Rodin Eva tras la expulsión
PARA SABER MÁS, VER:
Las formas de la escultura
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Se incorpora el tema social al trabajo.
Destacan las formas móviles (expresando continuo movimiento)
La evolución de la escultura:
- C. Brancusi
- Pablo Gargallo
- Julio González
- Dans Arp
- La escultura cinética:
A. Calder
- La escultura orgánica:
C. Brancusi:
- Mademoiselle . Pongany. 1913.
- Musa dormida. 1910.
- El beso. 1907.
P. Gargallo:
- Kikí de Montparnasse. 1928.
- Greta Garbo con mechón. 1930.
- Gran profeta. 1933
J. González:
- Daphne. 1937.
- Mujer ante el espejo. 1937.
- Montserrat. 1937.
A. Calder:
- Langosta, nasa y cola de pez. 1939.
- Móvil. 1941
H. Arp:
- Crown of Buds II. 1936.
- Torso de mujer. 1953.
H. Moore:
- Recumbent Figure. 1938.
ARTE
POVERA: La Venus de los harapos», escultura de mármol rodeada de trapos
que Pistoletto creó en 1967. «Representa la permanencia de la historia
y, al mismo tiempo, el cambio cotidiano. La inmutable belleza marmórea
de la Venus recuerda a la antigüedad, mientras que los trapos evocan el
proceso de transformación, el de las modas que pasan y la degradación de
la materia: resultan de un sistema consumista", según el artista.
LA ESCULTURA A LO LARGO DEL SIGLO XX
La escultura contemporánea es el arte que experimenta una revolución más radical en el siglo
XX. Sus tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo al de la pintura y en bastantes casos los pintores cultivan también la escultura.
La escultura sufre en el XX una revolución radical, que levemente se apuntaba ya en algunos escultores desde mediados del siglo anterior. Su evolución, más lenta que la pintura, quizá se deba a su mayor supeditación al encargo y a los costosos materiales necesarios, actuando como un freno a la experimentación.
La escultura cobra valor en sí misma, se independiza fuera de un conjunto o ambiente determinado y tiende igual que la pintura a la abstracción y al uso de nuevos materiales.
se desentiende progresivamente de las apariencias realistas, sobre todo por influencia del cubismo, del futurismo y del impresionismo (Lipchitz, Duchamp-Villon).
Del cubismo deriva la técnica del hierro soldado, aplicada por Picasso, González, Calder, D. Smith. La depuración arcaica y simbólica, influye en numerosos escultores, como Moore.
La abstracción geométrica, derivada del constructivismo ruso, quedo desplazada en los años sesenta por el minimalismo norteamericano (LeWitt).
Por las mismas fechas se cultivan intensamente el lirismo y el expresionismo, tanto los abstractos como los abstractos (Giacometti), antes de sufrir la competencia del nuevo realismo (Tinguely, César) y del pop art, expresión del mundo contemporáneo.
Los inicios• Pablo Picasso. Rompe con la tradición formal e introduce la descomposición geométrica como un nuevo lenguaje en la escultura que apuntala el desarrollo de la abstracción, e introduce concavidades que sirven para incorporar el vacío como elemento escultórico. Entre 1904 y 1914 realiza esculturas introduciendo nuevos materiales (chapa, alambre, cordeles), que cobra vida propia con su manipulación.
• Pablo Gargallo (1881-1934) Trabaja con chapas de hierro dándoles formas cubistas. El Profeta.
•Constantino Brancusi (1876-1957). De espíritu independiente, experimenta con inquietud cómo penetrar más allá de la apariencia, hasta llegar a la esencia y alcanzar la belleza eliminando detalles y simplificando formas. Le atrae el volumen cerrado, tradicional, aunque da vida deforma diferente a los objetos con gran simbolismo y estilización. El beso
Período de entreguerras.
•Julio González. Es quizá el principal escultor del periodo en entreguerras. Catalán, de familia de orfebres y herreros, familiarizados con la forja y los diseños ornamentales de joyería modernista, reside en País desde 1900, donde realiza dibujos, pinturas, trabajos de orfebrería y escultura en bronce. En 1937 presenta en la Exposición Internacional de París su Montserrat, de tremendo dramatismo, reflejo del dolor de la situación de una España desgarrada por la guerra. Es el primero en utilizar el hierro de forma sistemática.
XX. Sus tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo al de la pintura y en bastantes casos los pintores cultivan también la escultura.
