961 ARTE EN EL RENACIMIENTO. PINTURA



LA PINTURA EN EL RENACIMIENTO



 ESQUEMA

QUATTROCENTO (Siglo XV)
CINQUECENTO (Siglo XVI)
MANIERISMO (Segunda mitad del siglo XVI)

Características
 a) La perspectiva Representar la realidad de manera racional y objetiva: estudio de la perspectiva:
o Perspectiva geométrica (Quattrocento).
o Perspectiva aérea (Leonardo da Vinci).

 Quattrocento 
Dos grupos: “innovadores” (aplican nuevos métodos y experimentan) y “continuadores” (siguen con la tradición tardogótica), o Fray Angélico: La Anunciación del Prado. o Masaccio: La Trinidad de Santa María Novella. o Boticelli: el Nacimiento de Venus.
 

Masaccio: Trinidad
Masaccio: Capilla Brancacci. Tributo de la moneda
Masaccio: Capilla Brancacci. Adán y Eva
Boticelli: La Primavera
Boticelli: Nacimiento de Venus
Boticelli: Virgen escribiendo el Magníficat
Piero della Francesca: San Francisco de Arezzo. Cristo de Arezzo
Piero della Francesca: San Francisco de Arezzo. El sueño de Constantino
Piero della Francesca: La flagelación
Piero della Francesca: Retratos de F. de Montefeltro y Battista Sforza
Paolo Ucello: Milagro de la profanación de la Hostia
Paolo Ucello: Batalla de San Romano
Mantegna: Lamento por el Cristo muerto
Mantegna: El ojo del cielo. Cámara de los Esposos. Palacio Ducal. Mantua
Mantegna: La agonía en el Huerto

Cinquecento:

Conquista plena del clasicismo. Leonardo da Vinci: perspectiva aérea; representación de las luces y sombras, el sfumanto; expresión de los retratos. o La Virgen de las Rocas. Rafael: representante del ideal humanista y el equilibrio clásico. o La Madonna del Gran Duque. o La Escuela de Atenas. Miguel Ángel o Frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina. o Juicio Final. Página


Leonardo: La Anunciación
Leonardo: La Virgen de las Rocas
Leonardo: Retrato de Mona Lisa del Giocondo
Leonardo: La Última Cena
Leonardo: Retrato de Ginevra de’Benci


Rafael: Desposorios de la Virgen
Rafael: Madonna del Prado
Rafael: Vírgen del Jilguero
Rafael: La bella jardinera
Rafael: Un cardenal
Rafael: La donna velata
Rafael: El Triunfo de Galatea
Rafael: La Escuela de Atenas (Estancias Vaticanas)
Rafael: El incendio del Borgo (Estancias Vaticanas)

La escuela veneciana:

color y luz Características generales: perfeccionamiento de la pintura al óleo; uso de la perspectiva aérea y el sfumato; protagonismo del color, la luz y el paisaje. Giorgione: La tempestad. Tiziano: o El retrato de Carlos V en Mühlberg. o La bacanal.

Giorgione: La tempestad
Giogione: Venus dormida
Tiziano: Venus de Urbino
Tiziano: Amor sagrado, amor profano
Tiziano: Danae



ARTE EN LA EUROPA DEL RENACIMIENTO. PINTURA

Alemania 

M. Grünewald: Retablo de Isenheim
A. Durero: Autorretrato
A. Durero: Adán y Eva

Francia

Maestro de Fontaineblau: La duquesa d’Estrées y su hermana
Países Bajos

J. Patinir: Paso de la laguna Estigia
H. Holbein: Los embajadores
El Bosco: El jardín de las delicias
P. Brueghel: Los recolectores
P. Brueghel: La Torre de Babel
P. Brueghel: El Triunfo de la Muerte
P. Brueghel: Parábola de los ciegos dirigiendo a los ciegos
P. Brueghel: La boda

Alemania

M. Grünewald: Retablo de Isenheim
A. Durero: Autorretrato
A. Durero: Adán y Eva



No solo fue uno de los hombres más aplaudidos por su época, en la que se erigió en uno de los artistas más versátiles, inspirado por el magisterio espiritual de Leonardo da Vinci. también fue un hombre avanzado a su tiempo, además de uno de los primeros artistas en el sentido moderno. El pintor y grabador alemán convirtió su firma en una marca personal e intransferible

