517 ARTE S. XX. ARTE ESPAÑA

ARTE S. XX. ARTE ESPAÑA

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Porqué el proceso entre Pilatos y Jesús duró sólo dos minutos?” (1997). Wolf Vostell.  Museo Vostell Malpartida, Gobierno de Extremadura.

Situada al aire libre en el complejo museístico, y que sintetiza la idea de que el arte contemporáneo es juzgado, normalmente, por la sociedad en dos minutos


El Modernismo.

De Sorolla a Picasso' habla de una generación tambaleante que intentó unir en su obra la tradición y la modernidad. Este nutrido grupo de pintores conjugó la atmósfera de la agitada España del XIX y la  de un París que descubrieron mucho antes de que lo hiciera Picasso. Esa unión entre el pasado y el futuro fue utilizada como base para establecer su propio "españolismo", ese nuevo patriotismo reivindicativo del que tanto habló Miguel de Unamuno.

Todos estos pintores tuvieron contacto entre sí. Zuloaga compartió estudió con Santiago Rusiñol, quien también trabó amistad con Ramón Casas, Darío de Regoyos, Miguel Utrillo y, más tarde, Picasso. Aunque cada uno desarrolló su propio estilo y técnica (no es posible encontrar un hilo unificador), todos buscaron caminos que "devolvieran a España lo que podría haber sido y no fue", en palabras de Hauptman.
  • En la España de fines del siglo XIX se hizo muy popular Barcelona. En sus cenáculos se reunían los artistas inquietos, que darían un giro radical a la pintura oficial de de las Exposiciones Nacionales que dominaban en la España decimonónica. En 1897 se inaugura el café Els Quatre Gats formado por cuatro grandes figuras: Picasso, Casas, Rusiñol y Utrillo.

         Ramón Casas es quien mejor representa el sentimientodel Impresionismo francés. Su paleta limpia y jugosa, transmite la luminosidad y lo fugaz de cada momento. Su pintura alcanza un gran sentimiento poético difícilmente comparable con sus coetáneos, más preocupados por el formalismo y la expresividad.

         Santiago Rusiñol es la figura más compleja de los artistas catalanes. Sus obras son de gran riqueza de color y luminosidad. Es la suya una pintura que parece remitir a cierto simbolismo. Los jardines de Andalucía, Castilla y Cataluña llenan de poesía sus composiciones y le otorgan la gama de que goza hoy.

  • Isidro Nonell (1873-1911)

  • En Madrid, en el periodo de entreguerras se produce una renovación en el panorama artístico. Ahora la actividad se translada de Barcelona a Madrid. Son de destacar los pintores que engendran la llamada Tercera Escuela de Madrid:

    Daniel Vázquez Díaz 

    Vázquez Díaz encontró en el Cubismo su medio de expresión. Él no es un cubista intelectual, sino que usa las formas externas, para rehacer su personal lenguaje de formas talladas en amplios y recios planos. Su paleta sobria y gris confiere gran solemnidad a sus composiciones. Elabora el Cubismo y lo adecúa a sus propias necesidades.

    Daniel Vázquez Díaz (Huelva, 1882-Madrid, 1969) es una de las figuras clave de la figuración artística de la primera mitad del siglo XX en España. Nacido en el seno de una familia acomodada de la población onubense de Nerva, estudió en Sevilla, y después de finalizar la carrera de Comercio, en 1903 se traslada a Madrid con el propósito de dedicarse a la pintura.

    En la capital entabla amistad con los hermanos Baroja, Ricardo y Pío, y Juan Ramón Giménez, y pasa mucho tiempo en el Prado tomando apuntes y copiando los cuadros de la pinacoteca madrileña. Ya en 1904 recibe la Mención de Honor por un retrato de la actriz Gloria Laguna en la Exposición Nacional de Bellas Artes.

    Tras una estancia en el País Vasco, se dirige a París en 1906, donde permanece hasta 1918. En esta ciudad entra en contacto con el cubismo y con los artistas que en ese momento estaban revolucionando la pintura en Europa. Gracias a Paco Durrio, conoce a Picasso, y junto al malagueño expone en 1908 en la galería Rue Trouché. Ese mismo año repite muestra con Picasso y Juan Gris en Sevilla. Influenciado por las vanguardias internacionales, Vázquez Díaz empieza a elaborar en estos años un lenguaje propio, muy personal, en el que combina las influencias del cubismo con una relectura de la pintura clásica española, sobre todo Velázquez, que será la verdadera seña de identidad de su estilo y su obra.

