ilumina un complejo sentido de experiencia humana que no esta dicho


Se trata de hacer una cartografía de la situación de un sector 

De la construcción de relatos, de arte, coleccionismo y creación de patrimonio; del valor social del arte en periodo de crisis; de autonomía y creación de redes, de la Formación, investigación y profesionalización de los agentes

En el siglo XXI, la responsabilidad ya no recae tanto sobre un tipo de producción específica u otra, sino más bien en la capacidad de cada autor para prescribir sentido a aquello que articula con mayor exactitud sus inquietudes, un razonamiento que prioriza las proposiciones argumentales sobre la forma final de presentación. las temáticas ya no hacen referencia al pasado histórico. pluralidad cultural. Los cuestionamientos ahora son internacionales y universales (globalidad)

Sarah Thornton,3 artistas en 3 actos (Edhasa, 2015).

TENDENCIAS DEL SIGLO XXI

Los canales se han multiplicado, nuevos espacios. Se comparten códigoss y cultura. El museo, el centro de arte, el espacio de creación se encuentra en un momento de profunda transformación
  • ART-EFIMERO
  • PERFORMANCE
  • ART-INSTALACION 
  • ART-URBANO 
  • ARTE-VIDEO.CREACION
  • COLLAGESestructuras, conceptos filosóficos, vivencias, dibujos, gráfias, construcciones, cartografías efímeras, diferentes planos de presentación y representación, superposiciónes, perfomances con estereotipos culturales y la posición del individuo en sistemas sociales.
  • POST INTERNET ART:  mezclan diferentes medios y, a su vez, el tema es lo efímero e inmaterial
  •  FOTOGRAFÍA



Naomi. Marlen Dumas.

Una trayectoria iniciada en los setenta, durante la cual se ha convertido en uno de los nombres más respetados del arte de hoy. Y también en uno de los más cotizados.En 2008 se convirtió en la artista viva más cara cuando alguien pagó 4 millones de euros por un lienzo titulado The Visitor. El contenido de una obra compleja y fascinante, como un enigma al que uno se enfrenta mil veces sin encontrar solución,Su estilo oscila entre la sordidez explícita y la belleza insospechada. Dumas pinta retratos de colores desteñidos, en los que figuran niños enfermizos, cuerpos violentados, víctimas del terror ajeno y personas que lo infligen a los demás. Dumas asegura que en su trabajo no hay mensaje. Sí, en cambio, tensión, ambigüedad y sigilo


Julian Opie, organizada en el IVAM en 2010.

Julian Opie: Implica la reducción de fotografías (o cortos) en reproducciones figurativas (creadas mediante programas informáticos). Considerado el representante actual del retrato moderno, Opie utiliza las últimas tecnologías aplicadas a la pintura y, además de los trabajos realizados por ordenador, en sus esculturas e instalaciones incorpora vinilos con luz interior, paneles LED o pantallas de cristal líquido.
El artista británico se ha hecho internacionalmente conocido gracias a su estilo minimalista de formas muy simples, casi simbólicas, que se apoyan en criptogramas.


Vhils es hijo del grafiti. Nació y creció en la margen sur del Tajo, entre suburbios-dormitorios, un entorno urbano degradado y marginado. A los 13 años comenzó a pintar en paredes de Lisboa; luego fue a Barcelona, que era el centro europeo del arte en la calle.(street artists).
Vhils hace hablar a las paredes, y sus rostros van surgiendo de la decrepitud, donde quedarán para seguir absorbiendo la energía del lugar, a menudo, estercoleros públicos y socorridos urinarios.
“Cuando el mural va integrándose con las humedades, las grietas y la contaminación, la obra se completa

TENDENCIAS DEL SIGLO XXI

Si algo caracteriza a la evolución de las artes plásticas en los siglos XIX y XX es su apuesta por la diversidad, la de las propias artes y la de los motivos aludidos por ellas, frente a la uniformidad del arte dominado por reglas (académicas, religiosas o políticas). Ahora se acentúa.Asi, surgen los creadores con su `propio imaginario. Si no tenemos modo seguro de justificar las obras, es buena cosa saber que sus autores se toman en serio lo que hacen, que han puesto lo mejor de sí mismos. Nos ayudará a saber qué podemos esperar y será una vía para comenzar a valorar la obra.