La escultura sufre en el XX una revolución radical, que levemente se apuntaba ya en algunos escultores desde mediados del siglo anterior. Su evolución, más lenta que la pintura, quizá se deba a su mayor supeditación al encargo y a los costosos materiales necesarios, actuando como un freno a la experimentación.
La escultura cobra valor en sí misma, se independiza fuera de un conjunto o ambiente determinado y tiende igual que la pintura a la abstracción y al uso de nuevos materiales.
se desentiende progresivamente de las apariencias realistas, sobre todo por influencia del cubismo, del futurismo y del impresionismo (Lipchitz, Duchamp-Villon).
Del cubismo deriva la técnica del hierro soldado, aplicada por Picasso, González, Calder, D. Smith. La depuración arcaica y simbólica, influye en numerosos escultores, como Moore.
La abstracción geométrica, derivada del constructivismo ruso, quedo desplazada en los años sesenta por el minimalismo norteamericano (LeWitt).
Por las mismas fechas se cultivan intensamente el lirismo y el expresionismo, tanto los abstractos como los abstractos (Giacometti), antes de sufrir la competencia del nuevo realismo (Tinguely, César) y del pop art, expresión del mundo contemporáneo.
Man Ray. 'Élevage de Poussière. Versión II', fotografía de 1920.
Los inicios• Pablo Picasso. Rompe con la tradición formal e introduce la descomposición geométrica como un nuevo lenguaje en la escultura que apuntala el desarrollo de la abstracción, e introduce concavidades que sirven para incorporar el vacío como elemento escultórico. Entre 1904 y 1914 realiza esculturas introduciendo nuevos materiales (chapa, alambre, cordeles), que cobra vida propia con su manipulación.
• Pablo Gargallo (1881-1934) Trabaja con chapas de hierro dándoles formas cubistas. El Profeta.
•Constantino Brancusi (1876-1957). De espíritu independiente, experimenta con inquietud cómo penetrar más allá de la apariencia, hasta llegar a la esencia y alcanzar la belleza eliminando detalles y simplificando formas. Le atrae el volumen cerrado, tradicional, aunque da vida deforma diferente a los objetos con gran simbolismo y estilización. El beso
Período de entreguerras.
•Julio González. Es quizá el principal escultor del periodo en entreguerras. Catalán, de familia de orfebres y herreros, familiarizados con la forja y los diseños ornamentales de joyería modernista, reside en País desde 1900, donde realiza dibujos, pinturas, trabajos de orfebrería y escultura en bronce. En 1937 presenta en la Exposición Internacional de París su Montserrat, de tremendo dramatismo, reflejo del dolor de la situación de una España desgarrada por la guerra. Es el primero en utilizar el hierro de forma sistemática.
Desde la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad
.• Henry Moore. Para el es más importante la fuerza que la belleza convencional. Uno de sus temas preferidos es la figura femenina reclinada, consiguiendo crear una sugerente mujer, muy vital y madre. Otro tema común es la mujer asociada a la fertilidad, de inspiración prehistórica. Disfruta trabajando el material y descubriendo el camino que este le indica, antes que alterar deliberadamente la forma natural de una pieza de piedra, bella por sí misma. Figura recostada y Madre reclinada e hijo.
• Alexander Calder. Es una figura singular, inventos de la escultura móvil, para la cual estaba muy preparado gracias a sus estudios de ingeniería. Sus "objetos libres", apoyados o colgantes, hechos con láminas de metal, se mueven casi siempre con las mínimas corrientes de aire.
• Eduardo Chillida (1924). Trabaja el hierro, el acero, la madera, el hormigón, el alabastro. Se observa gran elegancia en sus estructuras de corte arquitectónico y majestuosa presencia.
El Cubismo supone la ruptura de finitiva con la tradición. La figura humana pierde su omnipresencia para dejar paso a las formas geométricas. Pero, además de esta, la otra gran característica de la
escultura contemporánea es una cierta propensión al patetismo y que convierte al lenguaje escultórico en otro medio de expresión de la angustia del hombre actual. Estas dos líneas, la geometrización, la
abstracción y la inclusión de espacios por un lado y el expresionismo y la trascendentalización de las formas por otro, son las dos grandes líneas e la escultura, al igual que pasó en la pintura.
