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Profesor Dep. CCSS, Geografía e Historia. IPEP CÓRDOBA.

729 ARTE Y CULTURA. LOS MOSAICOS DEL ARTE. ¿POR QUÉ SOY UN ARTISTA FRIKI? EXPRESIONES ARTÍSTICAS VANGUARDISTAS

MOVIMIENTOS CULTURALES

ARTE Y CULTURA

C. LOS MOSAICOS DEL ARTE. ¿POR QUÉ SOY UN ARTISTA FRIKI? EXPRESIONES ARTÍSTICAS VANGUARDISTAS

-La Jauría, Joseph Beuys, 1969
Según su concepción, toda persona es potencialmente un artista. Una instalación don trineos cargados de grasa animal, fieltro y una antorcha para guiarse. Así contrapone la capacidad limitada de los medios tecnológicos en caso de un accidente.
La relación con otras disciplinas surge con facilidad. La literatura y la poética se hace presente., 
-La Jauría de Emile Zola. Teórico del naturalismo, sino también como vigoroso narrador del ambiente social y político de su época. En esta obra se centra en el frenesí vital y el círculo al que pertenecen, para recrear, en palabras del autor, la «pintura auténtica del derrumbamiento de una sociedad».
Otras veces son otros medios, como el cine.
-La jauría, Ramírez Pulido, 2022, 86 Eliú, un chico de campo, es encarcelado en un centro experimental de menores en el corazón de la selva tropical colombiana, por un crimen que cometió con su amigo El Mono. Todos los días, los adolescentes realizan un trabajo físico extenuante y una intensa terapia de grupo. Un día, El Mono es trasladado al mismo centro y trae consigo un pasado del que Eliú intenta huir. (FILMAFFINITY). Cineuropa destacó que la película está «dotada de un reparto eminentemente convincente», y que «teje una extraña red donde lo invisible juega con el hiperrealismo mientras explora temas como la verdad, la familia y la libertad»


ESQUEMA

El arte dentro del arte

  • Arte primitivo, oriental, precolombino y africano. Su papel como inspiración para las vanguardias.
  • La pervivencia de lo clásico en el arte y la cultura contemporánea.
  • Cultura popular y Pop art. El Arte pop en España.
  • Relaciones interdisciplinares: literatura, cine, música, fotografía, artes plásticas, cómic, publicidad, artes escénicas, diseño y moda.



CONTEXTO

Si ya hemos escrito sobre las nuevas tendencias estéticas y movimientos culturales en sus contextos contemporáneos, v

Las dinámicas globales y sus consiguientes transformaciones culturales (postmodernidad), particularmente en el campo del arte plantea interacciones que sugieren otras formas de pensar el proceso estético. Cambian las relaciones entre las partes y los elementos que lo constituyen, confluyen y discuten. El arte se populariza y se mercantiliza y profesionaliza. Las artes se especializan, pero a la vez aparecen nuevas relaciones interdisciplinares. Pero cómo hemos llegado a ello. Las vanguardias fueron los antecedentes en la cultura contemporáneas.


¿Con qué obra-continente te quedas?

‘La Gran Ola’ de Hokusa
En ‘La Gran Ola’ aparece en el horizonte, envuelto en nubes de tormenta, en el centro del gran círculo del rompiente. Tres elementos marcan el impacto visual: la multitud de pequeñas garras que forman la cresta de la ola, el punto de vista bajo, que sumerge al observador, y la combinación de azules, en la que domina el azul de Prusia, Hokusai tardó años en llegar a esta solución, tras múltiples pruebas fallidas. En su libro Lecciones rápidas de dibujo simplificado afirma: “A la edad de cinco años tenía la manía de hacer trazos de las cosas. A la edad de 50 había producido un gran número de dibujos. Con todo, ninguno tenía un verdadero mérito hasta la edad de 70 años. A los 73 finalmente aprendí algo sobre la cualidad verdadera de las cosas, pájaros, animales, insectos, peces, las hierbas o los árboles. A la edad de 80 años habré hecho un cierto progreso, a los 90 habré penetrado el significado más profundo de las cosas, a los 100 habré logrado alcanzar lo oculto y a los 110, cada punto, cada línea, poseerá vida propia”. (https://www.traveler.es/articulos/viaje-a-un-cuadro-la-gran-ola-de-hokusai)