No existen criterios para valorar las obras (y como no existen criterios, los artistas, los creadores, pueden recurrir a todo tipo de subterfugios para medrar

El arte actual del siglo XXI se ha convertido potencialmente en un acto de extraversión emocional que busca siempre estímulos nuevos. El artista actual se sirve de todo tipo de materia, de imagen, técnica, ciencia, electrónica o de reproducción mecánica; fusionando estilos, preceptos y reglas para crear todo tipo de arte. Pero la pregunta surge cuando se pronuncia la palabra “ARTE”, ¿es arte todo lo que se expone?… La respuesta es muy delicada para muchos artistas..


My bed' - 'Mi cama', de Tracey Emin. Una colcha desecha, condones usados, compresas con orina, tampones, un test de embarazo, botellas vacías de vodka, pantalones manchados de sangre… Tracey Emin (Reino Unido, 1963) es la artista que mejor ha sobrevivido al fulgor y la moda de los Young British Artists (Damien Hirst, Chris Ofili, Jenny Saville…). Y su cama, que Christie’s vendió hace un par de años por cuatro millones de euros, es arte. Pónganle las mayúsculas. Porque ese lecho es el recuerdo del alcoholismo, varias rupturas de pareja, dos abortos, el incesto con su hermano mellizo, una violación a los 13 años; la derrota. Una vida tan dura que ni siquiera la alivia la cama más blanda.

El siglo XXI, caracterizado por aquilatar todo tipo de expresión artística, se debate entre la herencia de su valor cultural y la comunicación de sus individuos entre nuevos caminos sumergidos en un estilo vanguardista, críptico y, a veces, hasta incomprensible o discordante con los conceptos y preceptos del arte que hemos heredado.

En el museo hay una  confluencia de las artes, de esparcimiento y de espectáculo.

La realidad muestra una situación de transformación, tanto en el plano teórico como en el práctico, desde todos los aspectos de la sociedad y nos sumerge en un criterio ambiguo difuminado entre las vanidades y la espontaneidad del individuo

Existe tanto de todo que todo se esparce sin una dirección concreta. Las Transvarguardias italianas y alemanas, como el Vidimus-art o el Neoexpresionismo español, el Onirismo-art, el Abstracto romántico, el Neomitoismo “Myth art” o el “Bad Art“ y “Thrift Shops Arts” son consecuencia de una sociedad expuesta a los medios de comunicación y del consumo. La herencia artística del siglo XX discute sobre las posibilidades del nuevo siglo XXI.. 

La globalización nos sumerge en nuevas expresiones culturales (arte Asiático, Africano, Americano… ); nuevos lenguajes con nuevas fusiones. Simbiosis entre tecnología y arte. Mercados repletos de obras, pero sin ordenación en genialidad.

Democratización del arte, tecnología y futuro

 El número de personas que se expresan por medio de manifestaciones artísticas se ha incrementado de manera imporatante.   Hasta hace poco, se trataba de un grupo muy reducido. Sin embargo, ya ha empezado a crecer exponencialmente y, durante el siglo XXI

En esto la tecnología puede ayudar mucho. Antes, la expresión artística, a parte de talento, requería una gran inversión en tiempo y dedicación para adquirir una técnica.
La exploración de nuevas posibilidades también se facilita enormemente. 
El pintor, el escultor, el director de cine y el arquitecto pueden explorar y experimentar sus ideas en forma virtual antes de empezar a trabajar con los materiales definitivos.


