REV. BURGUESAS | LIBERALISMO | NACIONALISMO
Una de las consecuencias de las Guerras Napoléonicas fue el nacimiento de los nacionalismos. En su forma moderada dieron lugar a movimientos que permitirían la formación de diversas naciones europeas como Italia, Alemania o Polonia.
UNIFICACIÓN ITALIANA
El gatopardo
Año de producción: 1963 País: Francia, Italia Dirección: Luchino Visconti Duración: 205 min.
Los que defienden a capa y espada aquello de que siempre la película es peor que el libro deberán revisar esta adaptación por parte de Luchino Visconti de la inmortal novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa. Y es que Visconti sabía tanto como Lampedusa del tema central, la decadencia de la aristocracia, al pertenecer el cineasta a una familia noble, igual que el protagonista de la obra: un siciliano del XIX que ve cómo sus privilegios se acaban. Se trata del príncipe siciliano Fabrizio di Salina, que en 1860 trata de apegarse a su viejo mundo en declive, mientras Garibaldi llega con su ejército a la isla, para unificar Italia, y acabar con el viejo régimen feudal. Salina permite que su sobrino Tancredi se aliste en el ejército y contraiga matrimonio con Angelica, hija de un nuevo rico que representa la burguesía en ascenso. "Algo debe cambiar para que todo siga igual", viene a decir la obra de Lampedusa, que muestra el nacimiento de un nuevo mundo en el que la burguesía sustituye a los nobles, ofreciéndoles dinero, mientras que estos se dejan comprar.
Resulta deslumbrante el modo en que Visconti despliega su narración, sin prisa ninguna. Y de ese modo logra dibujar con minuciosidad a sus personajes, de modo especial al príncipe de Salina, una espléndida composición de Burt Lancaster, quizá la mejor de su carrera. Sus conversaciones con el padre Pirrone rebosan cinismo, por un comportamiento hipócrita del que es consciente; con don Ciccio cuestiona la democracia, por un plebiscito en que el único voto negativo ha sido manipulado; con los jóvenes prometidos medita acerca de la fugacidad de la vida, y lo efímero de la belleza; con Chevally, que le hace la propuesta de ser senador de la república, honor que rechaza por considerar que en la política sólo caben los que están ahí para medrar.
La mirada del cineasta es melancólica. Los pocos pasajes que protagonizan los personajes (notablemente el recorrido de la casa vacía de Tancredi y Angelica, unos radiantes Alain Delon y Claudia Cardinale) acentúan la pena por la juventud que se va. Porque Fabrizio es bien consciente de que su mundo tiene los días contados. Con esta obra maestra, Visconti abandona definitivamente el neorrealismo de sus orígenes. El cineasta se inscribe en una tendencia del cine italiano conocida como "caligrafista", que consiste en la minuciosa reconstrucción de una época, mediante un ritmo pausado. Destaca la modélica utilización del color del director de fotografía, Giuseppe Rotunno, que se inspira en las obras de los pintores Delacroix y Hogarth. El escenógrafo Mario Garbuglia dota a los escenarios de tantos detalles que todo parece digno de un museo, mientras que los esmerados trajes de Piero Tosi parecen de verdad. Además, Visconti aprovecha para lucirse como cineasta épico con la vistosa secuencia de la batalla de Palermo. Entre todas las secuencias, se lleva la palma el inolvidable baile, que ocupa un tercio del metraje, en el que el príncipe Salina legitima en la sociedad a la famlia de Angelica, al tiempo que él mismo decide permanecer en un segundo plano a partir de ese momento. El film ganaría la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
Se trata asímismo de un título clave en la filmografía de Burt Lancaster, estrella del cine de acción y aventuras, que se consagraba definitivamente como actor dramático de peso, tras otros logrados papeles en Vencedores o vencidos y El hombre de Alcatraz. Tras hacerse por fin con el reconocimiento de la crítica, el actor iniciaba una segunda e interesantísima etapa en su carrera, en la que volvería a colaborar de nuevo con Visconti en Confidencias. Le acompañan dos de las grandes estrellas del cine europeo de la época, que ya habían trabajado con Visconti en Rocco y sus hermanos, Delon y Cardinale.
«El gatopardo» fue una de las películas míticas de los años sesenta (se estrenó en 1963 y consiguió la Palma de Oro en Cannes de esa edición), un filme de una intensa belleza decadente y crepuscular que además contó con un excepcional reparto. Porque a las órdenes de Luchino Visconti, el director encargado de llevar al cine la versión de la torrencial novela homónima de Lampedusa, se pusieron un impresionante Burt Lancaster, escoltado por una bellísima Claudia Cardinale y un Alain Delon para comérselo.
