LA PINTURA EN EL RENACIMIENTO
ESQUEMA
QUATTROCENTO (Siglo XV)
CINQUECENTO (Siglo XVI)
MANIERISMO (Segunda mitad del siglo XVI)
” .Características
La perspectiva Representar la realidad de manera racional y objetiva: estudio de la perspectiva:
o Perspectiva geométrica (Quattrocento).
o Perspectiva aérea (Leonardo da Vinci).
QUATTROCENTO (Siglo XV)
Dos grupos: “innovadores” (aplican nuevos métodos y experimentan) y “continuadores” (siguen con la tradición tardogótica),
Florencia, Los Medicis vivía un auge extraordinario en Florencia
o Fray Angélico:
La Anunciación del Prado.
FRA ANGELICO "LA ANUNCIACIÓN"
Masaccio:
La Trinidad de Santa María Novella.
Boticelli:
Boticelli:
El Nacimiento de Venus.
Masaccio:
Masaccio:
Trinidad
Capilla Brancacci. Tributo de la moneda
Capilla Brancacci. Adán y Eva
Boticelli:
Capilla Brancacci. Adán y Eva
Boticelli:
La Primavera
Nacimiento de Venus
Virgen escribiendo el Magníficat
Piero della Francesca:
Nacimiento de Venus
Virgen escribiendo el Magníficat
Piero della Francesca:
San Francisco de Arezzo. Cristo de Arezzo
San Francisco de Arezzo. El sueño de Constantino
La flagelación
Retratos de F. de Montefeltro y Battista Sforza
Paolo Ucello:
San Francisco de Arezzo. El sueño de Constantino
La flagelación
Retratos de F. de Montefeltro y Battista Sforza
Paolo Ucello:
Milagro de la profanación de la Hostia
Batalla de San Romano
Mantegna:
Batalla de San Romano
Mantegna:
Lamento por el Cristo muerto
El ojo del cielo. Cámara de los Esposos. Palacio Ducal. Mantua
La agonía en el Huerto
CINQUECENTO (Siglo XVI)
Conquista plena del clasicismo.
- Leonardo da Vinci:
perspectiva aérea; representación de las luces y sombras, el sfumanto; expresión de los retratos.
El ojo del cielo. Cámara de los Esposos. Palacio Ducal. Mantua
La agonía en el Huerto
CINQUECENTO (Siglo XVI)
Conquista plena del clasicismo.
- Leonardo da Vinci:
perspectiva aérea; representación de las luces y sombras, el sfumanto; expresión de los retratos.
La Anunciación
La Virgen de las Rocas
Retrato de Mona Lisa del Giocondo
La Última Cena
Retrato de Ginevra de’Benci
La Virgen de las Rocas
Retrato de Mona Lisa del Giocondo
La Última Cena
Retrato de Ginevra de’Benci
Rafael:
representante del ideal humanista y el equilibrio clásico. o La Madonna del Gran Duque
. o La Escuela de Atenas.
Desposorios de la Virgen
Madonna del Prado
Vírgen del Jilguero
La bella jardinera
Un cardenal
La donna velata
El Triunfo de Galatea
La Escuela de Atenas (Estancias Vaticanas)
El incendio del Borgo (Estancias Vaticanas)
Madonna del Prado
Vírgen del Jilguero
La bella jardinera
Un cardenal
La donna velata
El Triunfo de Galatea
La Escuela de Atenas (Estancias Vaticanas)
El incendio del Borgo (Estancias Vaticanas)
Miguel Ángel
Frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina.
Juicio Final. Página
LA ESCUELA VENECIANA
color y luz Características generales: perfeccionamiento de la pintura al óleo; uso de la perspectiva aérea y el sfumato; protagonismo del color, la luz y el paisaje.
LA ESCUELA VENECIANA
color y luz Características generales: perfeccionamiento de la pintura al óleo; uso de la perspectiva aérea y el sfumato; protagonismo del color, la luz y el paisaje.
Tiziano:
El retrato de Carlos V en Mühlberg.
La bacanal.
Venus de Urbino
Amor sagrado, amor profano
Danae
Giorgione:
La tempestad
Venus dormida
Venus dormida
.
QUATTROCENTO (Siglo XV)
La pintura del Renacimiento tiene su origen en
Giotto. Se observan diferencias, así en el Quatrocento (S. XV) el dibujo
es el elemento capital y los contornos son nítidos. Esta prepotencia
del dibujo deriva en una apariencia plana de las formas. Sin embargo, la
pintura de Quinquecento sufre una evolución notable: el olor es más
suelto. El dibujo y el contorno pierden su dominio. Todo esto culminará
con la Escuela veneciana.
tom-historiadelarte.blogspot.com
FLORENCIAFlorencia rica y culta, que florece gracias a la Banca y su industria textil y donde los gremios eran muy poderosos. Mecenas como Palla Strozzi, Cosme y Pedro de Médicis o los Gaddi. Enriquecidos mercaderes competían junto a la Iglesia en el encargo de obras a los mejores creadores del momento. Brunelleschi, Ghiberti, Donatello, Fra Angelico, Masaccio, Uccello y Filippo Lippi son algunos de los muchos maestros que participan en la transf ormación artística del momento
FRA ANGÉLICO
Guido di Pietro pasó a llamarse Fra Giovanni de Fiésole. y después de su muerte cuando recibió el apodo de Fra Angelico por su condición de teólogo de la pintura. nacido en Florencia hacia 1395 y muerto en Roma en 1455
Enlace con el gótico. En Florencia, Toma de la Escuela de Siena y del Estilo internacional el sentido curvilíneo y el dorado. Su concepción de volumen supone ya la irrupción de un nuevo elemento en la pintura.