El tiempo que le tocó vivir a Durero, nacido en 1471, fue el de los malos augurios que acompañaron el cambio de siglo, uno de esos reflejos supersticiosos de los que nuestra cultura todavía no se ha desprendido. Por aquellos días, sus contemporáneos solían detectar síntomas de un Apocalipsis inminente en todos los rincones. Según la exégesis de las sagradas escrituras, los acontecimientos anormales constituían avisos de que el fin de los días se acercaba. Durero no quedó al margen de esta fiebre preapocalíptica, como demuestra la conocida serie de doce grabados realizada en 1498, en la que figuran desde los cuatro jinetes hasta la prostituta de Babilonia. Muchos de sus grabados dieron cuenta del nacimiento de gemelos siameses y extraños animales, como La cerda monstruosa de Landser, con dos cuerpos y una sola cabeza, considerado otro síntoma de que el fin del mundo estaba a punto de llegar. Durero reprodujo sus grabados a través de la imprenta y los difundió por centenares por todo el país. "Con una tirada de mil ejemplares o más, estos folletos impresos son considerados precursores de los medios de masas modernos. Estaban disponibles en ferias de ganado y libreros, pero también eran distribuidos por comerciantes itinerantes que recorrían el país vendiendo de puerta en puerta"

 Retrato de una mujer con pelo trenzado', realizado por Durero en 1497. / bpk / Gemäldegalerie, SMB / Jörg P. Anders


 DURERO Los distintos fragmentos del llamado 'Altar de Heller'.  MUSEO DE HISTORIA DE FRÁNCFOR


 DURERO Retrato de una mujer con pelo trenzado', realizado por Durero en 1497.  bpk  Gemäldegalerie, SMB  Jörg P. Anders



Francia

Maestro de Fontaineblau: La duquesa d’Estrées y su hermana

Países Bajos

J. Patinir: Paso de la laguna Estigia
H. Holbein: Los embajadores
El Bosco: El jardín de las delicias
P. Brueghel: Los recolectores
P. Brueghel: La Torre de Babel
P. Brueghel: El Triunfo de la Muerte
P. Brueghel: Parábola de los ciegos dirigiendo a los ciegos
P. Brueghel: La boda

El manierismo:

surge como contestación al clasicismo renacentista y dará paso al Barroco.
 Características generales: alargamiento de las figuras; mayor densidad en las composiciones; temas extraordinarios; tonalidades frías. Pontormo: Descendimiento; Traslado del cuerpo de Cristo. Tintoretto: El lavatorio. El Greco (pintura española siglo XVI): o El Expolio. o El Entierro del conde Orgaz.

Giambologna
Benvenuto Cellini


Tintoretto
Pontormo
Parmigianino
Bronzino

Tintoretto: Descubrimiento del cuerpo de San Marcos
Tintoretto: Traslado del cuerpo de San Marcos
Tintoretto: Cristo lavando los pies a sus discípulos
Pontormo: Traslado del cuerpo de Cristo
Parmigianino: Madonna dal collo lungo
Bronzino: Alegoría de la Lujuria

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  La pintura del Quattrocento (S. XV).

La pintura del Renacimiento tiene su origen en Giotto. Se observan diferencias, así en el Quatrocento (S. XV) el dibujo es el elemento capital y los contornos son nítidos. Esta prepotencia del dibujo deriva en una apariencia plana de las formas. Sin embargo, la pintura de Quinquecento sufre una evolución notable: el olor es más suelto. El dibujo y el contorno pierden su dominio. Todo esto culminará con la Escuela veneciana.


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En Florencia, FRA ANGÉLICO es el enlace con el gótico. Toma de la Escuela de Siena y del Estilo internacional el sentido curvilíneo y el dorado. Su concepción de volumen supone ya la irrupción de un nuevo elemento en la pintura. Entre sus obras destacan la “Anunciación” del Museo del Prado.


La “Coronación de la Virgen” del Louvre.



“Descendimiento de la cruz” de Florencia.