Presentación virtual en la feria Frieze 2013 de la obra 'Frame', de Ian Cheng.                      LEON NEAL


El ARTE DIGITAL


386 DX de Alexei Shulgin, la primera banda de rock ciberpunk. Rosa Menkman

El arte tecnológico puede ser tan delicado y deteriorable como un retablo románico o un dibujo antiguo. Por ello es tan extraordinario que el ZKM Center for Art and Media de Karlsruhe (Alemania), considerado el centro de arte y tecnología más importante del mundo 
 obras interactivas, que involucran en una dinámica participativa un público,

el net.art y el arte basado en Internet constituyen un fenómeno que todavía desconcierta el mercado del arte

Videoescultura, videoarte, instalación e performance audiovisual y obras sonoras, ofrecen un panorama exhaustivo que arranca en la década de 1960 con Beatles Electronique y Participation TV, de Nam June Paik y Duchampiana: Nude Descending a Staircase, de Shigeko Kubota, que establecen una asociación conceptual fundamental entre las vanguardias históricas y el media art. Aunque casi naïf en esta época de libros electrónicos, Beyond Pages, el libro virtual de Masaki Fujihata, conserva toda su fuerza poética, así como se mantiene el empuje coral de la Messa di Voce de Golan Levin y Zachary Lieberman, que convierte el público en máximo protagonista de la obra a través del uso de su voz. “La voluntad de establecer un diálogo entre obra y público, público y espacio y también entre los propios visitantes, toma formas distintas según el periodo y la tecnología y a menudo tiene un corte lúdico y entretenido, como en el caso del juego participativo con pompas de jabón virtuales de Bubbles de Kiyoshi Furukawa y Wolfgang Münch”

'Hello', de Tony Oursler.

Es la nueva forma de manisfestacion de los sentimientos, pensamientos y estados de animo del hombre mostrados por medios digitales que representan el actual contacto e influencia de los avances e innovaciones tecnologicos acompañados por la vertijinosa era de la internet



RGB Landscapes de Emilio Gomariz.




taringa.net/posts/arte/3613836/Megapost-d...




Contribución de Yoshi Sodeoka en la competición T GIF 2014.



PARA SABER MÁS, VER: 





PERFORMANCE



Liu Bolin forma parte de esta pared de Suo Jia,

En los los setenta aflora una práctica artística nacida en los días del Cabaret Voltaire, reinventada por artistas que querían demostrar que otro arte era posible, siguiendo el ejemplo de Yoko Ono, desnudada por turnos por su propio público en la mítica Cut piece, o de Joseph Beuys, que una década atrás había asegurado que incluso pelar una patata podía ser arte, siempre que uno lo hiciera adrede. La paradoja es que aquel arte nacido como práctica radical se haya convertido, cuarenta años más tarde, en la disciplina de moda. lugar de compromiso y participación.

La atención a la disciplina se ha intensificado desde que, en 2010, la retrospectiva de Marina Abramovic en el MoMA logró seducir a más de medio millón de visitantes. La artista serbia permaneció sentada durante 736 horas ante 1.500 desconocidos, que no dudaron en hacer horas de cola durante días para poder sentarse a intercambiar intensos silencios durante un par de minutos

'performance' Lights: on/off, de Jared Bark. Una de las referencias de la exposición que el Whitney dedica a la disciplina. / babette mangolte

 RoseLee Goldberg, otra de las auténticas responsables de lo que está sucediendo. En 2004, esta historiadora del arte fundó Performa, la primera gran bienal especializada en la performance.
Los museos  han empezado a incluir este movimiento en sus contenidos. En Londres, la Tate Modern inauguró el año pasado The Tanks, un espacio subterráneo dedicado a la performance.

