773 CINE Y ARTE


ARTE Y CINE

Se ha afirmado que los hermanos Lumière culminaron el proyecto de la pintura impresionista, aunque en blanco y negro, con las luces fugaces de sus paisajes en movimiento. Jean Renoir, hijo del pintor, no tardó en citar literalmente a su padre y a Édouard Manet en el retablo social de su Nana (1926). Y reincidiría al final de su carrera con su Almuerzo campestre (1959), ya en color.

Para entonces, Eisenstein había evocado el preciosismo de la pintura bizantina en una de sus obras maestras, la película Iván el Terrible (1943-1946), y Alexander Korda había copiado el retrato famoso de uno de los grandes genios de la pintura europea, Hans Holbein, en su obra La vida privada de Enrique VIII (1933), y había reconstruido en la pantalla la atmósfera plástica del protagonista de Rembrandt (1936).

Lo hicieron forzando la estética del blanco y negro, pero cuando llegó el cine en color las biografías de pintores sirvieron su arte en bandeja a los realizadores. Lo hizo, por ejemplo, John Huston al presentar a Henri de Toulouse-Lautrec en la película Moulin Rouge (1952), y lo hizo también Vincente Minnelli con Van Gogh en El loco del pelo rojo (1956), ambos forzando la matriz del Technicolor, y más recientemente con Francis Bacon en El amor es el demonio (1999), de John Maybury, o con el genial aragonés en Goya en Burdeos (1999) de Carlos Saura.
Pero no se limitó la cita estética a las biografías de pintores -como al Vermeer de La joven de la perla (2003) de Peter Webber-, sino que la inspiración de los maestros se expandió más allá de los géneros. Bernardo Bertolucci citó el cuadro Il quarto stato (1901), de Giuseppe Pellizza, en su película Novecento (1976), en sus fotogramas y en su publicidad comercial, mientras que Eric Rohmer se inspiró en David para La marquesa de O (1975), al tiempo que Akira Kurosawa lo hacía en Van Gogh para un episodio de sus Sueños (1990).
Existieron también las citas irreverentes -como La Santa Cena compuesta por Buñuel en Viridiana (1961)- y Mel Gibson trató de dignificar su innoble La pasión de Cristo (2004) citando a artistas como Grünewald y Caravaggio. Y citas más sutiles o indirectas, como el cromatismo abstracto de El desierto rojo de Antonioni, la referencia a Edward Hopper en Mulholland Drive (2001) de David Lynch o el fauvismo de Pierrot le fou (1965) de Godard demostraron la inevitable intertextualidad entre pintura y cine, que existe más allá de la voluntad consciente de los cineastas. Aunque en los últimos años la plástica estridente de los cómics ha comido terreno a la pintura.
No quedaría completo este breve recorrido por las inspiraciones artísticas de los cineastas -o viceversa- sin mencionar la obra de Luchino Visconti, pues películas como Muerte en Venecia, La caída de los dioses o El gatopardo resultan inexplicables sin acudir a su dimensión plástica. Y lo mismo puede decirse del cine expresionista alemán de los años veinte (Metrópolis, Fausto, El doctor Mabuse, El gabinete del doctor Caligari)... verdaderos hijos de la pintura de su tiempo

ELPAIS.COM, ROMÁN GUBERN 09/09/2011

 A lo largo del siglo XX el cine a sabido utilizar las claves del lenguaje pictórico, pero no como mero imitador, sino conformando su propio lenguaje; a su vez, también cabe destacar la notable influencia que el cine a ejercido en la plástica. Borau afirma que el cine a legado a la pintura: "el manejo artificial de la luz, el encuadre y la posibilidad de reflejar el movimiento". Este cineasta y académico señala que desde que el cine dispuso de una gramática visual propia y renunció a expresarse únicamente en planos fijos y generales, "aprendió a descomponer la acción en imágenes parciales". "La cámara fragmenta la supuesta realidad, la disecciona". Lo que le lleva a afirmar que "el cine ha contribuido a reencuadrar la pintura moderna". Uno de los artistas que mejor ha reflejado el peso del cine en la pintura ha sido, según Borau, Francis Bacon, admirador de Eisenstein y Buñuel, que ha utilizado en el lienzo el plano-contraplano típico del cine y ha intentado reflejar el movimiento.
 "La incorporación del tiempo ha sido uno de los logros fundamentales de los  pintores modernos... pintar la luz equivale a pintar el tiempo, al menos esa es la intención de los dos artistas (Antonio López y Víctor Erice)... parecen utilizar las luces y claroscuros que vemos en cuadros de Rembrandt, Velázquez, Vermeer o Goya, consiguiendo transmitir una atmósfera creada por las relaciones humanas.