Las Dos Fridas de Frida Kahlo
Un autorretrato doble pintado en óleo y terminado en 1939, año en que la artista se divorcia del muralista mexicano Diego Rivera. Mide 173 centímetros de largo por 173 de ancho. La Frida al lado derecho está vestida con un traje simple mexicano de estilo tehuano, y la Frida del lado izquierdo viste un traje blanco de estilo europeo. Ambas tienen el corazón expuesto, con la diferencia de que la arteria del corazón de la Frida mexicana acaba en un pequeño retrato del artista Diego Rivera, y la arteria del corazón de la Frida europea acaba derramando sangre en la zona púbica, cortada intencionalmente con una tijera quirúrgica. Esta obra representa temas claves y transversales de la trayectoria de la artista como lo son la dualidad, los opuestos, la herencia mestiza y la represión de la mujer, mezclado con la simbología que otorga a los objetos y a su propia anatomía.
https://www.culturagenial.com/es/cuadro-las-dos-fridas-de-frida-kahlo/

Anónimo, máscara ceremonial, cultura Kwele de Gabón. Madera, siglo XVIII

Preguntas iniciales y planteamientos generales. ¿Cómo enseñar la obra negroafricana que ha sido objeto de manipulación, distorsión, proyección y transfusión de categorías occidentales a lo largo de la historia? ¿Cómo explicar una obra ajena a nuestros conceptos plásticos y artísticos, que ni tan siquiera encaja en los límites del concepto de arte? ¿Cómo plantear una didáctica del objeto negroafricano cuando en mucho casos, incluido en ámbitos académicos, tenemos que comenzar por defender la posición de la obra en sí misma en cuanto valoración artística? ¿Cómo plantear una didáctica del objeto negroafricano cuando los prejuicios están altamente imbuidos de corrientes de pensamiento neocolonial, cuando no coloniales? ¿Cómo plantear una didáctica sobre arte negroafricano cuando el marco de análisis del objeto está altamente influenciado por condicionantes externos al propio objeto, esto es, política, desarrollo o economía?
Aprender a ver la escultura africana. Guía didáctica ,  http://www.joaquinroncal.org/
Les Demoiselles d'Avignon, MoMA, : Óleo (243.9 × 233.7 cm.)

Picasso se puso a pintar la obra entre junio de 1906 y julio de 1907. No tenía ni idea de que iba a cambiar el arte para siempre.Es evidente que el pintor quería dinamitar lo establecido y romper de una vez con todas con el realismo, incluidas la profundidad espacial y la anatomía humana. Como vemos, el cuerpo de la mujer desnuda se convierte ahora en un conjunto de planos angulares, más marcados cuanto más a la derecha vayamos.Muchos quieren ver en la progresiva deformidad de las mujeres de izquierda a derecha una clara advertencia sobre los peligros de las enfermedades venéreas,
(istoria-arte.com/obras/las-senoritas-de-avignon)

"A mediados del siglo XIX pervivían en los salones artísticos las viejas disputas entre antiguos y modernos a través de las diferentes corrientes estéticas ahora centradas en lo clásico y lo romántico, tomando como principales exponentes de las mismas a Ingres y Delacroix, enfrentados bajo la bandera del gusto por la tradición o la exaltación creativa. Algunos escritores como Flaubert, Zola, Mallarmé o Thoré parecían saber de qué iba el arte moderno, aquél que se nutría de su propio pasado para construir una imagen con inéditas formas expresivas y nuevos valores artísticos. Baudelaire tomó partido por el romanticismo de Eugène Delacroix (1798-1863) símbolo de un estilo indisciplinado y rebelde, convirtiéndole en el origen de su teoría artística que plasmó en El pintor de la vida moderna de 1863, cuyo ideal estético era la libre visión individual del artista a través de un lenguaje actual, adaptado a una nueva época y sin carácter de eternidad. Rechazaba por tanto el estilo de Ingres que se ajustaba más a las tradicionales enseñanzas académicas y los modelos del pasado.