    Vázquez Díaz dedicó gran parte de su vida a la docencia, tanto como catedrático de pintura mural en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando como en su propio estudio, que se convirtió en un espacio de referencia de donde surgieron algunas de las propuestas creativas más importantes para la renovación de la pintura española del siglo XX, con discípulos tan destacados como José Caballero, Cristino Vera, Manuel Mampaso o Rafael Canogar.

  • Bañistas / Desnudos en la piscina (hacia 1930-1935), que forma parte de las Colecciones de la Fundación MAPFRE. Aunque no fue una las temáticas pictóricas más identificativas en la obra de Daniel Vázquez Díaz, que se relacionan más bien con el retrato y el paisaje, hubo un momento en su trayectoria, en los años treinta, que se interesó también por el desnudo femenino.
    Autorretrato, h 1960
    • José Gutierrez Solana
           Este artista representa de modo magistral el desgarro y la tragedia del mundo. Pinta como nadie el morbo por lo desagradable y el horror. Precedentes pudieron ser Valdés Leal o Goya. Se interesa por las máscaras, los grupos de desheredados, corridas de toros sangrientas o retratos individuales o colectivos de gran fuerza expresiva.

    • Benjamín PalenciaFrancisco Gutiérrez CossíoZuloagaZabaleta y Ortega Muñoz son nombres que hay que añadir a la escuela. La característica común a todos es su gran realismo, el profundo expresionismo y la sobriedad cromática.

  • Hermenegildo Anglada Camarasa

         Debe considerarse a parte de la escuela porque las características de sus obras son otras. Es la suya una obra llena de coloridos, casi fauve, de espléndidos ritmos y belleza cautivadora de un exotismo casi onírico.

  Julio Romero de Torres

POEMA DE CÓRDOBA. JULIO ROMERRO DE TORRES
PARA SABER MÁS, VER.
-¿QUIÉN ES JULIO ROMERO DE TORRES? ITINERARIO
 Joaquín Torres-García (Montevideo, 1874–1949).

a los 17 años se instaló en Barcelona, donde se formó y relacionó con los neocentistas.

“Está con Mondrian y abogando por la abstracción y, al mismo tiempo, en el mismo instante, está viendo máscaras primitivas, pintando escenas arcaicas con una factura rústica”.Torres-García pasaba de la madera al collage o al óleo, de la figuración primitiva a su estilo distintivo, el universalismo constructivo.

trabajando en todos sus intereses al mismo tiempo. Y puede parecer anacrónico o precursor.

- los frescos del Saló de Sant Jordi en elpalau de la Generalitat
- breve periodo en Nueva York, donde consolidó el vibracionismo que había iniciado en Barcelona.
-se instala en París, donde entra en contacto con las vanguardias, sin pertenecer por completo a ninguna.es cuando produce repertorios más impactantes de pintura abstracta constructiva en donde no hay signos y símbolos, pero con esas figuras tubulares
-En 1939, hace una galería de retratos de figuras y antifuguras: Stalin, Hitler, Churchill…”
- en 1943, ya en Uruguay, crea su América invertida, sobre la idea de que “nuestro norte es el sur”. “Junto al retrato del Che son los dos emblemas de la americanidad”,
Cuadro 'Barcelona 1917'
Barcelona 1917, de Torres García.


Entoldado (La Feria), fechado en 1917, de Torres-García


 Constructif locomotive nord (1929).
Constructif avec quatre (1932).





Nonell es un auténtico post-impresionista de la generación siguiente a Casas. Parece haber asumido la lección impresionista y trata de acentuar el valor expresivo de los grandes maestros franceses. Su pincelada suelta, desunida y vigorosa alcanza matices desgarrados, hondamente emotivos al tratar su mundo: el alma gitana.



PARA SABER MÁS, VER: 509 Isidre Nonell




Mir




Mir, tras integrarse en 1893 en la Colla del Safrà, junto a Isidre Nonell, Ramon Pichot, Juli Vallmitjana y Ricard Canals, acabó convertido en uno de los más importante y reconocidos artistas de su época.