PARA SABER MÁS:


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"Marina Abramovic: The Artist Is Present" (original title)
2012, 106 min


“La performer sentada en una silla, protagoniza la escena primordial del documental que remite a la exposición homónima que tuvo lugar en el MOMA en el 2010. El reclamo publicitario se transformó en uno de los principales atractivos para el público que fue a verla: unas 700.000 personas. ¿Tantos interesados por ver una performance? ¿O es que la fama atrae groupies que quieren ver al ídolo?

Marina Abramović  (Belgrado, Yugoslavia; 30 de noviembre de 1946), artista serbia del performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa durante más de tres decádas, recientemente se ha descrito a sí misma como la "Abuela del arte de la performance".


Marina Abramović.
El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente


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Camille Claudel 1915
Camille Claudel (Fère-en-Tardenois, 1864-Montdevergues, 1943), la escultora amante de Auguste Rodin que enloqueció por desamor, la alumna cuyo talento fue manipulado por su maestro, la bella abandonada y humillada, la mujer artista pateada por los poderes masculinos; en definitiva, una de las forjadoras modernas de ese arquetipo femenino orgulloso, romántico y cruel, de la hermosa perturbada. Isabelle Adjani sucumbió en 1989 al personaje y lo encarnó, junto a Gérard Depardieu, en la película de Bruno Nuytten Camille Claudel  

Dumont, minimalista y atroz, se detiene en un punto sin retorno, EN un filme casi gris y casi mudo: el primer año de encierro de la escultora en el manicomio de Montdevergues, cerca de Aviñón, de donde ya jamás saldría.
en el tramo final de la vida de la escultora, que malvivió en Montdevergues casi 30 años. Allí perdió su libertad, su belleza y su arte y allí murió, hace ahora 70 años, un otoño de 1943. Su cuerpo fue enterrado en una fosa común con otras locas sin cumplir su único sueño, descrito así por ella en una carta a su hermano Paul: “Estoy aburrida de esta esclavitud. Me gustaría estar en mi casa y cerrar bien la puerta. No sé si podré realizar este sueño, estar en mi casa”
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Renoir
Gilles Bourdos, 2013, 1h 52min, , Francia

Sinopsis
Costa Azul, 1915. En el ocaso de su vida Pierre-Auguste Renoir vive atormentado por la pérdida de su esposa, los dolores artríticos y la noticia de que su hijo Jean ha sido herido en la guerra. Sin embargo, cuando una joven entra en su mundo, una nueva energía invade al pintor. Radiante de vida, bellísima, Andrée se convertirá en su última modelo y en la fuente de juventud que necesitaba.Jean regresa a casa para reponerse y también cae rendido al encanto de la estrella pelirroja que brilla en el firmamento de Renoir. A pesar de la oposición de su padre, se enamora de la indomable joven, y el gran cineasta empieza a desarrollarse.

Bourdos construye un filme complejo e impecable sobre la creación artística, la transmisión de valores y a ratos incluso sobre la historia de Europa entera en el que se aborda la pasión por las mujeres y el conflicto generacional de dos hombres que en realidad se parecen mucho.

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 Da Vincis Demons
picture 

Serie de TV (2013). Da Vincis Demons cuenta la historia jamás contada de los años jóvenes de Leonardo Da Vinci, uno de los mayores genios no sólo del Renacimiento, sino de toda la historia de la humanidad. Muestra las vivencias de este desenvuelto y brillante artista, inventor, espadachín, amante, soñador e idealista, quien a sus 25 años, explora su intelecto y su talento mientras lidia con el hecho de vivir en los confines de su propia realidad y tiempo, al empezar a ver, e inventar, el futuro.



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La banda Picass
(2012) 101 min. España Fernando Colomo

La Banda PicassoParís, 1911. La Gioconda desaparece del Louvre. Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire son detenidos y enfrentados. Pablo recuerda cómo Guillaume le había presentado a un atlético joven a quien llaman “el Barón” que, al enterarse de su fascinación por unas estatuas ibéricas, decide robarlas del Louvre y vendérselas a un precio ridículo. Aquellas estatuas fueron cuatro años antes la inspiración del primer cuadro cubista, “Las señoritas de Avignon”. Pablo es español, Guillaume polaco, el Barón, belga. Y la prensa habla de una banda internacional llegada a Francia para desvalijar los museos… “La banda Picasso” está basada en la historia real del robo de “La Gioconda” del Museo del Louvre en 1911; a raíz de aquel hecho, Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire fueron detenidos y acusados de cometer el delito.

