Las Vanguardias artísticas del S. XX.
ARTE S. XX. PINTURA DE LA 1/2ª S. CUBISMO.PICASSO. JUAN GRIS
El Cubismo
ESQUEMA
– El Cubismo:
Intencionalidad y características
Cubismo Analítico y Cubismo Sintético
P. Picasso
G.Braque
- Violín y candelabro. 1910.
- Violín y pipa. 1914.
J. Gris:
- Mujer sentada. 1917.
- Retrato de Josette. 1916.
PARA SABER MÁS, VER:
- Juan Gris, el tercer hombre del cubismo,
Orfismo de R. Delaunay
Tubismo: F. Léger
tom
CUBISMO
Antecedentes Matisse, Braque, el neoimpresionismo de Seurat y Signac con su tendencia a la construcción ordenada y a la estructuración geométrica, pasando por la obra de Cezanne y su consideración de la naturaleza por medio de los tres volúmenes típicos (cilindro, esfera y cono) influyeron notablemente en este movimiento.
PARA SABER MÁS, VER:
En 1909, se hallaba formado el grupo, y en el XXV Salón de los Independientes, celebrado ese mismo año, Vauxcelles se refería a ellos como “los caprichos cúbicos”, dando así el nombre a la tendencia. Por primera ven en la historia de la pintura se recogían por escrito las características e inquietudes de una tendencia pictórica, siendo su discurso tan importante como la misma práctica artística.
Así lo hizo Guillaume Apollinniaire en su texto “Los pintores cubistas”. Engloba bajo la etiqueta del cubismo, cuatro tendencias diferentes:
1) Científica. Picasso, Braque y Gris. Define esto como el arte de pintar composiciones nuevas con elementos extraídos no de la realidad de la visión sino de la realidad del conocimiento.
2) Física. Le Fauconnier. Pese a pertenecer al cubismo por la disciplina constructiva, extraía la mayor parte de los elementos de sus composiciones de la realidad de la visión. Tiene un gran porvenir como pintura de historia. Su papel social es muy relevante, pero no es un arte puro. En él se confunden el tema con las imágenes.
3) Orfica. Delaunay (1885-1941), Leger, Picabia y Duchamp. Las composiciones estaban integradas por elementos extraídos no de la realidad visual sino enteramente creados por el artista y dotados por él de una poderosa realidad. Sus obras debían presentar simultáneamente un placer estético puro, una construcción que quepa bajo los sentidos y una significación sublime.
4) Instintivo. Las composiciones no tendrán su origen en la realidad visual, sino en lo que sugiere el artista el instinto y la intuición. Se le enlaza con el impresionismo francés, aunque no se le escapa la coincidencia entre estas características con el arte de Kandinsky esos mismos años. Pablo Ruiz
Picasso (1881-1973) y George Braque (1882-1963) son los fundadores del movimiento, además, otro español y madrileño, Juan Gris (José Victoriano González 1887-1927), forma junto con los mencionados la trilogía cubista por excelencia.
Entre 1907 y 1914, ambos autores Braque y Picasso abandonan las nociones tradicionales de perspectiva, escorzo y modelado para representar la tridimensionalidad y el volumen sobre un plano bidimensional. Inventan el cubismo analítico y el cubismo sintético. En el primero, las formas son geométricas, y los colores, apagados y austeros. En el segundo, desde 1912, el color reaparece con mucho más protagonismo; es mucho más fuerte, y las formas, más decorativas. A veces experimentan incorporando letras recortadas y pedazos de periódicos para integrar en la obra fragmentos de la realidad. Eran los famosos collages,que con gran entusiasmo realizarían también otros artistas de su entorno.
Desaparición de la perspectiva.
- Uso de una gama de colores apagada (grises, pardos y verdes suaves)
- Introducción de la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto (vista de frente y de perfil, por ejemplo, con lo cual desaparece el punto de vista único (ya había desaparecido en el fauvismo)
- Referencia a un espacio fijo e inmutable.
- Atención a la cuarta dimensión: el tiempo como un factor más de la pintura.
- Autonomía creciente del cuadro, que afirma su realidad con independencia de las posibles referencias naturalistas (un vangogh, un picasso.
Lo
que se insinuaba con el cubismo no era solamente una transformación del
arte, sino una nueva manera de ver el mundo, de situarse ante las
cosas.