De hecho, los ejemplos acontecidos en 2013 abundan. La actriz Tilda Swinton durmió varias horas dentro de una vitrina del MoMA y su compañera Milla Jovovich se encerró en un cubo de cristal durante la inauguración de la Bienal de Venecia. En el pasado Festival de Avinñón, la artista Sophie Calle alquiló una habitación de hotel y permitió que los visitantes observaran su intimidad. Al mismo tiempo, la Universidad de Harvard ofrecía su primer curso sobre historia de la performance, que contó con profesores invitados como James Franco y Cat Power. A principios de este mes, Kanye West y la artista Vanessa Beecroft montaban otro show en la feria Art Basel Miami. El teórico Donatien Grau lo llama "la era de la performance pop", utilizando a Lady Gaga como mejor ejemplo. La cantante no ha dudado en plagiar a abanderadas del movimiento, como la francesa Orlan -quien ha anunciado que la denunciará por copiarle su improbable look- y la canadiense Jana Sterbak, que vistió en público en traje de carne cruda dos décadas antes de que lo hiciera ella.


'Performance' 'The Flock' (El rebaño), del artista Santiago Sierra
"Soy un artista serio”. Con estas palabras sellaba Santiago Sierra su carta a la entonces ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, en la que renunciaba al Premio Nacional de Artes Plásticas 2010.
Sus performances muestran su preocupación por los “sujetos deshumanizados y explotados por las clases de control”. Es un testimonio de nuestro tiempo, de lo que en él hay de cinismo, antihumanidad y perversión.

La artista de 'performance' y fotógrafa Julie Djikey en las calles de Kinshasha, Rep. D. del Congo, PASCAL MAITRE 


PARA SABER MÁS, VER:



- INSTALACIONES

"El nombre de Martin Creed se vio propulsado en el mundo del arte contemporáneo gracias a la obtención del Turner por una de las obras más controvertidas en la historia de ese premio: una habitación vacía con el único aderezo de unas bombillas que se encendían y apagaban intermitentemente. Un sector de la crítica renegó directamente de la instalación, pero trece años después el Trabajo no. 127 (subtítulo: Las luces que se encienden y se apagan) integra los fondos del museo Tate Modern"

Instituto Cultural Google en París.

CARMEN CALVO Silencio (1995).


Eduardo Abaroa. Proyecto La destrucción total. Instalación en la Bienal de Cartagena


Plastic Tree' (Árbol de plástico), de Pascale Marthine Tayou
46ª edición de la feria Art Basel.  GEORGIOS KEFALAS  (AP)

- STREET ART

El arte urbano (street art) va un paso más allá dotando al soporte en el que se realiza de un mensaje, una expresión, una interacción entre los elementos urbanos y sus creaciones. Cada vez más aceptado, es una forma de acercar el arte a todo el mundo

Mucho más aceptado que el graffiti convencional, el Street Art nos acerca a diversas disciplinas plásticas y ha pasado a convertirse en todo un fenómeno, logrando atraer la atención hacia el arte de todo tipo de personas.

en muchas ciudades se realizan recorridos guiados a través de sus obras más destacadas, promocionando una forma de turismo en crecimiento

Aquí nos quitamos los estereotipos y nos fijamos, por ejemplo, en el pintor vasco Ibarrola, que pintó un bosque haciendo que, según la perspectiva que tomemos, veamos líneas de colores o figuras (anamorfosis), o sus famosos Cubos de la Memoria en el puerto de Llanes, bloques de hormigón pintados con numerosos colores y patrones. Y ¿Quién no recuerda por ejemplo laCow Parade? Esa exposición de vacas de fibra de vidrio que artistas internacionales pintaban y recorrieron el mundo y se convirtieron en una foto más de nuestras vacaciones.


esculturas en bronce que recrean oficios pasados o escenas de la vida cotidiana, y que los transeúntes aprovechan para fotografiarse interactuando con ellas, imitando sus poses

  Street Art, ese arte callejero que desde los 80 empezó a proliferar en la escena artística de las grandes ciudades postindustriales, en especial en Nueva York y Londres. La gente entonces se jugaba literalmente la vida –o al menos una multa o la cárcel- por dejar su impronta en un edificio o un vagón de metro casi en marcha. Era una escena artística que buscaba el límite, las mezclas