Distanciados de esa controversia y con la perspectiva que da el paso del tiempo, no parece que los pintores del siglo XX olvidaran las innegables destrezas y aportaciones de Ingres a la pintura universal e hicieran de ellas emblema para realizar algunas de las obras más significativas de la pintura contemporánea Esta pervivencia del ideal clásico renovado de Ingres se puede rastrear en muchas manifestaciones artísticas del siglo XX, lo supieron ver muy bien los pintores modernos que vinieron después como Édouard Manet, Edgar Degas, Auguste Renoir, Henri Toulouse-Lautrec Paul Gauguin, y vanguardistas como Henri Matisse, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Chaïm Soutine, Moïse Kisling, Man Ray, Salvador Dalí, Magritte y una interminable lista de creadores que llegaría hasta nuestros días"
https://unpaseoporelprado.elmundo.es/ingres/el-influjo-clasico-en-el-arte-moderno 

La cultura popular reivindica el arte. Durante muchos años, el arte ha sido considerado como un bien exclusivo de la élite. Inaccesible a la mayor parte de la población, las bellas artes han estado bajo el manto de las instituciones estatales. Desde los primeros pintores impresionistas que sacaron sus caballetes al aire libre hasta las nuevas formas de expresión artísticas del mundo moderno, el arte ha conseguido traspasar generaciones y acercarse a las distintas clases sociales
 
Tal vez sea el arte naif la expresión artística más popular . Su ingenuidad parece que es obra de niños.



. Rousseau. Yo mismo. Retrato-paisaje./ El sueño

Sabemos deel Museo Internacional de Arte Naïf Manuel Moral de Jaén tiene su origen en el legado del artista naïf Manuel Moral Mozas, 
 

La cultura popular en la música

El pop es uno de los estilos musicales más extendidos. Como bien indica su nombre, la abreviación de popular music, es música creada con la intención de que agrade a las masas Sse caracterizan por composiciones sencillas, basadas en una estructura repetitiva verso-estribillo, éste último además acostumbra a ser pegadiza y facil de recordar.
 
"Pormenorizando una serie de pautas a seguir: Lectura minuciosa. Dosificación y planificación, incluido sobremanera la de las intensidades del sonido, pedales, reguladores, rubatos, accelerandos y ritardandos. Estudio de la facilidad. Análisis de los movimientos (pueden ser múltiples, y también los micro-movimientos en un planteamiento de máxima naturalidad y facilidad) y perfección de realización junto con el trabajo de mecanización. Concentración máxima. Templanza, pulso, serenidad. Desarrollo máximo de la técnica hasta llegar a ser considerada no como un obstáculo sino como un medio o herramienta. Continuidad y persistencia de meses en la búsqueda de nuestro objetivo, hasta lograr adaptarnos fielmente y hayamos conseguido asimilar/interiorizar la música como si fuera nuestra y que brote de manera natural y artística. Técnica final lo más avanzada posible, compendio del trabajo de varias técnicas. Estudio de la velocidad y del control en un pulso lento. Trabajo de la memoria y seguridad en ella. Puesta a punto final con el sentido de mayor facilidad y naturalidad. Seguridad en el enfoque final interpretativo y en la realización. Enfoque final que englobe una idea completa.
Muchos factores entran en juego cuando nos sumergimos en la búsqueda de la interpretación"(https://www.albertocobo.com, "Interpretación, arte, alma, expresividad, cómo crear emociones. Influencias)

Es en los años cincuenta cuando la expresión pop music comienza a sonar con más fuerza. Eran los tiempos en los que el rock and roll estaba en auge y se utilizaba la palabra pop para referirse a las melodías más suaves dentro del rock. El éxito de la música pop y de su rápido auge fue en parte gracias a la aparición del fenómeno fan. La expansión de la televisión también contribuyó al éxito del pop

Fue en los años sesenta cuando se dio el pistoletazo de salida al cambio. Mientras en Estados Unidos Elvis Presley vive su momento de gloria, el rock and roll llega a Inglaterra y comienza a adquirir matices de otros estilos. De esta forma, se puede considerar que Liverpool es el lugar de nacimiento de la música pop. Así fue como, durante estos años, los músicos y grupos británicos se expandieron a nivel internacional, extendiendo el estilo pop con ellos. Bandas como The Beatles llenaban las listas de éxitos con sus canciones que daban la vuelta al mundo. En este momento la música pop ya era considerada totalmente opuesta al rock. (los40.com)

Las veinte canciones más adictivas de la historia. ¿Estás de acuerdo con el ranking? ¿Cuáles son para ti los temas más pegadizos de la historia?