'La Virgen de la Granada', de Fra Angélico. Museo Prado
En el catálogo de la exposición de Madrid se describía así La Virgen de la Granada: "La pintura, en perfecto estado de conservación, deja visibles los pliegues y sombras en el paño dorado de honor sostenido por ángeles, que protegen la espalda de la Virgen. El Niño Jesús, sentado sobre las piernas de su madre, está vestido con una túnica roja y juega con la granada que sujeta María con la mano derecha. La escena transcurre mientras la Virgen, vestida con los colores propios de la iconografía religiosa de la época, rojo y azul, mira al espectador. Una magnífica composición que impide desviar la mirada consiguiendo de esta forma transmitir el espíritu más intimo de la escena".

MASSACIO introdujo en la pintura el lenguaje y el método renacentista que su amigo Brunelleschi y Donatello habían implantado en la arquitectura y escultura. Destaca “La Santísima Trinidad” de Florencia.



PAOLO UCELLO fue ayudante de Ghiberti en las puertas del baptisterio de Florencia. Tiene tres cuadros sobre la Batalla de San Romano, uno en el Museo del Louvre, otro en Londres y otro en Museo Ufizzi. Son un estupendo estudio del volumen y la perspectiva.


FILIPPO LIPPI estuvo influenciado por Massacio, pero más Donatello y Ghiberti, de quienes aprende la perspectiva y el sentido del volumen. Sus vírgenes son de incomparable belleza sensitiva y femenina, como la “Adoración del niño” de Berlín.


SANDRO BOTICELLI es la última generación del siglo. Sus trazos son nerviosos y el movimiento agita todas sus formas (desde la cola de caballos o pelos de sus Venus).
Da tristeza a los rostros que pinta, que coinciden con el momento en que las repúblicas italianas ven disminuir su poder frente a las nuevas naciones europeas. Su pesimismo es paralelo al de Maquiavelo.
Los paisajes primaverales y la glorificación del cuerpo del quattrocento culminan con él.
Entre sus obras destaca el “Nacimiento de Venus”.


"La calumnia",

Y “La Primavera”.

ANDREA MANTEGNA es más revolucionario por:
  • Sus formas pétreas: telas duras, figuras escultóricas..
  • La profundidad de sus composiciones.
  • Sus Escorzos ( Principalmente en su “Cristo Yacente” )
Otra obra suya es el “Tránsito de la Virgen” del Prado.



PERUGINO destaca por su encanto, sus rostros nostálgicos, sus figuras lánguidas. Destca la “Entrega de la llaves a San Pedro” del Vaticano.


Anticipa las composiciones de Rafael. Los laterales de la Capilla Sixtina muestran la gracia y la transformación del arte pictórico del Quattrocento. 


MAESTROS DEL QUINQUECENTO (S. XVI).

[LA+PINTURA+RENACENTISTA+alto+renacimiento+y+manierismo.jpg]

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 Los pintores florentino-romanos.

Los pintores se trasladan a Roma porque el Papa es el mecenas.
Hay dos tendencias o escuelas:

1.-La Escuela de Florencia.
Los pintores de esta escuela conceden al dibujo una importancia mayor que otras escuelas, en un siglo en que la línea pierde su perfil de delimitador de las formas. Destacan Leonardo, Rafael y Miguel Angel.

LEONARDO DA VINCI es el arquetipo de hombre renacentista. nació en la república de Florencia en 1452 y murió en un castillo de Francia en 1519,Arquetipo del hombre renacentista y genio universal, fue pintor, anatomista, arquitecto, dibujante, botánico, científico

 Entre sus obras destacan “La Virgen de las Rocas”


“La última cena”
y “La Gioconda .


Aunque el retrato fue comprado con todas las de la ley por el rey Francisco I, muchos italianos siguen creyendo que el retrato más famoso de uno de sus principales genios artísticos, Leonardo da Vinci, fue robado por los franceses y que por eso está en el Museo del Louvre, emplazado en París. Lo cierto es que el cuadro fue pasando de rey en rey hasta que, en 1797, después de la Revolución Francesa, fue destinado a formar parte del Louvre,
 
leonardo da vinci batallaa de anghiari
LEONARDO Retrato de dama' ('La Belle Ferronnière' o 'Presunto retrato de Lucrezia Crivelli')
Cabeza de mujer con mirada hacia abajo', de Leonardo da Vinci. 