Fue un innovador absoluto en el manejo de la luz y el color, la perspectiva espacial y la narración. supo crear un mundo de personajes y sentimientos religiosos con los que hizo evolucionar el arte gótico hasta su perfección total, aplicando todas las innovaciones del Renacimiento de manera magistral. Utiliza por primera vez la perspectiva para organizar el espacio.
Entre sus obras destacan la “Anunciación” del Museo del Prado
1425 – 1426, Madrid, Museo Nacional del Prado
La “Coronación de la Virgen” del Louvre.
“Descendimiento de la cruz” de Florencia.
'La Virgen de la Granada', de Fra Angélico. Museo Prado
En el catálogo de la exposición de Madrid se describía así La Virgen de la Granada:
"La pintura, en perfecto estado de conservación, deja visibles los pliegues y sombras en el paño dorado de honor sostenido por ángeles, que protegen la espalda de la Virgen. El Niño Jesús, sentado sobre las piernas de su madre, está vestido con una túnica roja y juega con la granada que sujeta María con la mano derecha. La escena transcurre mientras la Virgen, vestida con los colores propios de la iconografía religiosa de la época, rojo y azul, mira al espectador. Una magnífica composición que impide desviar la mirada consiguiendo de esta forma transmitir el espíritu más intimo de la escena".
FRA ANGELICO "LA CRUCIFIXIÓN"
Historias de los padres del desierto - Fra Angelico
MASSACIO
Masaccio, el más moderno de todos ellos, , Introdujo en la pintura el lenguaje y el método renacentista que su amigo Brunelleschi y Donatello habían implantado en la arquitectura y escultura. renovó por completo el lenguaje pictórico, dotando a la pintura de vivacidad, fuerza y volumen. Hizo desnudos y escorzos inusuales
Destaca “La Santísima Trinidad” de Florencia.
MASACCIO: "LA TRINIDAD"
MASACCIO. "EL TRIBUTO"
PAOLO UCELLO
Ayudante de Ghiberti en las puertas del baptisterio de Florencia.
Tiene tres cuadros sobre la Batalla de San Romano, uno en el Museo del Louvre, otro en Londres y otro en Museo Ufizzi. Son un estupendo estudio del volumen y la perspectiva.
PAOLO UCELLO " BATALLA DE SAN ROMAN0"
PAOLO UCELLO " BATALLA DE SAN ROMANO"
FILIPPO LIPPI
estuvo influenciado por Massacio, pero más Donatello y Ghiberti, de quienes aprende la perspectiva y el sentido del volumen. Sus vírgenes son de incomparable belleza sensitiva y femenina, como la “Adoración del niño” de Berlín.
SANDRO BOTICELLI
es la última generación del siglo. Sus trazos son nerviosos y el movimiento agita todas sus formas (desde la cola de caballos o pelos de sus Venus).
Da tristeza a los rostros que pinta, que coinciden con el momento en que las repúblicas italianas ven disminuir su poder frente a las nuevas naciones europeas. Su pesimismo es paralelo al de Maquiavelo.
Los paisajes primaverales y la glorificación del cuerpo del quattrocento culminan con él.
Entre sus obras destaca el “Nacimiento de Venus”.
SANDRO BOTTICELLI "LA PRIMAVERA"
SANDRO BOTTICELLI "VENUS Y MARTE"
SANDRO BOTTICELLI "EL NACIMIENTO DE VENUS"
"La calumnia",
“La Primavera”.
es más revolucionario por:
- Sus formas pétreas: telas duras, figuras escultóricas..
- La profundidad de sus composiciones.
- Sus Escorzos ( Principalmente en su “Cristo Yacente” )
ANDREA MANTEGNA "SAN SEBASTIAN"
PERUGINO
ANDREA MANTEGNA "CRISTO MUERTO"
destaca por su encanto, sus rostros nostálgicos, sus figuras lánguidas. Destca la “Entrega de la llaves a San Pedro” del Vaticano.
Anticipa las composiciones de Rafael. Los laterales de la Capilla Sixtina muestran la gracia y la transformación del arte pictórico del Quattrocento.
QUINQUECENTO (S. XVI).
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Los pintores florentino-romanos.
Los pintores se trasladan a Roma porque el Papa es el mecenas.
Hay dos tendencias o escuelas:
1.-La Escuela de Florencia.
Los pintores de esta escuela conceden al dibujo una importancia mayor que otras escuelas, en un siglo en que la línea pierde su perfil de delimitador de las formas. Destacan Leonardo, Rafael y Miguel Angel.
LEONARDO DA VINCI
es el arquetipo de hombre renacentista. nació en la república de Florencia en 1452 y murió en un castillo de Francia en 1519,Arquetipo del hombre renacentista y genio universal, fue pintor, anatomista, arquitecto, dibujante, botánico, científico
LA GIOCONDA. LEONARDO DA VINCI.TEODOSIO, UN BLOG: 325 Mona Lisa. Leonardo da Vinci“La Gioconda
Entre sus obras destacan “La Virgen de las Rocas”
“La última cena”
Aunque el retrato fue comprado con todas las de la ley por el rey Francisco I, muchos italianos siguen creyendo que el retrato más famoso de uno de sus principales genios artísticos, Leonardo da Vinci, fue robado por los franceses y que por eso está en el Museo del Louvre, emplazado en París. Lo cierto es que el cuadro fue pasando de rey en rey hasta que, en 1797, después de la Revolución Francesa, fue destinado a formar parte del Louvre,
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SANTA ANA, LA VIRGEN Y EL NIÑO. LEONARDO DA VINCI.