Brancusi es el más grande de los in novadores del lenguaje escultó rico. En sus obras hasta 1910
se acerca al Cubismo. Pero poco a poco va uniendo formas cubistas con enfoques expresionistas, creando obras como el Beso,donde insufla un aliento espiritual, un ritmo dinámico, vertical. De momento Brancusi no acepta el arte no figurativo y el punto de partida es siempre algo real, así como tampoco acepta la escultura abierta y sus volúmenes son siempre cerrados.
El expresionismo es, lo mismo que en pintura, una constante del lenguaje escultórico, los artistas descubren pronto la intensidad expresiva de las deformaciones y el vitalismo de los gestos crispados. La tragedia de la Segunda Guerra Mundial provoca una vuelta al expresionismo.
Los escultores insisten en las deformaciones y en los gestos de a ngustia, o en las formas geométricas
gesticulantes.
Brancusi La muse endormie' (1910
Alberto Giacometti investiga en las metamorfosis expresionistas,como en su Figura Alta
Los 30 son años en que el artista experimenta con volúmenes geométricos dispuestos sobre placas o plazas, un modelo creativo que se irá prolongando a lo largo del tiempo como escenario idóneo para desarrollar la concepción escultórica del artista. Sus obras irán paulatinamente simplificándose, adelgazando, perdiendo materia, un proceso que el propio Giacometti explica así: “Después de 1945, me juré que no dejaría que mis estatuas menguaran de tamaño sin parar. Pero sucedió lo siguiente: podía mantener la altura, pero iban adelgazando, adelgazando… se volvían flacas y larguiruchas”.
Son los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial cuando Giacometti ha consolidado su estilización característica y realiza sus plazas, en las que las figuras se disponen relacionándose entre sí, caminantes que reanudan la marcha después de la gran devastación, serie de bronces de los que la muestra expone varios ejemplos.
Su Hombre que camina—de impresionante presencia—surge en estos momentos como metáfora de la búsqueda y del progreso asociados a lo humano. La interrelación entre las figuras, sus modelos emblemáticos—el caminante, la mujer de pie—formarán parte de otros proyectos esenciales como el conjunto realizado para el Chase Manhattan Bank en la plaza donde tienen su sede neoyorquina, en un interés por lo urbano que acompañó al artista a partir de entonces, como campo abonado para mostrar su visión de las relaciones humanas, y que el artista explica de manera vital: “La gente confluye y se separa, después se aproxima para acercarse unos a otros. De este modo, se forman y se transforman sin cesar composiciones vivas de una complejidad increíble. Es la totalidad de la vida lo que me gustaría representar en todo lo que emprendo”. Asombrosamente complejas en su aparente economía, las esculturas de Giacometti se suceden en la sala dando el contrapunto a los trabajos sobre lienzo
.• Henry Moore. Para el es más importante la fuerza que la belleza convencional. Uno de sus temas preferidos es la figura femenina reclinada, consiguiendo crear una sugerente mujer, muy vital y madre. Otro tema común es la mujer asociada a la fertilidad, de inspiración prehistórica. Disfruta trabajando el material y descubriendo el camino que este le indica, antes que alterar deliberadamente la forma natural de una pieza de piedra, bella por sí misma. Figura recostada y Madre reclinada e hijo.
• Alexander Calder. Es una figura singular, inventos de la escultura móvil, para la cual estaba muy preparado gracias a sus estudios de ingeniería. Sus "objetos libres", apoyados o colgantes, hechos con láminas de metal, se mueven casi siempre con las mínimas corrientes de aire.
Calder 'Triple gong', de 1948
La obra ya no es una masa sólida y expuesta sobre un pedestal, sino que cuelga del techo conformando delicadas líneas en el espacio. El reto de combinar la abstracción con el movimiento se convirtió en una obsesión. La creación de formas abstractas, tridimensionales y cinéticas, Calder fue el escultor del movimiento, el pionero del arte cinético e inventor de los móviles, un término acuñado por su amigo Marcel Duchamp para describir sus primeras piezas mecánicas propulsadas por un motor se mueven y transforman constantemente gracias al impulso de un motor, de una ligerísima corriente de aire o incluso por los efectos cambiantes que les imprime la luz. En plena ebullición de las vanguardias, reinventó las posibilidades de la escultura, al forjar retratos en alambre de colegas como Joan Miró o Fernand Léger, de figuras del espectáculo que tuvieron como reina a la cantante y bailarina Josephine Baker, de acróbatas y otros personajes del circo, del teatro y la danza.El Cubismo supone la ruptura de finitiva con la tradición. La figura humana pierde su omnipresencia para dejar paso a las formas geométricas. Pero, además de esta, la otra gran característica de la
escultura contemporánea es una cierta propensión al patetismo y que convierte al lenguaje escultórico en otro medio de expresión de la angustia del hombre actual. Estas dos líneas, la geometrización, la
abstracción y la inclusión de espacios por un lado y el expresionismo y la trascendentalización de las formas por otro, son las dos grandes líneas e la escultura, al igual que pasó en la pintura.