Su evolución artística estuvo ligada a su trayectoria vital y a los lugares donde vivió. Desde Barcelona, a Mallorca, pasando por el Camp de Tarragona, el Vallès y Vilanova i la Geltrú. Entre el realismo y la abstracción, su obra está marcada por dos constantes: el establecimiento de una nueva visión de la naturaleza y la búsqueda de la belleza.







fragmento de la decoración de la casa Trinxet, de Mir (1903)



ITURRINO
Mujeres con mantón», de Francisco Iturrino



SOROLLA


Trazos vivos en 'María con vestido de campesina valenciana', de Sorolla (1906).





'La pescadora con sus hijos', de Sorolla (1908)



'Niños en la playa', de Sorolla (1916).

RUSIÑOL



'Retrato de Modesto Sánchez Ortiz', de Santiago Rusiñol (1897)


ZULOAGA

Hombre de cultura francesa y española, un pintor que cambió de registros, que viajó y que fue amigo de la crème artística e intelectual del París de finales del siglo XIX y principios del XX (Rodin, Rilke, Émile Bernard…), ciudad en la que vivió de forma intermitente durante 25 años, hasta el estallido de la I Guerra Mundial. Ni el anclaje definitivo en la espesura casticista que muchos sospecharon y siguen sospechando ni,
pintar enanos, alcahuetas, mendigos, campesinos ancestrales y majas con mantilla, perpetuando así la imagen de una España estancada con relación a Europa y –sobre todo- haberse decantado por un marcado tradicionalismo en lo personal y por un sincero apoyo al franquismo en lo político, le haya pasado y le siga pasando factura al personaje.acercamientos del pintor al simbolismo francés –sus retratos de París- que a esa España de curas y toreros, de enanas y alcaldes rurales, de galgos huesudos y de campos de Segovia y Ávila: El alcalde Torquemada, Preparativos para la corrida, Mujeres en Sepúlveda, El enano Gregorio el botero… y sobre todo ese retrato del diputado de la III República Francesa Maurice Barrès frente a Toledo:




Víspera de la corrida» (1898), de Zuloaga- MUSEOS REALES DE BELLAS ARTES DE BÉLGICA-
 
Celestina» (1906), de Zuloaga- MUSEO REINA SOFÍA



 Preparations for the Bullfight, 1903, de Ignacio Zuloaga (1870–1945).







'El palacio de los reyes de Aragón en Tarazona', de Ignacio Zuloaga (1926)


PICASSO


Sin duda Picasso es una de las figuras que más aportaron al panorama del nuevo ámbito artístico no sólo español sino también mundial.





'El Cancán francés', de Picasso (1900)


JUAN GRIS


Gran amigo de Picasso, entiende la pintura como proceso cerebral, por lo que coincide con el ideario del Cubismo del que es uno de lo exponentes más racionales. Las formas las recompone de un modo simplificado y las inserta en sus composiciones geométricas. Él mismo dice: Cézanne convertía una botella en un cilindro. Yo, de un cilindro hago una botella, cierta botella. Se ha dicho que por su habilidad casi científica para traducir los frutos de su imaginación en un inteligente lenguaje plástico, otorgó a la revolución cubista las virtudes del clasicismo.



Juan Gris .Nature morte à la nappe à correauxse vendió Christie’s por 34,8 millones de libras (41,4 millones de euros),


DALÍ

Dalí es el niño que, según él, nunca logró suficiente amor por parte de un padre notario obsesionado con el hermano muerto que le precedió y que se llamaba como él. También es el joven inadaptado, con pinta de mohicano, a quien sus amigos de la Residencia de Estudiantes –Lorca, Buñuel, Pepín Bello– apodaron el pintor polaco y junto a quienes se iba de farra, pagaba 25 pesetas por un cóctel en el Palace que costaba 3 y le indicaba al camarero: “Quédese con el cambio”. Pero además es quien en cierto modo les traiciona, quien se planta en París azuzando la vanguardia y se bate en duelo –intelectual, pero a metafórica hostia limpia– con André Breton para arrebatarle el liderazgo del grupo surrealista; quien dice y se desdice ideológicamente según su propia conveniencia política; quien se enamora con pasión mística –nada de sexo– de Gala y se aferra a ella como a una madre recaudadora mientras no disimula pulsiones homosexuales y se jacta de que alguien como Lorca intentó penetrarle; quien inventa las performances, crea y destruye escaparates en la Quinta Avenida cuando quiere que se sepa que ha llegado a Nueva York para conquistar la ciudad; quien no reniega del término Avida Dollars, aprendido a sangre y fuego en quienes después llevan su legado y convierten su museo de Figueres en un centro de arte ¡rentable!