LA DAMA DE ARMIÑO. LEONARDO DA VINCI.
LA ÚLTIMA CENA. LEONARDO DA VINCI.
LA VÍRGEN DE LAS ROCAS. LEONARDO DA VINCI.RAFAEL
Fue un hombre mimado por el éxito. Anunciaciones y diversos temas religiosos, retratos y grandes composiciones (las estancias del Vaticano) constituyen los 3 capítulos de sus obras.
“La Madonna del Gran Duca”
“La Escuela de Atenas”
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.
LA TRANSFIGURACIÓN. RAFAEL DI SANZIO.
LA ESCUELA DE ATENAS. RAFAEL DI SANZIO.
LOS DESPOSORIOS DE LA VIRGEN. RAFAEL DI SANZIO.
PARA SABER MÁS, VER:
707 RENACIMIENTO: RAFAEL SANZIO
MIGUEL ANGEL
es, fundamentalmente, escultor y en consecuencia conserva la energía del dibujo y el deseo de movimiento y fuerza que inspira su obra plástica. Su obra pictórica se encuentra en la “Capilla Sixtina”.
El «tormento y el éxtasis»
lucharon entre sí durante tres largos años en las alturas de unos
andamios que fueron potro de tortura del mayor artista de la historia. Miguel Ángel, enrolado por el Papa Julio II «a
punta de arcabuz» para pintar la bóveda de la Capilla Sixtina, trabajó
absolutamente sólo, atormentado, y con frecuencia dolorido por el
esfuerzo y las incomodidades.
Al cabo de contratiempos, penalidades y amarguras sin cuento, Miguel Ángel consiguió terminar la obra al terminar octubre de 1512, de modo que Julio II pudo inaugurar la capilla el día de Todos los Santos, uno de noviembre del 1512. Hace, exactamente, medio milenio.
La historia empezó mal. Julio II era un Papa guerrero y
autoritario, que decidió encargar a Miguel Ángel la decoración de la
bóveda sin molestarse siquiera en consultar al artista. Enfurecido, Miguel Ángel se dio a la fuga y se refugió en Florencia.
Pero no era fácil escapar de Julio II. Tuvo que volver a Roma y terminó
firmando el contrato el 10 de mayo de 1508. No imaginaba que iba a
costarle más de cuatro años de su vida.
La capilla había sido consagrada el 15 de agosto de 1483 por Sixto IV, quien había embellecido las paredes con frescos de los mejores artistas de su tiempo como Botticelli, Perugino o Ghirlandaio.
Veinticinco años más tarde, su sobrino Julio II decidió decorar la bóveda y escogió un tema poco original: las imágenes de los doce apóstoles. Después de un tira y afloja, Miguel Ángel consiguió libertad creativa y emprendió un proyecto mucho más grandioso.
Quería mostrar toda la historia del mundo y del cosmos antes de Jesucristo,
comenzando con la vigorosa creación del sol y las estrellas, del
hombre, de la mujer... Quería plasmar los momentos más dramáticos: la
expulsión del paraíso, el diluvio universal, rodeando todas esas escenas con una constelación de “precursores” del Verbo: los profetas judíos, las sibilas grecorromanas…
Miguel Ángel era un escultor genial pero tenía poco
experiencia como pintor. Tardó un año en hacer los bocetos, y cuando
estaba realizando los frescos descubrió, con terror, que expulsaban la humedad y se cubrían de una capa blanca de sal.
Era frustrante. Pasaba frío, sufría estrecheces económicas por retrasos
en los pagos, le dolía la espalda por pasar demasiadas horas tumbado a medio metro de la bóveda, se hacía daño en los ojos por la caída de materiales…era un auténtico infierno.
Pintar el dedo de Dios que se acerca al de Adán para transmitirle la vida estuvo a punto de costar la suya al artista. Sufría de bocio, contrajo paperas y tuvo mucha suerte de no matarse cayendo de los andamios.
LA VIRGEN, EL NIÑO Y JOSE. MIGUEL ANGEL.
CAPILLA SIXTINA. MIGUEL ANGEL
EL JUICIO FINAL. CAPILLA SIXTINA. MIGUEL ANGEL.
La creación de Adán,y “el Juicio Final”.
2.-LA ESCUELA VENECIANA
La influencia de la escuela veneciana en el arte de la pintura es capital.
En el s. XV
-los BELLINI
-CARPACCIO poseen las bases de una escuela que va a caracterizarse por el culto al color, que siempre prevalece sobre el dibujo.
En el Siglo XVI, sus grandes maestros:
-Tiziano, -
-Veronés
- Tintoretto
descubren para la pintura posibilidades que explotarán los artistas del Barroco.
La escuela veneciana es original por :
- La neblina de la ciudad dibuja los contornos y sensibiliza la pupila de los pintores para otorgar más interés a la forma que a los contornos, o dicho de otra forma, al color antes que al dibujo.