1) Queen – We Will Rock You, 2) Pharrell Williams – Happy,3) Queen – We Are The Champions,
4) The Proclaimers – I’m Gonna Be (500 Miles), 5) The Village People – YMCA, 6) Queen – Bohemian Rhapsody. 7) Europe – The Final Countdown. 8) Bon Jovi – Livin’ On A Prayer, 9) James Pierpoint – Jingle Bells, 10) Baha Men – Who Let The Dogs Out?, 11) Psy – Gangnam Style, 12) Rick Astley – Never Gonna Give You Up, 13) Journey – Don’t Stop Believin, 14) Mark Ronson – Uptown Funk,
15) Taylor Swift – Shake It Off, 16) Michael Jackson – Beat It, 17) Kaiser Chiefs – Ruby, 18) The Rocky Horror Show – The Timewarp, 19) Meghan Trainor – All About The Bass, 20) Culture Club – Karma Chameleon
https://www.jotdown.es/2015/06/las-mejores-portadas-de-la-historia-de-la-musica/
https://www.revistagq.com/noticias/cultura/articulos/portadas-de-discos-famosas-que-son-obras-de-arte/33583

Nosotros, en nuestra particularidad de país pasamos por la Movida Madrileña que fue un movimiento contracultural que transformó por completo las formas de expresión artísticas en España. La Movida surgió en un momento clave de la historia del país, dotando a la sociedad de una nueva identidad y libertad que había sido renegada hasta entonces. Con sus ideales de rebeldía y liberación (y con una estética muy particular), Como dijo el cineasta Pedro Almodóvar: “No éramos una generación; éramos un movimiento artístico". Se le asocia con la música, los pintores, cineastas, artistas, el graffiti y fotógrafos
Archivo 1985. Edi -editorial_cabeza_de_chorlito ,albertogarciaalix / Mirame y sé color, garcía alix


En los años 90: De la movida a la "ruta del bakalao". Y llegaron las gafas de sol a la noche.
RUTA DEL BAKALAO: POR AQUI FUERON LOS TIROS (2023)
 
 
ACTV/Ruta bakalo-grafica-foto-miguel-lorenzo

El IVAM presenta la exposición ‘Ruta gráfica. El diseño del sonido de València’ reúne el imaginario surgido en torno a los clubs emblemáticos de los años 80 y 90. 3 Marzo 2022. Reúne parte del universo contracultural que surge a principios de los ochenta desde la escena ‘underground’. Dibujantes tan conocidos hoy en día como Mariscal, Miguel Calatayud, Sento Llobell, Micharmut, Daniel Torres, Manel Gimeno o Ramón Marcos, integrantes de la denominada Nueva Escuela Valenciana de Cómic, diseñaron carteles para estas salas en los años ochenta

Y de Valencia a Ibiza. La cultura mediterránea global que nos hace pensar en dance electrónica
Desde Pikes, el hotel ubicado en las colinas que dominan San Antonio, se abrieron Pacha, Amnesia y Club Ku, la música global llego a la isla, y ésta salió de la isla. Los sonidos se reconvierten, los movimientos cultural se transforman, desde los hippies a la moda ibicenca, desde el pop y la música disco hasta llegar a los últimos desarrollos de la música electrónica, del house al techno o el trance.



Arte Pop

Leiamos en la siguiente pregunta, ¿Existe el cine pop? (El Cultural de El Español, 5 agosto, 2014) 

El Museo Reina Sofía inauguraba por la obra de Richard Hamilton, considerado el padre del Pop Art y no de los artistas más influyentes del siglo XX.  La muestra se verá ampliada con un ciclo que, bajo el elocuente título Seducción y resistencia. En los limites del pop, pretende indagar en la fascinación que el medio audiovisual tuvo por la cultura popular y de consumo desde los años 50 hasta finales de los 70. con películas de, entre otros, Andy Warhol, Jean-Luc Godard o los hermanos Kuchar
 Aunque es cierto que nunca se habló de un cine catalogado como pop, que fuera paralelo al arte del mismo nombre, las películas que se proyectan en el ciclo (denominadas más bien como underground, experimentales o vanguardistas) de alguna manera exploran, critican, parodian o incluso homenajean la cultura de masas. El orden de las proyecciones es cronológico y, en su conjunto, muestran una especie de romance con la cultura de masas que acaba en desencanto. "En las primeras películas hay una gran fascinación por la publicidad, el cine, la música popular, la moda, las culturas de baile...", comenta Suárez. "Sin embargo las últimas pertenecen al momento amargo en que se evidencia que estas nuevas formas de expresión no han promovido una mejora de la vida colectiva y además han sido engullidas por el aparato de consumo capitalista