RAFAEL fue un hombre mimado por el éxito. Anunciaciones y diversos temas religiosos, retratos y grandes composiciones (las estancias del Vaticano) constituyen los 3 capítulos de sus obras.
Esta es “La Madonna del Gran Duca
Y esta es “La Escuela de Atenas” .
PARA SABER MÁS, VER:

707 RENACIMIENTO: RAFAEL SANZIO




MIGUEL ANGEL es, fundamentalmente, escultor y en consecuencia conserva la energía del dibujo y el deseo de movimiento y fuerza que inspira su obra plástica. Su obra pictórica se encuentra en la “Capilla Sixtina”.

El «tormento y el éxtasis» lucharon entre sí durante tres largos años en las alturas de unos andamios que fueron potro de tortura del mayor artista de la historia. Miguel Ángel, enrolado por el Papa Julio II «a punta de arcabuz» para pintar la bóveda de la Capilla Sixtina, trabajó absolutamente sólo, atormentado, y con frecuencia dolorido por el esfuerzo y las incomodidades.
Al cabo de contratiempos, penalidades y amarguras sin cuento, Miguel Ángel consiguió terminar la obra al terminar octubre de 1512, de modo que Julio II pudo inaugurar la capilla el día de Todos los Santos, uno de noviembre del 1512. Hace, exactamente, medio milenio.
Allí destaca La creación de Adán,

La historia empezó mal. Julio II era un Papa guerrero y autoritario, que decidió encargar a Miguel Ángel la decoración de la bóveda sin molestarse siquiera en consultar al artista. Enfurecido, Miguel Ángel se dio a la fuga y se refugió en Florencia. Pero no era fácil escapar de Julio II. Tuvo que volver a Roma y terminó firmando el contrato el 10 de mayo de 1508. No imaginaba que iba a costarle más de cuatro años de su vida.
La capilla había sido consagrada el 15 de agosto de 1483 por Sixto IV, quien había embellecido las paredes con frescos de los mejores artistas de su tiempo como Botticelli, Perugino o Ghirlandaio.
Veinticinco años más tarde, su sobrino Julio II decidió decorar la bóveda y escogió un tema poco original: las imágenes de los doce apóstoles. Después de un tira y afloja, Miguel Ángel consiguió libertad creativa y emprendió un proyecto mucho más grandioso.
Quería mostrar toda la historia del mundo y del cosmos antes de Jesucristo, comenzando con la vigorosa creación del sol y las estrellas, del hombre, de la mujer... Quería plasmar los momentos más dramáticos: la expulsión del paraíso, el diluvio universal, rodeando todas esas escenas con una constelación de “precursores” del Verbo: los profetas judíos, las sibilas grecorromanas…
Miguel Ángel era un escultor genial pero tenía poco experiencia como pintor. Tardó un año en hacer los bocetos, y cuando estaba realizando los frescos descubrió, con terror, que expulsaban la humedad y se cubrían de una capa blanca de sal. Era frustrante. Pasaba frío, sufría estrecheces económicas por retrasos en los pagos, le dolía la espalda por pasar demasiadas horas tumbado a medio metro de la bóveda, se hacía daño en los ojos por la caída de materiales…era un auténtico infierno.
Pintar el dedo de Dios que se acerca al de Adán para transmitirle la vida estuvo a punto de costar la suya al artista. Sufría de bocio, contrajo paperas y tuvo mucha suerte de no matarse cayendo de los andamios.
y “el Juicio Final”.


2.-La Escuela Veneciana.

La influencia de la escuela veneciana en el arte de la pintura es capital.
En el s. XV los BELLINI y CARPACCIO poseen las bases de una escuela que va a caracterizarse por el culto al color, que siempre prevalece sobre el dibujo.
En el Siglo XVI, sus grandes maestros: Tiziano, Veronés y Tintoretto, descubren para la pintura posibilidades que explotarán los artistas del Barroco.
La escuela veneciana es original por :
  • La neblina de la ciudad dibuja los contornos y sensibiliza la pupila de los pintores para otorgar más interés a la forma que a los contornos, o dicho de otra forma, al color antes que al dibujo.
  • El interés por el color está suscitado, también, por la Historia. La república veneciana es una ciudad comercial, con viajeros de otros países, por eso les gustan los colores vivos (Ej. Veronés: turbantes)
  • La sociedad veneciana está llena de lujo, esplendor.. que reflejan las obras.
TIZIANO es el retratista de la escuela. Entre estos destaca el Retrato de Carlos V en Múlberg.