- El interés por el color está suscitado, también, por la Historia. La república veneciana es una ciudad comercial, con viajeros de otros países, por eso les gustan los colores vivos (Ej. Veronés: turbantes)
- La sociedad veneciana está llena de lujo, esplendor.. que reflejan las obras.
es el retratista de la escuela. Entre estos destaca el Retrato de Carlos V en Múlberg.
Son cuadros en los que los encuadres, el paisaje, las cortinas, el collar, etc. Ocupan tanta atención como el retrato.
Otras obras suyas son “El amor Divino y el amor profano” ,
Otras obras suyas son “El amor Divino y el amor profano” ,
o “La Bacanal” del Museo del Prado.
Al final de su vida, su pintura se hace más impresionista, como se ve en “La coronación de espinas” de Munich.
VERONÉS
Hijo de un cantero con pocos recursos, Paolo Veronés (1528-1588) pronto se trasladó a Venecia y trabajó con gran éxito para una selecta audiencia aristocrática internacional. Los encargos incluían frescos en villas y palacios, grandes piezas que serían colocadas sobre los altares, retratos para personalidades y alegorías objeto de estudio por los artistas hasta finales del siglo XVIII –en una moda pictórica que habría de durar dos siglos– expresamente admiradas por Veláquez, Rubens, Tiepolo o Delacroix.
Atrevido artista y técnicamente superior, desde su llegada a Venecia en el año 1550 mide su trabajo con el de los otros maestros contemporáneos, Tintoretto y Tiziano, conoce y ama las construcciones de Palladio y está obsesionado con desarrollar su perfecta destreza en el dibujo y su técnica pictórica, que usaba empaste ligero, innumerables transparencias y al mismo tiempo colores profundos.
Veronés está visto como un artista que pinta felicidad, belleza, pero probablemente se ha subestimado el drama en su obra
"Es un maestro con el color, el espacio y la luz; muestra una gran sensibilidad por la belleza, la opulencia y la gracia, desde el reflejo de una perla, plasmado con destreza sutil, hasta la majestuosidad y el esplendor de sus marcos arquitectónicos"
es el pintor del lujo. Las escenas se desarrollan en palacios de mármol, con columnas y balaustradas, jardines con fuentes, ropajes costosos y muchas joyas.
Entre sus obras, hay que señalar “Venus y Adonis” . Venus aparece semivestida y con broches y pulsera de oro. Refleja su sensibilidad, diferente a la de Tiziano, que pintaba a sus Venus desnudas.
Su
inclinación por los detalles anecdóticos marca el punto culminante de
esta tendencia de escuela, como se puede observar en el gigantesco
cuadro de “Las Bodas de Caná" del Louvre.
Esta es “La cena en casa de Leví”.
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El Veronés
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El martirio de San Jorge. Hacia 1565. Óleo sobre lienzo. 426x305 cm. Iglesia de San Giorgio in Braida (Verona, Italia).
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Jesús y el centurión. Hacia 1571. Óleo sobre lienzo. 192x297 cm. Museo del Prado (Madrid)
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La adoración de los Reyes. 1573. Óleo sobre lienzo. 355,6x320 cm. National Gallery (Londres).
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Marte, Venus y Cupido. 1580. Óleo sobre lienzo. 165x126 cm. National Galleries Of Scotland (Edimburgo).
PARA SABER MÁS, VER:
Paolo Veronese
TINTORETTO
trasluce ya la crisis de los ideales renacentistas en sus composiciones manieristas.
Maestro de las luces violentas, de los contrastes de luz y sombras, de los escorzos, del movimiento lento, inestable, del paisaje romántico, de la profundidad obtenida mediante la alternancia de zonas de diferente intensidad lumínica. Anticipa algunos de los valores del Barroco.
Creaba maniquíes de cera, que colgaba en altura para estudiar los escorzos y las iluminaciones de las figuras.
“El lavatorio de los pies” del Museo del Prado,
“Rapto de cuerpo de San Marcos”.
Su influencia en El Greco y en los primeros maestros barrocos son ejemplo de lo que Venecia aportó a la pintura del s. XVII.
LA ULTIMA CENA. TINTORETTO.
LORENZO LOTTO
Uno de los retratistas fundamentales del Cinquecento italiano, Lorenzo Lotto,
Conoció en su época la fama y también el fracaso y la incomprensión del entorno cultural del siglo XVI, sobre todo al entrar en conflicto con Tiziano. Artista nómada
Un artista cuya dimensión social resulta fundamental para entender sus composiciones, muchas de ellas dedicadas a dar voz a los más necesitados.
fue capaz de generar tipologías inéditas con los retratos matrimoniales, situando la figura del hombre y la mujer en el mismo plano pictórico, y de impregnar a sus obras de una enorme profundidad conceptual y de una libertad estilística inaudita. Lotto también se caracterizó por hurgar en la psique de los personajes, por intentar captar su esencia a través de los estados de ánimo, razón por la que es considerado como el primer retratista moderno.
Los primeros pasos hacia el nuevo estilo veneciano seguramente los dio Giorgione (diez años mayor que Tiziano), pero la autoría de algunas de las obras que llevaron a la cima esta forma de pintar no está clara. La Venus dormida, primer desnudo reclinado de la historia, casi con seguridad fue obra de los dos: Giorgione la inició y Tiziano la finalizó. Concierto campestre, en que se basó Manet para su escandaloso Almuerzo desnudo, se cree más obra de Tiziano que de su maestro, compañero o rival.