GEOGE BRAQUE
El movimiento fue denominado así por primera vez en 1908 en una reseña
firmada por Louis Vauxcelles sobre una exposición de Georges Braque
(1882-1963). Allí se hablaba de manera despectiva de cubos y
extravagancias cúbicas. No sabía el crítico que Braque, junto a Picasso,
desarrollaría un movimiento que supuso uno de los grandes puntos de
inflexión en el arte occidental. Braque y Picasso trabajaron
conjuntamente hasta el estallido de la I Guerra Mundial. El francés se
alistó en el frente, y a su vuelta seguiría por derroteros creativos
ajenos al español, aunque mantuvieron una férrea amistad hasta el final
de sus días.
«Cézanne fue su modelo pictórico y ético» Pinta, como él, paisajes geometrizados de L’Estaquee impregna de primitivismo sus figuras. Pero fue Picasso una de sus grandes obsesiones. Desde aquel día de 1907 en que Guillaume Apollinaire le llevó al estudio del Bateau-Lavoir en Montmartre para ver unas «Señoritas de Aviñón» que cambiaron el rumbo de la Historia del Arte.
sus orígenes fovistas, inicios del cubismo, la invención del collage o sus escenografías, incluye fotografías y documentos que desvelan una personalidad retraída a veces, libre siempre y absolutamente entregado al experimento artístico.
En el frente, Georges Braque sufre una grave herida en la cabeza. Después de una larga convalecencia, a mediados de 1917 se siente capaz de volver a pintar. Su estilo se hace menos angular, y las curvas, más estilizadas. A veces, añade arena para resaltar la textura de los lienzos. Pinta naturalezas muertas, desnudos y sus famosas cenéforas —mujeres desnudas con cestas de flores en la cabeza—, una mirada al clasicismo de la pintura francesa que le causó agrias críticas.
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Guitarra y vaso, 1917 (detalle)
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Naturaleza muerta con mantel rojo' (1934, Óleo sobre lienzo, 81 x 101 cm)
son radicalmente distintos sus bodegones, instrumentos y musicantes que emplearon el lenguaje analítico del cubismo hacia 1910 de las naturalezas muertas e interiores de la década de 1940, en los que el arabesco orgánico y el gusto del color se vuelcan en la celebración no analítica de lo sensitivo
«Cézanne fue su modelo pictórico y ético» Pinta, como él, paisajes geometrizados de L’Estaquee impregna de primitivismo sus figuras. Pero fue Picasso una de sus grandes obsesiones. Desde aquel día de 1907 en que Guillaume Apollinaire le llevó al estudio del Bateau-Lavoir en Montmartre para ver unas «Señoritas de Aviñón» que cambiaron el rumbo de la Historia del Arte.
sus orígenes fovistas, inicios del cubismo, la invención del collage o sus escenografías, incluye fotografías y documentos que desvelan una personalidad retraída a veces, libre siempre y absolutamente entregado al experimento artístico.
En el frente, Georges Braque sufre una grave herida en la cabeza. Después de una larga convalecencia, a mediados de 1917 se siente capaz de volver a pintar. Su estilo se hace menos angular, y las curvas, más estilizadas. A veces, añade arena para resaltar la textura de los lienzos. Pinta naturalezas muertas, desnudos y sus famosas cenéforas —mujeres desnudas con cestas de flores en la cabeza—, una mirada al clasicismo de la pintura francesa que le causó agrias críticas.
son radicalmente distintos sus bodegones, instrumentos y musicantes que emplearon el lenguaje analítico del cubismo hacia 1910 de las naturalezas muertas e interiores de la década de 1940, en los que el arabesco orgánico y el gusto del color se vuelcan en la celebración no analítica de lo sensitivo
Sin dejar nunca las naturalezas muertas, una constante en todo su trabajo, a partir de la década de los treinta, Braque se abre a nuevas fuentes de inspiración, como la introducción de figuras humanas en su obra,
Aunque en España escasean llamativamente las obras de Braque, es bien conocida la proximidad de éste a artistas españoles, mucho mejor representados entre nosotros. De la alianza cubista entre Picasso y Braque, iniciada a finales de 1907, derivó “la” aventura por excelencia de la pintura moderna. El pintor de Argenteuil estuvo también entre los privilegiados que trataron a Manolo Hugué. Mucho más estrecha fue después su relación con el trabajo de Juan Gris, e importantísimo su magisterio para un pintor de la calidad de Francisco Bores
. Con Juan Gris compartió horas de trabajo, pero también el primado del método deductivo o idealista, cuyo modelo se identificó indistintamente con el arte negro y el arte egipcio. Juan Gris decía que su método de trabajo era deductivo por ir de lo general a lo particular, porque de las relaciones entre los elementos pictóricos puros (formas y colores) derivaba el tema del cuadro, porque desde la estructura abstracta del cuadro se fundaba, fabricaba y alumbraba el asunto particular que en el cuadro toma vida. El método deductivo se oponía al de la pintura que va de lo particular a lo general, que imita un aspecto de la realidad y lo idealiza en el cuadro. Braque lo expresó así: “No se debe imitar lo que se quiere crear. No se imita el aspecto: el aspecto es el resultado”
PARA SABER MÁS, VER:
PICASSO
P. Picasso. Evolución artística:
Obras de juventud:
- La primera comunión. 1896.