Son cuadros en los que los encuadres, el paisaje, las cortinas, el collar, etc. Ocupan tanta atención como el retrato.
Otras obras suyas son “El amor Divino y el amor profano” ,
o “La Bacanal” del Museo del Prado.

Al final de su vida, su pintura se hace más impresionista, como se ve en “La coronación de espinas” de Munich.



VERONÉS

Paolo Veronese


Hijo de un cantero con pocos recursos, Paolo Veronés (1528-1588) pronto se trasladó a Venecia y trabajó con gran éxito para una selecta audiencia aristocrática internacional. Los encargos incluían frescos en villas y palacios, grandes piezas que serían colocadas sobre los altares, retratos para personalidades y alegorías objeto de estudio por los artistas hasta finales del siglo XVIII –en una moda pictórica que habría de durar dos siglos– expresamente admiradas por Veláquez, Rubens, Tiepolo o Delacroix.
Atrevido artista y técnicamente superior, desde su llegada a Venecia en el año 1550 mide su trabajo con el de los otros maestros contemporáneos, Tintoretto y Tiziano, conoce y ama las construcciones de Palladio y está obsesionado con desarrollar su perfecta destreza en el dibujo y su técnica pictórica, que usaba empaste ligero, innumerables transparencias y al mismo tiempo colores profundos.
Veronés está visto como un artista que pinta felicidad, belleza, pero probablemente se ha subestimado el drama en su obra

"Es un maestro con el color, el espacio y la luz; muestra una gran sensibilidad por la belleza, la opulencia y la gracia, desde el reflejo de una perla, plasmado con destreza sutil, hasta la majestuosidad y el esplendor de sus marcos arquitectónicos"

es el pintor del lujo. Las escenas se desarrollan en palacios de mármol, con columnas y balaustradas, jardines con fuentes, ropajes costosos y muchas joyas.

Entre sus obras, hay que señalar “Venus y Adonis” . Venus aparece semivestida y con broches y pulsera de oro. Refleja su sensibilidad, diferente a la de Tiziano, que pintaba a sus Venus desnudas.
Su inclinación por los detalles anecdóticos marca el punto culminante de esta tendencia de escuela, como se puede observar en el gigantesco cuadro de “Las Bodas de Caná" del Louvre.

Esta es “La cena en casa de Leví”.
El Veronés


 El martirio de San Jorge. Hacia 1565. Óleo sobre lienzo. 426x305 cm. Iglesia de San Giorgio in Braida (Verona, Italia).
 Jesús y el centurión. Hacia 1571. Óleo sobre lienzo. 192x297 cm. Museo del Prado (Madrid)
 La adoración de los Reyes. 1573. Óleo sobre lienzo. 355,6x320 cm. National Gallery (Londres).
Marte, Venus y Cupido. 1580. Óleo sobre lienzo. 165x126 cm. National Galleries Of Scotland (Edimburgo).



TINTORETO
trasluce ya la crisis de los ideales renacentistas en sus composiciones manieristas.
Maestro de las luces violentas, de los contrastes de luz y sombras, de los escorzos, del movimiento lento, inestable, del paisaje romántico, de la profundidad obtenida mediante la alternancia de zonas de diferente intensidad lumínica. Anticipa algunos de los valores del Barroco.
Creaba maniquíes de cera, que colgaba en altura para estudiar los escorzos y las iluminaciones de las figuras. Entre sus obras destaca “El lavatorio de los pies” del Museo del Prado,


y “Rapto de cuerpo de San Marcos”.


Su influencia en El Greco y en los primeros maestros barrocos son ejemplo de lo que Venecia aportó a la pintura del s. XVII


PRINCIPALES OBRAS

 CUATROCENTO


MASACCIO: "LA TRINIDAD"


MASACCIO. "EL TRIBUTO"


PAOLO UCELLO " BATALLA DE SAN ROMAN0"


PAOLO UCELLO " BATALLA DE SAN ROMANO"


FRA ANGELICO "LA CRUCIFIXIÓN"


FRA ANGELICO "LA ANUNCIACIÓN"


SANDRO BOTTICELLI "LA PRIMAVERA"



SANDRO BOTTICELLI "VENUS Y MARTE"


SANDRO BOTTICELLI "EL NACIMIENTO DE VENUS"


ANDREA MANTEGNA "SAN SEBASTIAN"


ANDREA MANTEGNA "CRISTO MUERTO"

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 http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4a/Mantegna.jpg

 PINTURA: ESCUELA VENECIANA.