Entre la bruma en torno a su obra y su vida, solo un dato asoma como certero: el año de su muerte. El 25 de octubre de 1510,
M. Grünewald: Retablo de Isenheim
A. Durero: Autorretrato
A. Durero: Adán y Eva
Francia
ALEMANIA
No solo fue uno de los hombres más aplaudidos por su época, en la que se erigió en uno de los artistas más versátiles, inspirado por el magisterio espiritual de Leonardo da Vinci. también fue un hombre avanzado a su tiempo, además de uno de los primeros artistas en el sentido moderno. El pintor y grabador alemán convirtió su firma en una marca personal e intransferible
El tiempo que le tocó vivir a Durero, nacido en 1471, fue el de los malos augurios que acompañaron el cambio de siglo, uno de esos reflejos supersticiosos de los que nuestra cultura todavía no se ha desprendido. Por aquellos días, sus contemporáneos solían detectar síntomas de un Apocalipsis inminente en todos los rincones. Según la exégesis de las sagradas escrituras, los acontecimientos anormales constituían avisos de que el fin de los días se acercaba. Durero no quedó al margen de esta fiebre preapocalíptica, como demuestra la conocida serie de doce grabados realizada en 1498, en la que figuran desde los cuatro jinetes hasta la prostituta de Babilonia. Muchos de sus grabados dieron cuenta del nacimiento de gemelos siameses y extraños animales, como La cerda monstruosa de Landser, con dos cuerpos y una sola cabeza, considerado otro síntoma de que el fin del mundo estaba a punto de llegar. Durero reprodujo sus grabados a través de la imprenta y los difundió por centenares por todo el país. "Con una tirada de mil ejemplares o más, estos folletos impresos son considerados precursores de los medios de masas modernos. Estaban disponibles en ferias de ganado y libreros, pero también eran distribuidos por comerciantes itinerantes que recorrían el país vendiendo de puerta en puerta"
PINTORES FLAMENCOS
PRIMERA GENERACION
VAN EYCK "VIRGEN CON EL CARDENAL VAN PAEL"
VAN EYCK. "VIRGEN DEL CARNCILLER ROLIN"
VAN EYCK "LOS DESPOSORIOS DEL MATRIMONIO ARNOLFINI"
VAN DER WEYDEN "EL DESCENDIMIENTO"
2º GENERACIÓN
VAN DER GOES. "ADORACIÓN DE LOS PASTORES"
EL BOSCO
Hieronymus Bosch,El Bosco
EL BOSCO. "EL JARDÍN DE LAS DELICIAS"
El tríptico cerrado muestra en grisalla el final del tercer día de la Creación. El tríptico abierto contrasta, por la brillantez de su color, con la grisalla del reverso, con sus tres paneles distribuidos en tres planos superpuestos gracias a la elevación de la línea del horizonte. En el izquierdo, dedicado al Paraíso terrenal, aparece en primer plano Dios -identificado por sus rasgos con Cristo- en medio de Adán y Eva, quedando a su izquierda el drago, un árbol procedente de Canarias que se asocia con el Árbol de la Vida. Se trata, por tanto, de la presentación de Eva a Adán, tema muy poco frecuente en las representaciones del Paraíso. En el plano medio encontramos, en el centro, la Fuente de los Cuatro Ríos del Paraíso, y a la derecha, el Árbol de la Ciencia del Bien y del Mal, con la serpiente enrollada en el tronco. El panel central -que da nombre al tríptico- está poblado por gran número de figuras humanas, animales, plantas y frutas. Las primeras -desnudas a excepción de la pareja del ángulo inferior derecho, que se suele identificar con Adán y Eva tras su expulsión del Paraíso-, ya sean hombres o mujeres, blancos o negros, aparecen en general en grupos o en parejas. Los animales -reales o fantásticos- muestran dimensiones muy superiores a las normales, al igual que las plantas o las frutas. No hay duda de que en esta tabla el Bosco representa el mundo entregado al pecado, y muestra a hombres y mujeres manteniendo relaciones -algunas contra natura- con una fuerte carga erótica alusiva al tema dominante en esta obra, el pecado de la lujuria. En el plano medio vemos un estanque lleno de mujeres desnudas. A su alrededor gira un grupo de hombres sobre distintas cabalgaduras, que se relacionan con todos los pecados capitales. En el superior el pintor incluye cinco construcciones fantásticas sobre el agua, la central similar a la Fuente de los Cuatro Ríos del panel del Paraíso, aunque resquebrajada para simbolizar con ello su fragilidad y el carácter efímero de las delicias que gozan los humanos que pueblan este jardín. En el panel derecho se representa el Infierno, el más impresionante de los conocidos del pintor, denominado en ocasiones Infierno musical por la importante presencia de instrumentos musicales utilizados para torturar a los pecadores que dedican su tiempo a la música profana. De toda la escena, lo que más atrae la atención es el plano medio con la figura del hombre-árbol -asociado con el demonio-, tanto por su color claro sobre fondo oscuro, como por su gran tamaño en relación con los otros seres representados. Si en el jardín de las delicias dominaba la lujuria, en el infierno reciben su castigo todos los pecados capitales. Buen ejemplo de ello es el monstruo sentado en el primer plano, a la derecha de la tabla, que devora hombres y los expulsa por el ano -los avaros-. Y, sin duda, alude a los glotones -al pecado de la gula- el interior de taberna del tronco del hombre-árbol, en el que los personajes desnudos sentados a la mesa esperan a que los demonios les sirvan sapos y otros animales inmundos, al igual que el suplicio del agua helada se destina a los envidiosos. Tampoco faltan castigos para los vicios censurados por la sociedad de la época, como el juego, o para alguna clase social, como el clero, tan desprestigiado entonces, como se verifica en el cerdo con toca de monja que abraza un hombre desnudo, abajo a la derecha de la tabla. El jardín de las delicias es una obra de carácter moralizador -no exenta de pesimismo- en la que el Bosco insiste en lo efímero de los placeres pecaminosos representados en la tabla central. El pecado es el único punto de unión entre las tres tablas. Desde su aparición en el Paraíso con la serpiente y Eva -que asume la culpa de la expulsión del Paraíso, como es propio de la misoginia medieval- el pecado está presente en el mundo -pese a que se muestre como un Paraíso terrenal engañoso a los sentidos- y tiene su castigo en el Infierno (Texto extractado de Silva, P. en: 100 Obras Maestras del Museo del Prado, Museo Nacional del Prado, 2008, p. 28).