Warhol recreaba el cine de Hollywood sin apenas medios, con actores que no sabían actuar ni les interesaba, con una iluminación y sonido deliberadamente aberrantes, bandas sonoras que eran puro kitsch y encuadres y estilos de montajes totalmente heterodoxos. Explica el comisario del ciclo. "Por decirlo de alguna manera, son puro dadaismo: están al borde de lo ridículo y del delirio absoluto. Pero también hay un elemento de afecto por estas historias grotescas que nos hacen tanta compañía".


Godard, antes de la politización de su obra, contribuyó enormemente a generar una sensibilidad pop. Junto a otros críticos de Cahiers du Cinéma que también se convertirían en grandes directores (François Truffaut, Éric Rohmer, Claude Chabrol...) promovió la apreciación del cine clásico de Hollywood como la gran expresión artística del siglo XX. Por ello le rinde homenaje pero también critica su aparato, sus estrategias, lo manido de muchas de sus narrativas, su estilo... "Godard es particularmente feroz con la cultura de consumo, la publicidad, el culto al automóvil, a los electrodomésticos...", opina Juan Antonio Suárez. "Para él, estas prácticas y objetos cambian la vida diaria pero solo a un nivel muy superficial. Mientras, ayudan a mantener o incluso a empeorar la estructura de la sociedad en su conjunto. Por tanto, Godard es un cineasta pop crítico con la cultura de su entorno".

La actitud de todos estos cineastas, a los que habría que sumar a otros como Karel Reisz, Toni Richardson, Arthur Lipsett, Bruce Conner o Derek Jarman, presentes también en el ciclo, demuestra que la traslación del Arte Pop al medio audiovisual se hizo con una mayor intención crítica, algo que al final jugó en su contra. "El arte pop tuvo una aceptación crítica y comercial casi inmediata"


Muchos de los iconos del arte pop han sido elaborados gracias a la televisión, un elemento que ha fascinado a los artistas de esta corriente.

El artista James Nares en No Japs at MY Funeral (1968) a manera de ejemplo entiende la televisión como un transmisor de engaño y adoctrinamiento, un instrumento al servicio del estado que la utiliza para ocultar sus injusticias y abusos e intenta forjar un falso consenso sobre la realidad social

Hoy el pop nos invade con su banalidad y popularidad. La cultura de lo popular.

La publicidad coge la coctelera y te presentará el producto, donde "las nuevas modalidades artísticas desde los años 60 que proclaman la ruptura del formalismo y la autonomía del arte posmoderno, posibilitaron la relación con la industria cultural y la publicidad" (Pinilla Hurtado, Samuel (2012). «El arte pop amor y libertad».. Revista QUID (19): 53-61. ). Así vemos cómo puede revertir la publicidad desde la óptica de la historia del arte, para proyectarla como medio de conocimiento y aprendizaje de la denominada «alta cultura» frente a la «cultura popular» que se  asocia a la publicidad, (García, Enrique Mena (2016). «De cómo la publicidad se sirve de la historia del arte»)

 
-Jeff Koons, perro globo.
Te animas a tener arte en tu dormitorio (50% OFF Last 24 hour !
€61.69 €123.38)
-'Miguel Bosé', 1983, Andy Warhol 


VAMOS AL MUSEO/CINE:

Nos encontramos con el cine
 
Es el lugar más popular, de mass media.

-Inland Empire
Lynch describió la historia como «una historia misteriosa [...] en torno a una mujer... una mujer enamorada y con problemas».3​ La película es interpretada como un compendio del cine del director. La historia, compleja y con tintes pesadillescos, desarrolla distintos niveles argumentales entremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. Abunda en primeros planos expresionistas ,el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectos especiales unidos a las numerosas escenas cómico-grotescas que contiene producen un gran impacto visual. En su estreno, en diciembre de 2006, suscitó entre los críticos, al igual que los más recientes largometrajes del director, multitud de comentarios enfrentados, aunque la opinión fue mayoritariamente positiva.
 