LA ASUNCIÓN. TIZIANO.


LA TEMPESTAD. GIOTGIONE.

FLORENCIA
 
LA VIRGEN, EL NIÑO Y JOSE. MIGUEL ANGEL.


CAPILLA SIXTINA. MIGUEL ANGEL
EL JUICIO FINAL. CAPILLA SIXTINA. MIGUEL ANGEL.LA TRANSFIGURACIÓN. RAFAEL DI SANZIO.LA ESCUELA DE ATENAS. RAFAEL DI SANZIO.


LOS DESPOSORIOS DE LA VIRGEN. RAFAEL DI SANZIO.
SANTA ANA, LA VIRGEN Y EL NIÑO. LEONARDO DA VINCI.
LA DAMA DE ARMIÑO. LEONARDO DA VINCI.
LA GIOCONDA. LEONARDO DA VINCI.
LA ÚLTIMA CENA. LEONARDO DA VINCI.

LA VÍRGEN DE LAS ROCAS. LEONARDO DA VINCI.

PINTORES FLAMENCOS

PRIMERA GENERACION


VAN EYCK "VIRGEN CON EL CARDENAL VAN PAEL"

VAN EYCK. "VIRGEN DEL CARNCILLER ROLIN"

VAN EYCK "LOS DESPOSORIOS DEL MATRIMONIO ARNOLFINI"


VAN DER WEYDEN "EL DESCENDIMIENTO"

2DA GENERACIÓN


VAN DER GOES. "ADORACIÓN DE LOS PASTORES"

Hieronymus Bosch,El Bosco 


EL BOSCO. "EL JARDÍN DE LAS DELICIAS"

El tríptico cerrado muestra en grisalla el final del tercer día de la Creación. El tríptico abierto contrasta, por la brillantez de su color, con la grisalla del reverso, con sus tres paneles distribuidos en tres planos superpuestos gracias a la elevación de la línea del horizonte. En el izquierdo, dedicado al Paraíso terrenal, aparece en primer plano Dios -identificado por sus rasgos con Cristo- en medio de Adán y Eva, quedando a su izquierda el drago, un árbol procedente de Canarias que se asocia con el Árbol de la Vida. Se trata, por tanto, de la presentación de Eva a Adán, tema muy poco frecuente en las representaciones del Paraíso. En el plano medio encontramos, en el centro, la Fuente de los Cuatro Ríos del Paraíso, y a la derecha, el Árbol de la Ciencia del Bien y del Mal, con la serpiente enrollada en el tronco. El panel central -que da nombre al tríptico- está poblado por gran número de figuras humanas, animales, plantas y frutas. Las primeras -desnudas a excepción de la pareja del ángulo inferior derecho, que se suele identificar con Adán y Eva tras su expulsión del Paraíso-, ya sean hombres o mujeres, blancos o negros, aparecen en general en grupos o en parejas. Los animales -reales o fantásticos- muestran dimensiones muy superiores a las normales, al igual que las plantas o las frutas. No hay duda de que en esta tabla el Bosco representa el mundo entregado al pecado, y muestra a hombres y mujeres manteniendo relaciones -algunas contra natura- con una fuerte carga erótica alusiva al tema dominante en esta obra, el pecado de la lujuria. En el plano medio vemos un estanque lleno de mujeres desnudas. A su alrededor gira un grupo de hombres sobre distintas cabalgaduras, que se relacionan con todos los pecados capitales. En el superior el pintor incluye cinco construcciones fantásticas sobre el agua, la central similar a la Fuente de los Cuatro Ríos del panel del Paraíso, aunque resquebrajada para simbolizar con ello su fragilidad y el carácter efímero de las delicias que gozan los humanos que pueblan este jardín. En el panel derecho se representa el Infierno, el más impresionante de los conocidos del pintor, denominado en ocasiones Infierno musical por la importante presencia de instrumentos musicales utilizados para torturar a los pecadores que dedican su tiempo a la música profana. De toda la escena, lo que más atrae la atención es el plano medio con la figura del hombre-árbol -asociado con el demonio-, tanto por su color claro sobre fondo oscuro, como por su gran tamaño en relación con los otros seres representados. Si en el jardín de las delicias dominaba la lujuria, en el infierno reciben su castigo todos los pecados capitales. Buen ejemplo de ello es el monstruo sentado en el primer plano, a la derecha de la tabla, que devora hombres y los expulsa por el ano -los avaros-. Y, sin duda, alude a los glotones -al pecado de la gula- el interior de taberna del tronco del hombre-árbol, en el que los personajes desnudos sentados a la mesa esperan a que los demonios les sirvan sapos y otros animales inmundos, al igual que el suplicio del agua helada se destina a los envidiosos. Tampoco faltan castigos para los vicios censurados por la sociedad de la época, como el juego, o para alguna clase social, como el clero, tan desprestigiado entonces, como se verifica en el cerdo con toca de monja que abraza un hombre desnudo, abajo a la derecha de la tabla. El jardín de las delicias es una obra de carácter moralizador -no exenta de pesimismo- en la que el Bosco insiste en lo efímero de los placeres pecaminosos representados en la tabla central. El pecado es el único punto de unión entre las tres tablas. Desde su aparición en el Paraíso con la serpiente y Eva -que asume la culpa de la expulsión del Paraíso, como es propio de la misoginia medieval- el pecado está presente en el mundo -pese a que se muestre como un Paraíso terrenal engañoso a los sentidos- y tiene su castigo en el Infierno (Texto extractado de Silva, P. en: 100 Obras Maestras del Museo del Prado, Museo Nacional del Prado, 2008, p. 28).