Brancusi es el más grande de los in novadores del lenguaje escultó rico. En sus obras hasta 1910
se acerca al Cubismo. Pero poco a poco va uniendo formas cubistas con enfoques expresionistas, creando obras como el Beso,donde insufla un aliento espiritual, un ritmo dinámico, vertical. De momento Brancusi no acepta el arte no figurativo y el punto de partida es siempre algo real, así como tampoco acepta la escultura abierta y sus volúmenes son siempre cerrados.
El expresionismo es, lo mismo que en pintura, una constante del lenguaje escultórico, los artistas descubren pronto la intensidad expresiva de las deformaciones y el vitalismo de los gestos crispados. La tragedia de la Segunda Guerra Mundial provoca una vuelta al expresionismo.
Los escultores insisten en las deformaciones y en los gestos de a ngustia, o en las formas geométricas
gesticulantes.
Alberto Giacometti investiga en las metamorfosis expresionistas,como en su Figura Alta
Los 30 son años en que el artista experimenta con volúmenes geométricos dispuestos sobre placas o plazas, un modelo creativo que se irá prolongando a lo largo del tiempo como escenario idóneo para desarrollar la concepción escultórica del artista. Sus obras irán paulatinamente simplificándose, adelgazando, perdiendo materia, un proceso que el propio Giacometti explica así: “Después de 1945, me juré que no dejaría que mis estatuas menguaran de tamaño sin parar. Pero sucedió lo siguiente: podía mantener la altura, pero iban adelgazando, adelgazando… se volvían flacas y larguiruchas”.
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| Ernst Scheidegger, Giacometti en su taller, 1960. Colección Fotostiftung Schweiz, Winthertur.© Stiftung Ernst Scheidegger-Archiv. |
Son los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial cuando Giacometti ha consolidado su estilización característica y realiza sus plazas, en las que las figuras se disponen relacionándose entre sí, caminantes que reanudan la marcha después de la gran devastación, serie de bronces de los que la muestra expone varios ejemplos.
Hombre caminando
es una de las obras que mejor sintetiza el estilo del escultor suizo
Alberto Giacometti. Su obra está enmarcada dentro de la escultura del s.
XX. Esta obra es del año 1960.
Su Hombre que camina—de impresionante presencia—surge en estos momentos como metáfora de la búsqueda y del progreso asociados a lo humano. La interrelación entre las figuras, sus modelos emblemáticos—el caminante, la mujer de pie—formarán parte de otros proyectos esenciales como el conjunto realizado para el Chase Manhattan Bank en la plaza donde tienen su sede neoyorquina, en un interés por lo urbano que acompañó al artista a partir de entonces, como campo abonado para mostrar su visión de las relaciones humanas, y que el artista explica de manera vital: “La gente confluye y se separa, después se aproxima para acercarse unos a otros. De este modo, se forman y se transforman sin cesar composiciones vivas de una complejidad increíble. Es la totalidad de la vida lo que me gustaría representar en todo lo que emprendo”. Asombrosamente complejas en su aparente economía, las esculturas de Giacometti se suceden en la sala dando el contrapunto a los trabajos sobre lienzo
Sus famosas mujeres inmóviles y sus célebres hombres caminando ocupan una parte sustancial de la exposición. Cómo los dibujos recogen la visión de una feminidad totémica y primitiva, sobre todo en las mujeres a las que amó, que no fueron pocas: “Giacometti vive varias pasiones determinantes para la evolución de su obra. Antes de la guerra, Isabel Nicholas está en el centro de la crisis de reducción de su escultura, pero, en 1945, el recuerdo de su cuerpo le inspira también una producción en grande que, a partir de 1947, evoluciona gracias al dibujo hacia las grandes figuras delgadas de su estilo de madurez. Comprendiendo que sus relaciones con las chicas son desde hace tiempo un motor de su creatividad, su esposa, Annette, tolera sus relaciones con las camareras de los bares de Montparnasse, donde en 1959 conoce a la indomable Caroline, que marcó los últimos años de su obra”
PARA SABER MÁS, VER:
Alberto Giacometti
En esos años adquiere gran difusión la obra de una figura cumbre, el inglés Henry Moore. Influido por todas las vanguardias, suobra alcanza madurez a partir de 1935. Su humanismo se concreta en
una serie de temas recurrentes: grupo familiar, la maternidad, el guerrero herido, personas echadas. La figura es tratada como si fuera arquitectura, adquiere un aire monumental, incluso cuando es de
pequeño tamaño. Su arte se mueve en tre la abstracción, la figuración y la semifiguración. Es un artista original, difícilmente encajable, aislado de cualquier escuela. Una de las obras más conocidas de Moore, junto con La familia, es esta Figura Reclinada, donde se observa una evolución hacia formas cada vez más abstractas. Las deformaciones de los miembros y la potencia sugestiva de los espacios vacíos que separan las figuras anticipa los huecos o espacios internos de la escultura posterior.