- Ciencia y caridad. 1897.
Picasso Modernista:
- Mujer en azul. 1901.
La serie azul:
- El Viejo guitarrista ciego. 1903.
- La vida. 1903.
La serie rosa:
- Mujer en camisa. 1905.
Cubismo analítico:
- Retrato de Getrude Stein. 1906.
- Las señoritas de Avinyó. 1907.
- Paisaje de Horta de Ebro. 1909.
- Retrato de A. Vollard. 1910.
- Muchacha con mandolina. 1910.
- El poeta. 1911.
Picasso, 1918 arlequin au loup
Cubismo sintético:
- Violín colgado en la pared. 1912.
- Los tres músicos. 1921.
El aficionado, 1912.
Picasso clásico:- Arlequín con espejo. 1923.
- Mujer e hijo a orillas del mar. 1921.
- Mujeres corriendo en la playa. 1922.
PICASSO Arlequín sentado (1923
Los años treinta:- Bañista a la orilla del mar. 1930.
- Retrato de Dora Maar. 1937.
- El Guernika. 1937
Picasso: Gernika. 1937. 350 x 782
Pablo Picasso no pasaba por su mejor momento cuando pintó en mayo de 1937 el Guernica. La
Guerra Civil destruía España y la II Guerra Mundial estaba a las
puertas de asolar Europa. El Gobierno de la República decidió participar, en plena Guerra Civil, en la Exposición Internacional de París de 1937. La insistencia del Gobierno de Negrín le empujó a aceptar el encargo para el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París. "Si tenemos a Picasso en cuerpo y alma, el impacto será mayor que una batalla ganada en el frente a los fascistas", le atribuyen al último presidente de la República.El pabellón español fue diseñado por Luis Lacasa y Josep Lluís Sert, una joya arquitectónica que albergó tanto en su interior, como en el jardín, grandes tesoros. Allí estaban «El segador», de Miró; la «Montserrat», de Julio González; la «Fuente de Mercurio», de Calder, «El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella», de Alberto Sánchez... También varias obras de Picasso: «La dama oferente», «Cabeza de mujer», «Busto de mujer», «Bañista»... Pero, sin duda, la joya del pabellón fue el «Guernica».
No se equivocó, el impacto del lienzo de 349,3 por 776,6 centímetros fue enorme. Pero cuentan que el «Guernica» no tuvo una buena acogida en la Exposición de París. Tuvo que pasar el tiempo para que fuera entendido y reconocido. Se ha convertido en símbolo de la guerra univers
Hay siete figuras principales: el toro, el caballo, el soldado muerto y cuatro mujeres: una con su hijo muerto en brazos, otra con los brazos en alto saliendo de una casa en llamas, otra portando una lámpara en su mano y una cuarta arrodillada. Entre el toro y el caballo pintó una paloma, apenas reconocible. De cromatismo sencillo, las figuras que están tratadas de esa manera tan reconocible, picassiana. Podemos observar el cuadro en sus detalles y lo comprendemos todo. Pero en su conjunto es polisémico, podríamos estar aquí años tratando de interpretarlo. Es un paisaje mental, cultural, y también político del siglo XX
Aún hoy, cuando se cumplen tres décadas de su llegada a España el 10 de septiembre de 1981, sigue incrustado en la retina de nuestro tiempo.Pero el Guernica y su simbología, sobre la que el pintor jamás quiso pronunciarse, siguen despertando preguntas, elucubraciones e investigaciones. En 2012 se puso en marcha el Reina Sofía un innovador proyecto de investigación, «Viaje al interior del Guernica», con el que se está llevando a cabo un nuevo estudio. Para ello se diseñó un robot de 9 metros de largo y 3,5 de alto, controlado por ordenador, que se desplazaba delante del cuadro. Se tomaron más 24.000 fotografías en altísima resolución con luz natural, ultravioleta, infrarroja... Aún faltan las conclusiones. Se va
Mujer con sombrero sentada en un sillón, 1941-1941
Últimas etapas:
- Busto de mujer con sombrero. 1962.