El infierno, El Jardín de las delicias - EL BOSCO
La creacion


Hieronymus Bosch,El Bosco de una familia de pintores, los Van Aken, originarios de la germana Aquisgrán.  Vivía y trabajaba en su propio tiempo, Hijo y nieto de pintores, y miembro como ellos de un gremio, ejercía su oficio en un sistema de producción muy reglado, en el que ser pintor no tenía nada de particular. Probablemente esa posición estaba reforzada porque vivió siempre en una ciudad provincial, Hertogenbosch, no en uno de los centros que en Flandes o en Italia marcaban los caminos más renovadores en el arte.  Felipe II de España figuró entre los principales admiradores de sus visiones místicas, menos cercano al Renacimiento que a los bestiarios fantásticos y a los capitales abigarrados de siglos anteriores. un predecesor de las alucinaciones y las irracionalidades del surrealismo, ese movimiento en el que abundaron tanto los expertos en autopromoción. El mérito de El Bosco, como el de los profetas del Antiguo Testamento, habría sido anunciar con quinientos años de anticipación a André Breton. , los cuadros del Bosco invitan a sumarse a un mundo en movimiento perpetuo, reflejo de la condición humana.con cielos llenos de ángeles que llevan a los justos de la mano. Pero también con infiernos abiertos a la espera, monstruos y aberraciones reflejadas por el pintor. Algunos siguen siendo difíciles de interpretar,


Las tentaciones de san Antonio' de El Bosco en el Museo Nacional de Arte Antiguo de Lisboa.


'Las tentaciones de San Antonio Abad’, obra de la colección del Museo del Prado.

El Bosco  la gran mayoría de esos seres que pueblan sus pinturas pertenecen a repertorios simbólicos que eran de conocimiento común en su tiempo. El Bosco no se dedicaba a escandalizar a los biempensantes, como aseguran que hacen algunos de los artistas más celebrados y mejor pagados de la actualidad, sino a representar el mundo de acuerdo con un idioma visual que nos parece indescifrable no porque lo sea, ni porque hubiera nacido de la fiebre visionaria o trastornada de su imaginación, sino porque se ha perdido una gran parte del conocimiento necesario para comprenderlo. De vez en cuando, sus imágenes son traslaciones literales de proverbios en holandés, o incluso de giros o juegos de palabras. Su mundo es el del milenarismo a la vez religioso y político de la tardía Edad Media, el de las danzas de la muerte, las celebraciones carnavalescas, la sátira de la desvergüenza de los frailes, la exigencia de una piedad interiorizada y contemplativa que poco después daría lugar a la Reforma.