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 El artista y la modelo (L'artiste et son modèle) 2012  104 min.
El artista y la modelo
El artista y la modelo es una película muy púdica aunque durante casi todo el metraje la pantalla esté ocupada por una mujer desnuda, sensual, natural, sin depilar, alguien que desprende vida. Es púdica porque se niega a subrayar los sentimientos (y hay en ella muchos, profundos y complejos) con el agradecido recurso de la música. Habla entre otras cosas, como afirma su altivo y torturado protagonista, de comenzar por fin a entender la vida cuando sabes que ha llegado la hora de partir. Habla del obsesivo y casi siempre fracasado intento de encontrar la belleza artística y saber plasmarla. Habla de la trágica despedida de esas cosas que hacen vivible la vida. Ocurre en un pueblo de los Pirineos franceses en el año 1943. Un pueblo, un ambiente, una luz, unos personajes, unas sensaciones, un aroma, una forma de narrar que es vocacionalmente deudora por parte de Fernando Trueba del espíritu y la estética con la que concibió François Truffaut El niño salvaje y Jules et Jim y, cómo no, del Jean Renoir que rodaba en blanco y negro películas tan emocionantes como perdurable

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El Molino Y La Cruz

 Mlyn I Krzyz (The Mill and the Cross) Productora Coproducción Suecia-Polonia; Silesia Film
Género Drama | Histórico. Cine épico
El Molino Y La Cruz
Sinopsis

La película se inspira en la obra 'Cristo cargando la cruz' del pintor flamenco Pieter Brueghel 'el Viejo'. Se eligieron doce personajes del cuadro y sus historias se combinaron con los avatares de la creación de la tela. Majewski pintó los decorados y se utilizó lo último en técnicas digitales para incorporar a los actores al mundo de Brueghel. La película se exhibió en Sundance.



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 Mr. Turner,
 Mike Leigh. 

Una película sobre los últimos 25 años de la vida del pintor J. M. W. Turner, una de las glorias de la pintura británica, el artista de la bruma y la tormenta

Se ocupa de la enigmática personalidad, los tortuosos sentimientos, el desapego hacia sus responsabilidades familiares —solo ama a su padre, prescinde sin el menor escrúpulo moral de su esposa y sus hijas, utiliza sexualmente a su sirvienta, una persona con mente muy débil y una especie de lepra progresiva en su piel—, su relación con reyes, aristócratas y colegas que reconocen su talento pero que desprecian, se indignan o no comprenden la revolucionaria evolución de su obra a medida que envejece, su monstruoso egoísmo y sus esporádicos actos de generosidad con algún perdedor, su afición a los burdeles, el épico compromiso con su pintura que le lleva a arriesgar su vida encadenándose al mástil de un barco en medio de la tempestad para que su mirada capte con realismo absoluto lo que está ocurriendo, el refugio sentimental que le ofrece en su vejez una comprensiva viuda.

Turner viajaba a Europa todos los años de julio a septiembre —algo que no se ve en la película— hasta seis veranos antes de su muerte. Tomaba notas en un cuaderno, y de enero a abril pintaba para llegar con su obra a tiempo a la exposición anual de la Academia, acontecimiento que sí se ve en pantalla, con los grandes de su época. Como allí nunca le hubieran aceptado paisajes, solía incluir en ellos animales e incluso humanos, que además le servían para otra de sus pasiones: contar historias con sus cuadros.

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Metrópolis

Metrópolis (Metropolis) es un filme alemán realizado por la productora UFA. Se trata de una película de ciencia ficcióndirigida por Fritz Lang cuya trama se constituye una distopía urbana futurista. Este filme fue estrenado originalmente en el año 1927, y antes de la cinematografía sonorizada. Se considera como uno de los máximos exponentes del cine expresionista alemán.

el revival del art déco a partir de los años sesenta coincide con la llegada de la posmodernidad”, concluye Fontán. Este estilo traspasó fronteras y se extendió por buena parte del mundo hasta 1950, como ponen de manifiesto desde los interiores de la película Metrópolis (1927), del vienés Fritz Lang

MÁS CINE 

 

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