- Serie de Las Meninas
- Masacre en Corea
- Autorretrato. 1973
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PICASSO La pareja, 1967
PARA SABER MÁS, VER:
El rumbo de la vida de Sonia se transforma por completo cuando encuentra al pintor Robert Delaunay, con quien se casa en 1911. Juntos emprenden una aventura artística que no es sino la investigación que lleva al cubismo un paso más allá a través del uso de los colores. A lo largo de su vida en común crean, de hecho, una simbiosis en la cual los papeles están bien divididos y al tiempo forman un todo sólido. El arte pictórico de Robert es la otra cara de las artes aplicadas de Sonia, aunque en muchos casos es ella quien toma la iniciativa, quien apura la investigación un paso más allá,
cuando nace su hijo, Sonia se apresura a hacerle una colcha para la cuna con trozos de tela de colores, una especie de patchwork que es para muchos el origen de su modo de acercarse al arte.
Fernand Leger, 1923 las dos figuras
colcha que la artista Sonia Delaunay
cuando nace su hijo, Sonia se apresura a hacerle una colcha para la cuna con trozos de tela de colores, una especie de patchwork que es para muchos el origen de su modo de acercarse al arte.
Esa apuesta por las mal llamadas “artes aplicadas” tiene sus raíces en el movimiento Arts and Crafts inglés, donde una pintura no es superior al diseño de un vestido o un jarrón
Delaunay para ilustrar el catálogo de una exposición en Estocolmo en 1916.
Desnudo pintado por la artista en 1908 que se conserva en el Museo de Bellas Artes de Nantes
LEGER
Tubismo
El caso de Fernand Léger (1881-1955) es diferente. Empezó a cursar arquitectura pero la dejó por la pintura, atraído por el postimpresionismo que aún daba sus últimas pinceladas en la entonces capital del mundo del arte. Su visita a la famosa exposición de 1907 de Paul Cézanne en la que abogaba por las formas cónicas y cilíndricas le hizo replantearse su arte, como a tantos otros creadores de las vanguardias históricas.A partir de entonces y también bajo la influencia de Picasso y Braque, Léger (1881-1955) desarrolló un cubismo muy personal de gran colorido y de una temática muy personal, las máquinas, obsesión que compartía con los futuristas italianos y temática social.
: Bajo el impacto del cubismo analítico, pintó sus “Desnudos en el bosque”. Este cuadro mostraba una reducción de las figuras y de los objetos a una extraña combinación de tubos grisáceos y verdosos. En “Contrates de formas”, mostraban cilindros, troncos de cono y planos metálicos amontonados, sin que podamos reconstruir un asunto, o un género pictórico tradicional. Léger geometrizó todavía más su estilo, siendo en los años 20 el pintor que mejor reflejó la fascinada obsesión por el mundo de las máquinas.
LEGER
Tubismo
El caso de Fernand Léger (1881-1955) es diferente. Empezó a cursar arquitectura pero la dejó por la pintura, atraído por el postimpresionismo que aún daba sus últimas pinceladas en la entonces capital del mundo del arte. Su visita a la famosa exposición de 1907 de Paul Cézanne en la que abogaba por las formas cónicas y cilíndricas le hizo replantearse su arte, como a tantos otros creadores de las vanguardias históricas.A partir de entonces y también bajo la influencia de Picasso y Braque, Léger (1881-1955) desarrolló un cubismo muy personal de gran colorido y de una temática muy personal, las máquinas, obsesión que compartía con los futuristas italianos y temática social.
: Bajo el impacto del cubismo analítico, pintó sus “Desnudos en el bosque”. Este cuadro mostraba una reducción de las figuras y de los objetos a una extraña combinación de tubos grisáceos y verdosos. En “Contrates de formas”, mostraban cilindros, troncos de cono y planos metálicos amontonados, sin que podamos reconstruir un asunto, o un género pictórico tradicional. Léger geometrizó todavía más su estilo, siendo en los años 20 el pintor que mejor reflejó la fascinada obsesión por el mundo de las máquinas.
Fernand Leger, 1923 las dos figuras
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