«El Gatopardo» yiene de telón de fondo de su acción, además del derrumbe de la aristrocracia tradicional y al ascenso de la burguesía, es la guerra de unificación y, en concreto, el desembarco de los camisas rojas de Garibaldi en Sicilia, donde vive el Príncipe de Salina (Lancaster), quien intenta defender a su familia y a su clase en ese torbellino revolucionario. Mientras, su sobrino Tancredi (Delon) se enamorará de Angelica (Cardinale), hija de un símbolo de la nuevas clases emerergentes, un alcalde nuevo rico y sin abolengo.
Extraordinarios añadidos
La película, con momentos de gran belleza y toda una superproducción para lo habitual en el cine europeo de la época contó con extraordinarios añadidos además de la dirección y la interpretación. El diseño de vestuario fue obra de Piero Tosi («Muerte en Venecia», también de Visconti); la fotografía corrió a cargo de Giuseppe Rotunno («Amarcord», de Fellini); el lujoso diseño de vestuario estuvo en manos de Mario Garbuglia («Waterloo»), y el montaje estuvo dirigido por Mario Serandrei, que también participó en «Rocco y sus hermanos», otra de las obras maestras de Visconti, también interpretado por Alain Delon. El do de pecho final lo puso la banda sonora del inigualable
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EEUU
Guerra de Secesión americana
Aunque hay un número notable de filmes ambientados en la época de la Guerra Civil norteamericana (1861-1865) o que hacen referencia a la misma pero que, en realidad, se ubican de lleno dentro del western, pocos son los que tratan de contar el conflicto en alguno de sus aspectos esenciales. La polémica provocada por la obra magna de Griffith (El nacimiento de una nación), basada en The Clansman, apología del Ku-Klux-Klan escrita por Thomas Dixon, parece que ha disuadido a los productores, hasta el punto de que en las obras más representativas (Lo que el viento se llevó y las diversas versiones de La cabaña del tío Tom para el cine o la televisión) el conflicto en sí mismo queda en segundo plano y de que un filme de un cineasta consagrado como King Vidor (Paz en la guerra) se ha convertido en un título maldito.
Al margen de las numerosas películas que hacen referencia al contexto de la guerra o a algunos personajes, como los filmes sobre Abraham Lincoln, hay que destacar aquellas que recrean o fabulan algún episodio directamente relacionado con el acontecimiento, como La cabalgada de los malditos, el fragmento de La conquista del Oeste dirigido por John Ford, la participación de los afroamericanos recreada en Tiempos de gloria, The Red Badge of Courag, Camino de Santa Fe, Oro, amor y sangre o Misión de audaces. El caso de El maquinista de la General, obra maestra de Buster Keaton, merece mención aparte, a pesar de que la guerra de Secesión sea un mero marco.
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Gettysburg
1993,248 MIN., EEUU
Sinopsis
El 1 de julio de 1863, más de 150.000 soldados americanos esperaban el momento clave de su destino final, previo a la batalla más importante de la Guerra Civil Nortemericana, que tendrá lugar en Gettysburg. Basada en la novela ganadora del premio Pulitzer “The Killer Angels”.
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Lincoln
Lincoln, reconstruye los últimos cuatro meses del icónico presidente estadounidense, un momento en el que el político trataba desesperadamente de lograr los votos necesarios en el Congreso para aprobar la abolición de la esclavitud en EE UU, antes de que terminase la Guerra de Secesión.
Retrato de la personalidad de Lincoln, la relación con su problemática esposa (aunque ella nos explique convincentemente lo complicado que es vivir con un mito para un ser que aspira a la normalidad) y con sus hijos, la armonía con la que se compaginan en su carácter y en su conducta el idealismo, la astucia y el pragmatismo, su profundo conocimiento de la naturaleza humana y sus dotes para convencer al confuso y seducir al rival, sus contradicciones, su determinación, su altura moral. El lenguaje visual que utiliza aquí Spielberg también es nuevo. Su cámara elige el intimismo y desecha la exuberancia, incluso en las secuencias bélicas. Dedica todo su mimo a los actores y actrices y estos le corresponden, sean protagonistas o secundarios.
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Los misteriosos asesinatos de Limehouse':
un cuento de terror victoriano a la española
Juan Carlos Medina dirige esta atmosférica historia detectivesca en torno a unos horribles asesinatos en el Londres del siglo XIX
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