La nave de los necios (1500), la tabla representa el viaje de la humanidad hacia la locura. En este caso, hacia el fuego eterno por culpa de una existencia libertina. La obra toma su título de un poema satírico escrito por el teólogo alsaciano Sebastian Brant, que denuncia la estupidez, y El Bosco subraya con sus condenados la responsabilidad humana sobre sus actos.

El carro de heno (1510-16)
Su argumento es conocido. Una muchedumbre sin distinción de clase, del Papa al mendigo, tiran del carro camino del infierno contemplados por Dios desde el Cielo. “Es tal la riqueza de personajes y escenas, que la mirada no puede abarcarlo todo”, reza el catálogo.

El carro de heno, de El Bosco
Niño Jesús con la cruz a cuestas (1490-1510). 
Es un óleo sobre roble donde, por un lado, el Niño aprende a andar con un tacataca. Parece un pequeñajo cualquiera, pero no. Del otro, lleva ya la cruz a cuestas.
Ecce Homo (1475-85),
casi puede oírse a Poncio Pilato y a la muchedumbre poco antes de la Crucifixión. Una marea de personajes bosquianos capaces de reflejar lo mejor y lo peor a pesar de su tamaño, a veces minúsculo.


El Bosco, Mesa de los pecados capitales, entre 1490 y 1510

La humanidad parece haber perdido la razón, el hombre se deja llevar por los pecados capitales. Pero, no todo está perdido, Cristo, representado en el anillo interior del gran círculo, la pupila, vigila a los hombres, según indica la inscripción en latín junto a él: CAVE, CAVE D[OMIN]US VIDET [Cuidado, cuidado, Dios está mirando].Cinco círculos, uno grande en el centro semejando un gran ojo, con los siete pecados en su anillo exterior, y cuatro pequeños en los ángulos ilustrando las Postrimerías: Muerte, Juicio, Infierno y Gloria. obra de carácter moralizador, como lo demuestran los letreros explicativos incorporados.

vision-de-thondal-taller-el-bosco-museo-lazaro-galdiano
el-juicio-final

la coronacion d espinas

Extracción de la piedra de la locura

El Bosco; La Adoración de los Magos;  Hacia 1494
con una gran ciudad al fondo donde se aprecian unos grandes y fantásticos edificios. En primer plano los Magos entregan sus ofrendas y sobre el suelo uno de los regalos lleva tallada la escena del sacrificio de Isaac, prefiguración de la Pasión de Cristo. En los ropajes de Gaspar se representa la visita de Salomón a la reina de Saba, antecedente de la propia visita de los Magos al Niño. Mediante estos recursos el autor recrea dos niveles de lectura, vinculando pasajes del Antiguo y del Nuevo Testamento.

PINTURA MANIERISTA.
LAOCONTE. EL GRECO.




LA ULTIMA CENA. TINTORETTO.





PARA SABER MÁS, VER:
TEODOSIO, UN BLOG: 325 Mona Lisa. Leonardo da Vinci

COMENTARIO DE IMAGENES:
Te planteo diversas imágenes para que practiques el comentario de las mismas,posteriormente puedes realizar la autoevaluación de las mismas a través de del enlace que te adjunto:
Imágenes del Quatrocento florentino que aquí se acompañan
:








Ver comentarios de imágenes
Fra Angélico: Anunciación. 1436
Botticelli: El nacimiento de Venus. 1482. 175 x 278
Masaccio: La Trinidad. ~ 1427. 667 x 317
El tributo de
Masaccio o Masaccio: El tributo. 1425-27. 255 x 598





Imágenes del Cinquecento:



"La Gioconda" o "Mona Lisa", Leonardo da Vinci, 1503-1506, óleo sobre tabla, 77 x 53 cm. París. Museo del Louvre.





Los embajadores' de Hans Holbein.
Cupido se queja a Venus' de Lucas Cranach el Viejo
La crucifixión', pintura anónima de los altares de Aquisgrán.

1 comentario:

  1. Bonito paseo por el Renacimiento, gracias por tu información.

    Un saludo.

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