Todo él polémico, discutible, juguetón y autodestructivo. Éxito rotundo y fracaso fluctuable, según le dé a quienes se apoderen del juicio sobre su figura para la posteridad. Quiso ser genial y construyó con sus actitudes superdotadas una idea propia de genialidad. Para ella utilizó todas sus armas


Teléfono afrodisíaco', de Salvador Dalí.


 Dalí, 'El gran masturbador' (1929), propiedad del museo Reina Sofía.
 Mientras otros artistas prefirieron trasladarse a Nueva York, Dalí buscó la popularidad y los ingresos económicos en Hollywood. Del inicio de esa etapa es 'La tentación de san Antonio' (1946), óleo con un estilo más teatral, perteneciente al Musées royaux des Beaux-Arts de Bruselas.



Soft construction with boiled beans' (1936) obra que Dalí rebautizó después, con un cierto oportunismo, como 'Premonición de la Guerra Civil'). Este óleo de 99,9 x 100 centímetros pertenece al museo de Arte de Filadelfia.


Elephant du Triomphe', de Salvador Dalí.1975, Los elefantes fueron utilizados por Dalí (1903-1989) como símbolo del futuro . El ángel de la guarda recubierto de oro ubicado en la parte superior de la escultura anuncia el amanecer de una nueva era y la trompeta que toca representa el anuncio de buenas noticias


PARA SABER MÁS. VER:



  • Joan Miró
         Miró encontró su camino por la línea imaginativa, sobrerrealista y fuertemente lírica. En 1924 contactó con Bretón y el Surrealismo, lo que terminó por reafirmar su cauce de acción irreal, infantilmente onírico. En evolución tiende a lo sintético, reduce a la mínima expresión. Los símbolos que se dan en su obra, parecen proceder de antiquísimas civilizaciones, la simpleza y justeza de color transmiten una inefable y mágica alegría que nos cautiva sin exigirnos especulaciones intelectuales.

         Su obra se resiste a clasificaciones: es una pintura frescairreal, y por encima de todo inocente. Produce la fascinación de haber encontrado el reposo, la alegría, el sueño hecho pájaro, luna o niño.

Ángeles Santos,

 pintora cuyas obras más emblemáticas —Un Mundo Tertulia— presiden con grandeza la sala del Museo Reina Sofía dedicada a los realismos de los años veinte y treinta, murió el 2 OCTUBRE 2013 en casa de su hijo, el también pintor Julián Grau Santos

Un Mundo, Ángeles Santos,Técnica: Oleo sobre lienzo, Año: 1929, Museo: Museo Nacional de Arte Reina Sofía


Mundo guía: La autora pintó este cuadro con tan sólo 17 años. De tremendas dimensiones 2,90 m y 3,10; esta obra, como el sueño de una muchacha, consagró a su autora y la convirtió en la primera pintora surrealista de España.

A los 17 años se consagró como pintora precoz en un Valladolid efervescente y moderno, donde vivía entonces con su familia. La ciudad del Pisuerga estaba imbuida de Generación del 27, con Jorge Guillén, los hermanos Cossío o un joven Francisco Pino que se enamoró de ella; todo parecía serle favorable. Al cabo de poco, Angelita Santos arrasó en el Madrid del Café de Pombo, la Residencia de Estudiantes y el Lyceum Club. El Salón de Otoño se rindió a sus pies por dos años consecutivos, en 1929, cuando presentó Un Mundo, y al año siguiente, cuando tuvo una sala especial, a la altura de los consagrados como Gutiérrez Solana. Pero su afán desenfrenado por pintar y sus ansias de libertad se truncaron de golpe y su rebeldía absoluta y tenaz le pasó factura en un entorno poco preparado para tales andanzas. Fue recluida y apartada de su mundo y, en parte, también del de los demás. Entonces Ángeles Santos, en pleno éxito y auge creativo, dejó de pintar y  tardaría años en volver a hacerlo.