Un artista cuya dimensión social resulta fundamental para entender sus composiciones, muchas de ellas dedicadas a dar voz a los más necesitados.
fue capaz de generar tipologías inéditas con los retratos matrimoniales, situando la figura del hombre y la mujer en el mismo plano pictórico, y de impregnar a sus obras de una enorme profundidad conceptual y de una libertad estilística inaudita. Lotto también se caracterizó por hurgar en la psique de los personajes, por intentar captar su esencia a través de los estados de ánimo, razón por la que es considerado como el primer retratista moderno.
Giorgone
Los primeros pasos hacia el nuevo estilo veneciano seguramente los dio Giorgione (diez años mayor que Tiziano), pero la autoría de algunas de las obras que llevaron a la cima esta forma de pintar no está clara. La Venus dormida, primer desnudo reclinado de la historia, casi con seguridad fue obra de los dos: Giorgione la inició y Tiziano la finalizó. Concierto campestre, en que se basó Manet para su escandaloso Almuerzo desnudo, se cree más obra de Tiziano que de su maestro, compañero o rival.
Entre la bruma en torno a su obra y su vida, solo un dato asoma como certero: el año de su muerte. El 25 de octubre de 1510,
Venues dormida
ARTE EN LA EUROPA DEL RENACIMIENTO.
Alemania
Alemania
M. Grünewald: Retablo de Isenheim
A. Durero: Autorretrato
A. Durero: Adán y Eva
Francia
| Maestro de Fontaineblau: La duquesa d’Estrées y su hermana | |||
| Países Bajos | |||
J. Patinir: Paso de la laguna Estigia
H. Holbein: Los embajadores
El Bosco: El jardín de las delicias
P. Brueghel: Los recolectores
P. Brueghel: La Torre de Babel
P. Brueghel: El Triunfo de la Muerte
P. Brueghel: Parábola de los ciegos dirigiendo a los ciegos
P. Brueghel: La boda
| |||
| Alemania | |||
M. Grünewald: Retablo de Isenheim
A. Durero: Autorretrato
A. Durero: Adán y Eva
| |||
Francia
| |||
| Maestro de Fontaineblau: La duquesa d’Estrées y su hermana | |||
Países Bajos | |||
J. Patinir: Paso de la laguna Estigia
H. Holbein: Los embajadores
El Bosco: El jardín de las delicias
P. Brueghel: Los recolectores
P. Brueghel: La Torre de Babel
P. Brueghel: El Triunfo de la Muerte
P. Brueghel: Parábola de los ciegos dirigiendo a los ciegos
P. Brueghel: La boda
| |||
No solo fue uno de los hombres más aplaudidos por su época, en la que se erigió en uno de los artistas más versátiles, inspirado por el magisterio espiritual de Leonardo da Vinci. también fue un hombre avanzado a su tiempo, además de uno de los primeros artistas en el sentido moderno. El pintor y grabador alemán convirtió su firma en una marca personal e intransferible
El tiempo que le tocó vivir a Durero, nacido en 1471, fue el de los malos augurios que acompañaron el cambio de siglo, uno de esos reflejos supersticiosos de los que nuestra cultura todavía no se ha desprendido. Por aquellos días, sus contemporáneos solían detectar síntomas de un Apocalipsis inminente en todos los rincones. Según la exégesis de las sagradas escrituras, los acontecimientos anormales constituían avisos de que el fin de los días se acercaba. Durero no quedó al margen de esta fiebre preapocalíptica, como demuestra la conocida serie de doce grabados realizada en 1498, en la que figuran desde los cuatro jinetes hasta la prostituta de Babilonia. Muchos de sus grabados dieron cuenta del nacimiento de gemelos siameses y extraños animales, como La cerda monstruosa de Landser, con dos cuerpos y una sola cabeza, considerado otro síntoma de que el fin del mundo estaba a punto de llegar. Durero reprodujo sus grabados a través de la imprenta y los difundió por centenares por todo el país. "Con una tirada de mil ejemplares o más, estos folletos impresos son considerados precursores de los medios de masas modernos. Estaban disponibles en ferias de ganado y libreros, pero también eran distribuidos por comerciantes itinerantes que recorrían el país vendiendo de puerta en puerta"
Retrato de una mujer con pelo trenzado', realizado por Durero en 1497. / bpk / Gemäldegalerie, SMB / Jörg P. Anders
DURERO Los distintos fragmentos del llamado 'Altar de Heller'. MUSEO DE HISTORIA DE FRÁNCFOR
DURERO Retrato de una mujer con pelo trenzado', realizado por Durero en 1497. bpk Gemäldegalerie, SMB Jörg P. Anders
PINTORES FLAMENCOS
PRIMERA GENERACION
VAN EYCK "VIRGEN CON EL CARDENAL VAN PAEL"
VAN EYCK. "VIRGEN DEL CARNCILLER ROLIN"
VAN EYCK "LOS DESPOSORIOS DEL MATRIMONIO ARNOLFINI"
VAN DER WEYDEN "EL DESCENDIMIENTO"
2º GENERACIÓN
VAN DER GOES. "ADORACIÓN DE LOS PASTORES"
Los embajadores' de Hans Holbein.