  Entonces actos políticos y de guerrilla urbana. Eran otros tiempos que recordaban a la actual escena de Sao Paulo, una ciudad llena de pintadas en lo alto y exterior de sus edificios para que puedan verse desde las autopistas que ayudan a sobrellevar los trayectos en la ciudad  brasileña plagada de atascos imposibles e inundada de una luz prodigiosa.
 Sin embargo y pese a sus inicios de crítica social, el arte callejero fue comercializándose hasta que se convirtió en el fenómeno que parece ser hoy

Fue en esos mismos 80 cuando el Street Art, último recurso del arte político, fue dejando de ser político y pasó a ser parte de la distracción de las clases medias con ansias de subversión ordenada. Ocurrió con Jean Michel Basquiat –SAMO, SAME Old Shit (la mierda de siempre)- y Keith Haring, quienes muy pronto pasaron a ser los niños mimados de la escena del downtown –y al rato del uptown a través de Warhol- y hasta con Jenny Holzer que, antes de tomar la espiral del Guggenheim –todo lujo- intervino las calles.

grafitti miami ÁNGEL VALENTÍN.
PARA SABER MÁS, VER:
colectivo Boa Mistura

- FOTOGRAFÍA

¿Que veis? Sophie Calle de 2013
Fotografía conceptual

Actualmente la fotografía está considerada como un arte más, esto es, la cámara fotográfica al igual que el pincel y el lienzo se ha convertido en una herramienta imprescindible

CARMEN CALVO, La poesía está en otro sitio (2008)

Para reconstruir esas nuevas realidades, Calvo utiliza como materia prima objetos del pasado que ha ido acumulando a lo largo de los años. Muchas son fotografías antiguas encontradas en la basura o compradas en los rastrillos, recuerdos de un pasado que ya no interesa a nadie y del que alguien, voluntariamente, se ha desprendido. Además de fotografías, acumula muñecos,muebles, cintas, sogas, pizarras, cristales, piedras; cosas que en sus manos adquirirán una vida con un significado muy diferente al que tenían.

Sobre fondos negros, blancos, o dorados, los protagonistas evocan una historia que tiene siempre que ver con la vida real. “Con la parte más dura de la vida”

FOTOLIA 
.

PARA SABER MÁS, VER:


COLLAGE

Consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videpclip


El collage - una técnica artística basada en el ensambalje de lenguajes gráficos de distintas naturalezas - fue aceptado históricamente como lenguaje artístico gracias al uso profuso que de él hicieron los pintores cubistas, como Braque o Picasso

Abierto a toda clase de subjetividades y estrechamente vinculado a "lo cotidiano", o a lo mejor precisamente por ésto - el collage ha superado la transición de siglo, consolidándose como "forma de expresión contemporánea". Y de esto son testigo una serie de artistas emergentes que, ya completamente adentrados en el siglo de lo digital, reivindican el componente táctil y la capacidad expresiva que de su material se desprende.


'Lost moments' (2012). Negativos de películas, radiografías y óleo sobre lienzo acrílico.

Gentry cruza la frontera digital en los dos sentidos. En el proceso creativo se beneficia de la información en red, aunque al final quiera abrir una reflexión sobre la obsolescencia de los objetos tangibles. El londinense defiende que tiene una manera de trabajar muy social. El proceso empieza cuando la gente le envía a su estudio toda una gama de artefactos que él luego junta para fabricar sus lienzos.

 
Collage Art by Derek Gores                          COLLAGE Eli Craven,  Screenlovers

A partir de imágenes fijas casi icónicas, que remiten a los fotogramas cinematográficos, la mayoría de trabajos de Craven analizan los procesos de interacción y socialización del hombre.


Today I saw a picture my cousin, clever little cookie, had generated of letters randomly placed and tightly grouped, but not overlapping, to form an image which produced a pleasing result - curious to how he did, I thought I'd have a go. jarrodoberto

No hay comentarios:

Publicar un comentario