Rafael Zabaleta 

nació en Quesada, Jaén, y en 1924 inició sus estudios artísticos en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. En 1934 viajó a París y conoció las obras de los principales pintores de vanguardia. Realizó su primera exposición en la galería Biosca de Madrid en 1942, por la que recibió una crítica favorable de Eugenio D’Ors, que llegó a calificarlo como el pintor más importante de su época.
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de Rafael Zabaleta (1907-1960)
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Un extraño surrealismo ‘provinciano’ puebla sus primeras obras, que va depurando a medida que crece el interés por representar su pueblo natal, Quesada, con fuerte cromatismo y aire geometrizante que le acercan al fauvismo y también al aire ingenuo del arte naïf. Sus obras de madurez poseen un lirismo rústico y profundo que permite hablar de una pintura humanista, dotada de un optimismo multicolor, con mujeres de formas rotundas y carnales y un color jubiloso que refleja el gozo con el que están pintadas. En el realismo expresionista de su obra se unen la visión formal del cubismo, la violencia cromática del fauvismo y la deformación del expresionismo. 


Bodegón de Zabaleta tiene un indudable valor artístico. De estilo próximo al cubismo, la obra está pintada en la última etapa de Rafael Zabaleta (Quesada, Jaén, 1907-1960), uno de los genios del expresionismo andaluz en el pasado siglo.
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POSTMODERNO EN ESPAÑA


INFORMALISMO EN ESPAÑA

A. Saura
El grito nº 7 (1959)

A. Tápies
El espíritu catalán

M. Miralles
Cuadro 173 (1962)

J. Oteiza
Caja metafísica (1958)

E. Chillida
El peine de los vientos (1977)

M. Barceló
Le Louvre, grande galerie (1985)
Femme portant une théière (1988)
Taula amb pop i calamar (1991)
Capilla de Sant Pere, catedral, Palma de Mallorca (2007)
J. Mª Sicilia
La luz que se apaga II (2003)
J. M. Broto
Intervalo VI (2003)
J. Gay
El viaje y la quietud (1999)
V. Mira
Homenaje a Bach
G. Pérez Villalta
Batalla (2004)


La Guerra Civil Española y la incomunicación subsiguiente, producen un breve estancamiento en el progreso de los medios expresivos.
 En Madrid, Benjamín Palencia funda la Escuela de Vallecas, donde se integran los nuevos pintores que revolucionarán el criterio realista estético español mantenido desde Altamira.

      El Paso decisivo se dio en Barcelona, cuando por iniciativa de Tharrats, se funda el grupo Dau Set en 1945. La fecha de 1948 puede darse como el inicio de la no figuración. Antoni Tàpies es uno de los que más resalta.

     Antoni Tàpies es el que más ha influido en el devenir de la plástica española de la segunda mitad del siglo XX.
Se interesa por la expresividad genuina de la materia a la que concede un papel preponderante en su obra y la comunicación de la misma. En su obra priman los ricos empastes de materiales diversos como polvo de mármol, óleos, colas... y texturas diversas de tejidos, cuerdas y cartón que producen inquietantes contrastes con superficies pulidas. Su obra evoca una mágica transcendencia.

     En su producción puede acudir al arte pobre, que consiste en sobrevalorar materiales míseros efímeros no considerados dignos de ser incorporados al ámbito artístico. El resultado de esta incorporación de los más variados objetos puede hacer de las composiciones de Tàpies esculturas en vez de pinturas.

PARA SABER MÁS, VER:
676 Antoni Tàpies

  
'Gran ocra amb incisions' de Antoni Tàpies


El Paso

  En Madrid, en 1948 se funda el grupo catalán El Paso, integrado por CanogarFeitoMillares y Saura. El objetivo general es lograr el arte no imitativo.

     La pintura de Canogar es de gran dinamismo gestual, araña con sus propias manos, exprime la pasta pictórica y hace que vibre sobre los fondos planos. En su pintura el gesto proviene del corazón.

     Feito como buen abstracto elude lo formal para recrearse en aspectos matéricos extremadamente sutiles, casi como lacas. Incorpora trazos enormes que otorgan un noble gesto a sus composiciones.

     La obra de Antonio Saura puede entenderse a medio camino entre la abstracción y la figuración distorsionada. En su obra domina el contraste de sus enloquecidos trazos oscuros sobre los fondos claros.