Cupido se queja a Venus' de Lucas Cranach el Viejo
La crucifixión', pintura anónima de los altares de Aquisgrán.
EL BOSCO
Hieronymus Bosch,El Bosco
EL BOSCO. "EL JARDÍN DE LAS DELICIAS"
El tríptico cerrado muestra en grisalla el final del tercer día de la Creación. El tríptico abierto contrasta, por la brillantez de su color, con la grisalla del reverso, con sus tres paneles distribuidos en tres planos superpuestos gracias a la elevación de la línea del horizonte. En el izquierdo, dedicado al Paraíso terrenal, aparece en primer plano Dios -identificado por sus rasgos con Cristo- en medio de Adán y Eva, quedando a su izquierda el drago, un árbol procedente de Canarias que se asocia con el Árbol de la Vida. Se trata, por tanto, de la presentación de Eva a Adán, tema muy poco frecuente en las representaciones del Paraíso. En el plano medio encontramos, en el centro, la Fuente de los Cuatro Ríos del Paraíso, y a la derecha, el Árbol de la Ciencia del Bien y del Mal, con la serpiente enrollada en el tronco. El panel central -que da nombre al tríptico- está poblado por gran número de figuras humanas, animales, plantas y frutas. Las primeras -desnudas a excepción de la pareja del ángulo inferior derecho, que se suele identificar con Adán y Eva tras su expulsión del Paraíso-, ya sean hombres o mujeres, blancos o negros, aparecen en general en grupos o en parejas. Los animales -reales o fantásticos- muestran dimensiones muy superiores a las normales, al igual que las plantas o las frutas. No hay duda de que en esta tabla el Bosco representa el mundo entregado al pecado, y muestra a hombres y mujeres manteniendo relaciones -algunas contra natura- con una fuerte carga erótica alusiva al tema dominante en esta obra, el pecado de la lujuria. En el plano medio vemos un estanque lleno de mujeres desnudas. A su alrededor gira un grupo de hombres sobre distintas cabalgaduras, que se relacionan con todos los pecados capitales. En el superior el pintor incluye cinco construcciones fantásticas sobre el agua, la central similar a la Fuente de los Cuatro Ríos del panel del Paraíso, aunque resquebrajada para simbolizar con ello su fragilidad y el carácter efímero de las delicias que gozan los humanos que pueblan este jardín. En el panel derecho se representa el Infierno, el más impresionante de los conocidos del pintor, denominado en ocasiones Infierno musical por la importante presencia de instrumentos musicales utilizados para torturar a los pecadores que dedican su tiempo a la música profana. De toda la escena, lo que más atrae la atención es el plano medio con la figura del hombre-árbol -asociado con el demonio-, tanto por su color claro sobre fondo oscuro, como por su gran tamaño en relación con los otros seres representados. Si en el jardín de las delicias dominaba la lujuria, en el infierno reciben su castigo todos los pecados capitales. Buen ejemplo de ello es el monstruo sentado en el primer plano, a la derecha de la tabla, que devora hombres y los expulsa por el ano -los avaros-. Y, sin duda, alude a los glotones -al pecado de la gula- el interior de taberna del tronco del hombre-árbol, en el que los personajes desnudos sentados a la mesa esperan a que los demonios les sirvan sapos y otros animales inmundos, al igual que el suplicio del agua helada se destina a los envidiosos. Tampoco faltan castigos para los vicios censurados por la sociedad de la época, como el juego, o para alguna clase social, como el clero, tan desprestigiado entonces, como se verifica en el cerdo con toca de monja que abraza un hombre desnudo, abajo a la derecha de la tabla. El jardín de las delicias es una obra de carácter moralizador -no exenta de pesimismo- en la que el Bosco insiste en lo efímero de los placeres pecaminosos representados en la tabla central. El pecado es el único punto de unión entre las tres tablas. Desde su aparición en el Paraíso con la serpiente y Eva -que asume la culpa de la expulsión del Paraíso, como es propio de la misoginia medieval- el pecado está presente en el mundo -pese a que se muestre como un Paraíso terrenal engañoso a los sentidos- y tiene su castigo en el Infierno (Texto extractado de Silva, P. en: 100 Obras Maestras del Museo del Prado, Museo Nacional del Prado, 2008, p. 28).