-Cerca tenemos con la Filmoteca de Andalucía en Córdoba
 

La cartelería es una buena expresión gráfica. El grafismo pasa por los oficios, de técnicas, trabajos y de profesiones que intervienen en la gráfica o en la editorial, por caso, las mencionadas artes gráficas incluyen áreas como el diseño gráfico, la prensa, los diferentes sistemas de impresión, la encuadernación y los acabados.técnicas de dibujo, grabado y técnicas relacionadas con la imprenta. Entonces, podemos decir que las artes gráficas incluyen procesos artísticos que tienen el fin de crear y elaborar un diseño. Llegar al museo de artes gráficas es dejar volar la imaginación y la creativas. Lo que nos hace humanos se refleja en esta exoresión.Dibujo, grabado, Huecograbado, Serigrafía:  Impresión digital:Impresión digital: : Se aplica a todo, siendo lo más común verla en Rótulos y carteles, Packaging: Envases, cajas, recipientes, Etiquetas, Libros, y revistas, postales,, Indumentaria...
 
las relaciones interdisciplinares: literatura, cine, música, fotografía, artes plásticas, cómic, publicidad, artes escénicas, diseño y moda. 

. El diseño gráfico n objetivos determinados, donde es habitual el uso de texto y gráficos para comunicarse visualmente. Se basa en el principio de «la forma sigue a una función específica».


-Cartel para el Moulin Rouge de París. Realizado por Henri de Toulouse-Lautrec con litografía en color en 1891. Gracias al Art Nouveau, el diseño gráfico cobró orden y claridad visual en la composición
-Isotipo de la Escuela de la Bauhaus. Fundada en 1919 por Walter Gropius, es considerada la cuna de la profesión del diseño.

La democratización de las herramientas digitales no ha hecho a todos diseñados. Durante la última década ha cambiado por completo el proceso de producción editorial, y como se preparan los textos y gráficos que constituyen las publicaciones impresas o digitalesConocemos varios editores de diseño gráficos, desde el photoshop, Corel DRAW al gimp. Hoy está de moda Canva es un software de herramientas de diseño gráfico simplificado, fundado en 2012 y disponible en edición en línea también

A lo largo de la historia del Séptimo Arte, el cartel de cine ha sido uno de los principales medios de publicidad de las películas. Cine busca la comunicación con el consumidor utilizando elementos simples y comprensibles que, a la vez, causen impacto visual.
el siglo XXI nos encontramos ante la reelaboración de estos postulados estéticos, pero con unos renovados medios informáticos que facilitan y agilizan la confección del cartel y, a su vez, incrementan el eclecticismo visual



 

¿ Y qué me dices del comic?

 


Goku en 'Dragon Ball. Con su influencia en el manga, el anime o los videojuegos, el japonés
Akira Toriyama fue esencial para la cultura popular transmedia actual
 
 Del cómic a la viñeta, la tira de la prensa nos resumen las tendencias
 
  17 de marzo, se celebra Día del Cómic y del Tebeo, instaurado el año 2023 por el Ministerio de Cultura, con el objeto de impulsar el noveno arte. La fecha elegida conmemora la aparición del primer número de la legendaria revista TBO en 1917 (aunque algunas fuentes consideran que la revista vio la luz seis días antes, el 11 de marzo de aquel año).

 
A mediados de la década de los 50, el TBO era la revista de humor más leída de su época y llegaba a tirar más de 350.000 ejemplares. la Real Academia acabó aceptando la palabra «tebeo» para designar a las tiras gráficas, así como la expresión «estar más visto que el tebeo». De allí la editorial Bruguera, el humor corrosivo de La Codorniz, la obra completa de Francisco Ibáñez, cabeceras como El Papus o Hermano Lobo, y las tiras de Zipi y Zape. 

De 'TBO' a 'Tintín', la historia del tebeo
https://www.tboenclase.com/aquellos-inolvidables-tebeos/ 




34 Salón del Cómic de Barcelona

12 tiras cómicas top: Snoopy, Mafalda, Calvin y Hobbes... (esquire.com)
 
2023 ha sido el año de la inteligencia artificial generativa. Herramientas como ChatGPT, el chatbot de OpenAI lanzado a finales del año anterior, y generadores de imágenes a partir de textoEl último modelo de generación de imágenes de OpenAI, DALL-E 3, hace muy fácil crear cómics!"
 