     En Millares domina la exacerbación de lo textural. Agresivo, desgarrador, intenso amante de la materia y su valor expresivo. Arpilleras, escayolas, cuerdas, sacos, son elementos válidos para la expresión. Sus composiciones alcanzan gran relieve escultórico, como símbolo de su violencia emocional.

     Nuevos artistas se van incorporando al movimiento como Lucio MuñozAlejandro MieresCeferino Moreno y Lucio Muñoz. España se incorporó tarde a la abstracción, pero lo hace con una fuerza titánica, rabiosa. El objetivo era el del estallido de las formas y la preponderancia del gesto manual. El gozo por la materia permite experimentar con múltiples procedimientos, técnicas y materiales, hasta entonces considerados "no pictóricos".

 
  • MIGUEL BNARCELÓ


  • Creada por el artista Miquel Barceló, es la segunda sala decorada por un español en la sede ginebrina de la ONU
    la cúpula de Barceló fue concebida como una metáfora de las Naciones Unidas, una sala coronada por colores y formas en la que llegar al consenso. Un reflejo de las diferentes perspectivas para interpretar la misma realidad. Más de tres meses para darle forma y unos 35.000 kilos de pintura. Un viaje internacional sin salir del edificio ideado por Miquel Barceló, que lideró la semana pasada el top ten de artistas españoles vivos más cotizados

    Un nuevo realismo:

    Pasada la primera onda expansiva de la tendencia hacia la no-figuración, el arte se va decantando por formas más reposadas y pretende la vuelta a un nuevo figurativismo.

    Pop-Art


  •      Nuevos artistas van apareciendo para hacer nacer esta pintura realista de inspiración consumista. El Equipo Crónica de Valencia realiza un incisivo Pop-Art, criticando las estructuras sociales en la última época del franquismo. Este equipo se formó inicialmente por Rafael Solbes y Manuel Valdés. Tratan de narrar la realidad cotidiana desde una óptica pop. Su postura ante la realidad y los mitos actuales es muy crítica.      Rafael Solbes en este tema se plantea el reducir una de las obras tópicas de España al más puro y típico producto kistch. Para ello se permite licencias tales como colocar juguetes de plástico en el suelo o reproducciones de pinturas en las paredes, e incluso una televisión al fondo. En los personajes de la derecha se retrata a él mismo y a Valdés. Temas como este pueden interpretarse desde una óptica múltiple. Algunos lo han interpretado como la puesta en escena de una clase ensimismada con los objetos de consumo y absorbida por la televisión. Ésta, sería una interpretación que distaría mucho de lo que Velázquez quiso retratar. Otros con menos sentido crítico han dado en decir que Solbes se presenta como nuevo Velázquez, ambos grandes retratistas de la sociedad de su tiempo.


  • Otras tendencias contemporáneas:

         En estos años de la segunda mitad de siglo XX es habitual el que las tendencias se multipliquen, algunos nombres representativos, pueden ser: Celis, de reminiscencias abstractas y pop, Alcaín que usa recursos pop en una temática ingenua, Isabel Villar que quizá sea de las mejores representantes del arte naïf español, Orcajo, que vive obsesionado con la ciudad y sus industrias, hace una pintura angustiosa de tuberías y autopistas.

    El mágico encanto de Isabel Villar se transparenta en sus imágenes y sucesos casi oníricos que pueden recordar el Surrealismo. En su obra adopta un aire de inocencia típicamente naïf.

  • El Hiperrealismo

         En España el Hiperrealismo lo encarna menjor que ningún otro Antonio López. Él comenzó su obra en la década de los 50 cuando aún España se movía en los cauces de la abstracción.      La obra de Antonio López es solitaria y de alto realismo mágico. Su preocupación por la veracidad analítica hace que de su obra emerja la poesía. Una poesía de las cosas aparentemente descuidadas, pero captadas por su ojo y su corazón. Su trabajo, hecho del natural, transmite las vibraciones lumínicas y cromáticas hasta tal punto que nos cautiva con su magia.

         Su encanto no radica en la virtud imitativa manual, sino en la transcendencia que emana de sus imágenes. Antonio López es el pintor de la soledad de los objetos, de la eternidad del instante.

  • ANTONIO LÓPEZ
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