Henry Moore, grupo familiar de ..jpg
La escultura reciente hasta nuestros días.
La evolución escultórica actual pasa por la abstracción y, dentro de ella, la escuela denominada
Constructivismo busca la forma al margen de la masa , prefiriendo un desarrollo de las superficies en el espacio, como si la obra creciera sobre sí misma encerrando espacios. Por eso se prefieren formas
ahuecadas antes que los volúmenes cerrados.
La otra gran incorporación a la escultura contemporánea es el movimiento. La escultura tradicional había reflejado el movimiento fijo, como en una instantánea. Al principio de siglo los escultores futuristas superponen láminas o deshacen las superficies rugosas para presentar posiciones
sucesivas de una figura. El siguient e paso es incorporar espacio en el interior de la escultura, el
volumen abierto produce formas de continuidad en el espacio, posiciones sucesivas en las que la figura“conquista” fragmentos de espacio.
Pero el último paso lo da la escultura cinética, inspirador a de obras que se sostienen de
manera inestable sobre un precario punto de apoyo, que giran con el viento o que se mueven de forma continua por un sistema descompensado de pesos.
Así surgen, por ejemplo, los Móviles de Calder.
INSTALACIONES
ART-INSTALACION
PERFOMANCE
ART-PERFOMANCE
OBRAS
Pájaro en el espacio. K. Brancusi.
Figura recostada. H. Moore.
Móvil. alexander Calder.
Alcanzó la fama a mediados de la década de 1980. Forma parte de un grupo de artistas que se sirven del lenguaje de la publicidad, el marketing y la industria del ocio para crear sus obras. Años después de que ya lo hicieran Dalí y Warhol, Koons borra los límites entre cultura popular y alta cultura y se sirve de iconos pop para comunicarse con las masas. Es uno de los artistas más influyentes del mundo: Al igual que otros reconocidos artistas como Damien Hirst y Takashi Murakami, Koons tiene un taller con una treintena de ayudantes que son quienes ejecutan las ideas del artista en sus obras finales.
Pertenece a la ambiciosa serie «Celebración (Celebration)», iniciada por Koons en 1994. Inspiradas en los objetos genéricos y populares asociados a las fiestas de cumpleaños, vacaciones y otros acontecimientos festivos (desde un gorro de fiesta y un trozo de tarta a corazones y huevos de Pascua), las pinturas y esculturas de esta serie reflejan la constante relación de Koons con los elementos propios de la infancia.
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Jeff Koons- Guggenheim Bilbao. Puppy» (1.240 x 830 x 910 centímetros), un gigantesco perro de acero inoxidable y recubierto de flores (cambian cada temporada), realizado en 1992
Cildo Meireles
Adriana Varejao
Artur Barrio
Instalación titulada 'O ignoto' (1996). Barrio (Oporto, 1945) inició sus creaciones empleando bolsas de basura y materiales orgánicos, para lanzar después su manifiesto de denuncia por la situación del Tercer Mundo. Premio Velázquez de Artes Plásticas de 2011, este artista ha trabajado en instalaciones al aire libre, esculturas, cuadernos, pinturas y dibujos
Robert Rauschemberg. 'Blood Orange Summer Glut', 1987.
STREET ART
Nuestro tiempo vendrá. 'Banksus Militus Vandalus".JUSTIN TALLIS
PARA SABER MÁS,VER:
ART-CON-ESC
ESCULTURA DEL SIGLO XX
84 Un siglo de escultura moderna ESPAÑOLA
Enrique Valdearcos Guerrero, http://clio.rediris.es/
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