Van Gogh generada por la IA Dreamlike
 
 Del cómic a la novela gráfica
'La inevitable ceguera de Billie Scott' de Zoe Thorogood., 2023
Pintar diez cuadros en dos semanas: ese es el reto de Billie. Porque luego se quedará ciega. Una sinopsis impactante para una novela gráfica cargada de sorpresas, donde el elemento emocional está presente desde el inicio tanto para remover como para reactivar consciencias. El trazo de Zoe Thorogood cautiva nada más abrir el cómic, con un planteamiento visual alejado del mainstream: colores ocres y pluma afilada.



Juan Esplandiú. 'Curiosidades, datos y pormenores de la villa de Madrid y de sus habitantes'.
FUNDACIÓN COLECCIÓN ABC
 

PARA SABER MÁS, VER:
LIBRO BLANCO DEL CÓMIC EN ESPAÑA

TE RETO EN FORMA DE REFLEXIÓN:

NOTA: 
Tendrás que presentar tus trabajos finales o proyectos utilizando el programa eXe-Learning 

(eXeLearning.net)


Jorge Ballester. Memoria prospectiva. Ucronías, Autopsias, Vendette.

 1. Analizar producciones de distintos movimientos culturales y artísticos desde las vanguardias a la actualidad, reflexionando de forma abierta y crítica sobre su contexto histórico y sus aspectos singulares y comunes, para comprender el valor del arte como representación del espíritu de una época.

2. Explicar el valor social del patrimonio, reflexionando sobre el compromiso del arte con su época y sobre la importancia de la libertad de expresión en producciones culturales y artísticas, para construir una mirada sobre el arte que reconozca, valore y respete la diversidad cultural.

3. Explorar y valorar los lenguajes y los códigos de diferentes manifestaciones culturales y artísticas desde las vanguardias hasta la actualidad, identificando y comprendiendo sus características, referentes e intencionalidades, para potenciar las posibilidades de disfrute estético.

4. Analizar la evolución del arte y la cultura en la historia reciente, identificando los distintos ámbitos en los que se producen y manifiestan, así como el valor de la innovación y el papel de las tecnologías, para desarrollar un criterio informado y crítico ante el hecho artístico que favorezca la identificación de oportunidades de desarrollo personal, social, académico y profesional.

5. Explicar la práctica cultural y artística como un medio de expresión y comunicación individual y colectivo de ideas, opiniones y sentimientos, a partir de un análisis crítico de diversas manifestaciones culturales y artísticas que incluya también una reflexión sobre su impacto ambiental, económico y social, para profundizar en el conocimiento de la sociedad contemporánea y promover el compromiso personal con la sostenibilidaD



RECURSOS
BIBLIO/WEBGRAFÍA

PARA JUSTIFICAR TUS RESPUESTAS, TENDRÁS QUE UTILIZAR LOS RECURSOS QUE TE PROPONGO

Tu respuesta, se justificarán con recursos de Arte, Cine, Fotografía, Música o Cómic


BIBLIO/WEBGRAFÍA:-

-Pinilla Hurtado, Samuel (2012). «El arte pop amor y libertad»Revista QUID (19): 53-61. 
-Mitos del Pop. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, 2014
en BENJAMIN, Walter Discursos Interrumpidos I, Taurus, Buenos Aires, 1989
-https://exposicion.50fotografiasconhistoria.es/visita-guiada
- LA HISTORIETA GRÁFICA: CÓMIC, TEBEO Y SIMILARES. Vol. 21 Núm. 39 (2009): 
https://fuenteshumanisticas.azc.uam.mx/index.php/rfh/issue/view/21
-Bravo, Rafael Ángel (4 de marzo de 2016). Universidad Francisco José de Caldas, ed. «Vigencia de la Bauhaus en la formación académica de los diseñadores gráficos». Archivado desde el original el 16 de junio de 2020.
- Diseño visual. Fundamentos de diseño y producción de impresiones. p. 29. Consultado el 5 de enero de 2016 
-López López, Anna María Diseño Gráfico Digital. Editorial ANAYA Multimedia. Consultado el 6 de febrero de 2020.
- Nekane Parejo Jiménez: La fotografía en el cartel. REVISTA CIENTÍFICA DE CINE Y FOTOGRAFÍA, 2010





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