El infierno, El Jardín de las delicias - EL BOSCO
La creacion
Hieronymus Bosch,El Bosco de una familia de pintores, los Van Aken, originarios de la germana Aquisgrán. Vivía y trabajaba en su propio tiempo, Hijo y nieto de pintores, y miembro como ellos de un gremio, ejercía su oficio en un sistema de producción muy reglado, en el que ser pintor no tenía nada de particular. Probablemente esa posición estaba reforzada porque vivió siempre en una ciudad provincial, Hertogenbosch, no en uno de los centros que en Flandes o en Italia marcaban los caminos más renovadores en el arte. Felipe II de España figuró entre los principales admiradores de sus visiones místicas, menos cercano al Renacimiento que a los bestiarios fantásticos y a los capitales abigarrados de siglos anteriores. un predecesor de las alucinaciones y las irracionalidades del surrealismo, ese movimiento en el que abundaron tanto los expertos en autopromoción. El mérito de El Bosco, como el de los profetas del Antiguo Testamento, habría sido anunciar con quinientos años de anticipación a André Breton. , los cuadros del Bosco invitan a sumarse a un mundo en movimiento perpetuo, reflejo de la condición humana.con cielos llenos de ángeles que llevan a los justos de la mano. Pero también con infiernos abiertos a la espera, monstruos y aberraciones reflejadas por el pintor. Algunos siguen siendo difíciles de interpretar,
Las tentaciones de san Antonio' de El Bosco en el Museo Nacional de Arte Antiguo de Lisboa.
'Las tentaciones de San Antonio Abad’, obra de la colección del Museo del Prado.
El Bosco la gran mayoría de esos seres que pueblan sus pinturas pertenecen a repertorios simbólicos que eran de conocimiento común en su tiempo. El Bosco no se dedicaba a escandalizar a los biempensantes, como aseguran que hacen algunos de los artistas más celebrados y mejor pagados de la actualidad, sino a representar el mundo de acuerdo con un idioma visual que nos parece indescifrable no porque lo sea, ni porque hubiera nacido de la fiebre visionaria o trastornada de su imaginación, sino porque se ha perdido una gran parte del conocimiento necesario para comprenderlo. De vez en cuando, sus imágenes son traslaciones literales de proverbios en holandés, o incluso de giros o juegos de palabras. Su mundo es el del milenarismo a la vez religioso y político de la tardía Edad Media, el de las danzas de la muerte, las celebraciones carnavalescas, la sátira de la desvergüenza de los frailes, la exigencia de una piedad interiorizada y contemplativa que poco después daría lugar a la Reforma.
La nave de los necios (1500), la tabla representa el viaje de la humanidad hacia la locura. En este caso, hacia el fuego eterno por culpa de una existencia libertina. La obra toma su título de un poema satírico escrito por el teólogo alsaciano Sebastian Brant, que denuncia la estupidez, y El Bosco subraya con sus condenados la responsabilidad humana sobre sus actos.
El carro de heno (1510-16)
Su argumento es conocido. Una muchedumbre sin distinción de clase, del Papa al mendigo, tiran del carro camino del infierno contemplados por Dios desde el Cielo. “Es tal la riqueza de personajes y escenas, que la mirada no puede abarcarlo todo”, reza el catálogo.
Niño Jesús con la cruz a cuestas (1490-1510).
Es un óleo sobre roble donde, por un lado, el Niño aprende a andar con un tacataca. Parece un pequeñajo cualquiera, pero no. Del otro, lleva ya la cruz a cuestas.
Ecce Homo (1475-85),
casi puede oírse a Poncio Pilato y a la muchedumbre poco antes de la Crucifixión. Una marea de personajes bosquianos capaces de reflejar lo mejor y lo peor a pesar de su tamaño, a veces minúsculo.
La humanidad parece haber perdido la razón, el hombre se deja llevar por los pecados capitales. Pero, no todo está perdido, Cristo, representado en el anillo interior del gran círculo, la pupila, vigila a los hombres, según indica la inscripción en latín junto a él: CAVE, CAVE D[OMIN]US VIDET [Cuidado, cuidado, Dios está mirando].Cinco círculos, uno grande en el centro semejando un gran ojo, con los siete pecados en su anillo exterior, y cuatro pequeños en los ángulos ilustrando las Postrimerías: Muerte, Juicio, Infierno y Gloria. obra de carácter moralizador, como lo demuestran los letreros explicativos incorporados.
vision-de-thondal-taller-el-bosco-museo-lazaro-galdiano
MANIERISMO
El Bosco, Mesa de los pecados capitales, entre 1490 y 1510
vision-de-thondal-taller-el-bosco-museo-lazaro-galdiano
el-juicio-final
la coronacion d espinas
Extracción de la piedra de la locura
El Bosco; La Adoración de los Magos; Hacia 1494
con una gran ciudad al fondo donde se aprecian unos grandes y fantásticos edificios. En primer plano los Magos entregan sus ofrendas y sobre el suelo uno de los regalos lleva tallada la escena del sacrificio de Isaac, prefiguración de la Pasión de Cristo. En los ropajes de Gaspar se representa la visita de Salomón a la reina de Saba, antecedente de la propia visita de los Magos al Niño. Mediante estos recursos el autor recrea dos niveles de lectura, vinculando pasajes del Antiguo y del Nuevo Testamento.MANIERISMO
Surge como contestación al clasicismo renacentista y dará paso al Barroco.
Características generales: alargamiento de las figuras; mayor densidad en las composiciones; temas extraordinarios; tonalidades frías.
LAOCONTE. EL GRECO.
PARA SABER MÁS, VER:
ART-RENACIMIENTO-MANIERISMO
Bonito paseo por el Renacimiento, gracias por tu información.
ResponderEliminarUn saludo.